Hvordan man designer en karakter

Nogle karakterer er umulige at glemme.

Det skyldes som regel, at figurens design fortæller en historie, før figuren overhovedet bevæger sig eller taler. Faktisk er det, at figurerne er mindeværdige, der adskiller dem fra simple illustrationer.

Jeg vil gerne afsløre: Det er ikke let at designe en figur. Nogle gange kan det se simpelt ud udefra. Ikoniske figurer som Mickey Mouse eller Eric Cartman fra South Park er så enkle som de kan blive. Men det betyder ikke, at de er enkle at skabe.

Faktisk bruges der meget tid og kræfter på at forenkle en karakter og gøre den så effektiv som muligt. Men karakterer kan også være komplekse. Tænk på Final Fantasy og dets detaljerede univers - hvad skal der til for at designe disse karakterer?

I forbindelse med denne artikel spurgte vi @maddastic om hendes kreative proces, og vi har også lavet en video i samarbejde med hende, der viser dig de værktøjer og teknikker, hun bruger til at designe en figur fra start til slut i Vectornator. Se den endelig!

Jocasta og hendes venlige spøgelse, skabt af Maddy Zoli

Men du må heller ikke gå glip af teorien, som er forklaret nedenfor trin for trin. Men først:

Hvad er karakterdesign?

Karakterdesign er processen med at skabe og illustrere en personlighed, der passer til en bestemt visuel historie.

Karakterer bruges ofte på skærmen, f.eks. i tegnefilm, film og spil, men de er også designet til bøger, enten mangaer, tegneserier, illustrerede børnebøger eller grafiske romaner.

Men karakterdesign indebærer meget mere end blot at skabe noget smukt. Det omfatter alt om design i det hele taget: principperne, teorien og frem for alt udførelsen.

Derfor er karakterdesign så vigtigt at kende som kunstner, da det berører så mange facetter af den kreative designproces, at du er sikker på at løfte alle dine tekniske færdigheder til det næste niveau.

Illustration af Maddy Zoli

At skabe en karakter betyder at skabe et design, der afspejler personlighed, holdning og relaterbarhed.

Brugerne skal kunne identificere sig med den. Selv om du ønsker at skabe karakterer, som du personligt elsker, skal du også skabe dem til din målgruppe. Det kan betyde, at du skal overholde visse produkt- eller projektkrav.

Når vi går videre til de grundlæggende principper for karakterdesign, vil du bemærke, at personlighed, historiefortælling og evnen til at være mindeværdig er de vigtigste aspekter i denne proces.

Start med forskning

Hvis du har læst nogle af vores "hvordan man" artikler, ved du, at dette er dit første skridt i enhver form for kreativt arbejde.

Præproduktion er oftest det vigtigste trin i din kreative proces. Det er her, du forstår, hvad du skal skabe, og du får også den kreative saft til at flyde.

Du skal ikke bare surfe på internettet, men tage din kritiske tankegang på og forsøge at dekonstruere, hvorfor andre figurer er vellykkede, mens andre ikke er det. Undersøg figurdesigns fra forskellige kilder, og analysér, hvorfor du kan lide nogle af deres særlige aspekter. Din hjerne er som et visuelt bibliotek; jo flere kilder du har, jo bedre er det.

Du er omgivet af en lang række fantastiske personer i din hverdag: dine venner, din familie, politiske personer. Tænk på den måde, de går, taler, klæder sig og gestikulerer på, og brug lidt metodeteori i dit design.

Når du har lavet din research, kan du samle alle dine inspirationskilder i et moodboard, som kan vejlede din proces yderligere.

Men fjern dig selv fra referencer

I næste fase er det vigtigt at tage et skridt tilbage fra alt det, du undersøger, da du ikke ønsker at begå en af de største forbrydelser inden for karakterdesign: at gentage det, som andre har gjort før dig.

Nogle kunstnere foretrækker slet ikke at have et moodboard, fordi det kan påvirke deres proces for meget. At huske dine referencer fra din hukommelse kan udløse mere kreativitet undervejs.

Bruger

Karakterdesign er ikke så simpelt som at sætte sig ned og tegne karakterer for sjov.

Det er slutbrugeren, der i sidste ende stiller kravene. Selv om det kan føles som om det er kunden, der bestemmer, ville de ikke skabe et produkt uden at vide, at der er en efterspørgsel efter det. Og produktet ville ikke se ud som det gør eller have den effekt, det har, uden at tage hensyn til, hvad brugeren har brug for og ønsker.

Der er mange vinkler, du kan se på, før du designer en figur, og din illustration afhænger af, hvad dine mål er. Er det til en tegnefilmsserie, en manga, en børnebog, et videospil eller en figur til et videospil?

Det er næsten som at skabe et produkt i sig selv, så du er nødt til at stille dig selv disse ekstra spørgsmål:

• Hvem er din slutbruger?
• I hvilken sammenhæng vil din figur blive brugt?
• Hvordan er din karakter fordelt?

Sidstnævnte er vigtigt for at vide, hvor mange detaljer der skal indgå i dine designs.

Der er en grund til, at Cartoon Network-figurer er så forenklede, mens Disney-figurer er mere komplekse. Det er ikke fordi Cartoon Network er doven (det er andres ord, ikke vores!), det er bare et spørgsmål om en balance mellem, hvad en figur skal repræsentere, hvilket detaljeringsniveau historiens medium giver mulighed for, og hvor hurtigt man kan fortælle historien med så få ressourcer som muligt. Når man har detteligning i tankerne, at Cartoon Network gør et fremragende stykke arbejde.

Det kan godt være, at bestillingsarbejde er mere restriktivt, men det er ikke mindre kreativt. Tværtimod er det den måde, du udfører det på inden for visse rammer, der gør kreativiteten til noget.

Betydningen af miljøet

Vi siger ikke, at du skal illustrere en hel verden for din karakter, medmindre det er det, der kræves i kravet.

Men du skal forestille dig dette univers i dit hoved. Din karakter er ikke bare en flot illustration at se på. Det er en person, der lever i sin egen verden, og på grund af denne verden og den måde, de interagerer med den på, er de den, de er.

De omgivelser, som din figur lever i, vil bidrage til at gøre din skabelse mere troværdig.

Det større spørgsmål er: karakter eller miljø først?

Det er op til dig. Nogle opbygger et helt univers før karakteren, andre omvendt, mens andre gør begge dele på samme tid. Hjælper vi ikke?

Tænk på følgende: Når du vil designe en karakter, hvad er så det første, du tænker på - en person eller en verden? Følg dit instinkt, når du træffer dine designbeslutninger, men glem ikke at bygge begge dele.

Hvad er din karakter's baggrundshistorie?

Eller hvordan interagerede din figur med sine omgivelser, indtil du tegnede den?

Men tænk på, at karakteren eksisterede, før du overhovedet skabte den. Der skal være en grund til, hvorfor dine karakterer er, som de er.

Svar på disse spørgsmål:

• Ud af hele din figurs univers, hvor kommer de helt specifikt fra?
• Hvilke livsomvæltende begivenheder er der sket i deres fortid?
• Hvordan har disse begivenheder ændret din karakter?
• Hvem er deres venner og familie?
• Hvor bor de nu?
• Hvad er deres arv?
• Hvad er deres opgave?

Du kan blive meget detaljeret her, selv ned til, hvad de kan lide at spise. Fortabe dig ikke for meget i det uldne, men så længe disse spørgsmål hjælper med at opbygge din karakter, og du har det sjovt med det, er der ingen skade sket. Prøv dog ikke at blive viklet ind i det. Du vil måske opdage, at baggrundshistorien er mere spændende end selve karakteren.

Svaret på disse spørgsmål er med til at styrke din karakter og vil påvirke din karakterpersonlighed, hvilket vi vil tale om om lidt senere.

Mål, mål, mål, mål

De er drivkraften bag din figurs karaktertræk og personlighed.

Meget ofte handler det om noget, der mangler. Privilegier, penge, kærlighed, Nemo. Du kan bruge nogle af de mest klassiske konflikter til at skabe et dramatisk skub bag din figurs handlinger.

Giv din karakter en udfoldet personlighed

Din figurs personlighed vil være en integreret del af fortællingen, hvilket i sidste ende vil gøre din karakter mindeværdig.

Du skal ikke tro, at dine avancerede tegneteknikker er nok - selv om de hjælper en hel del! Fordi folk forbinder sig med personligheder i endnu højere grad end med smukke designs. En sammenhængende personlighed, der afspejles i hele dit design, vil få folk til at forbinde sig med din karakter og relatere til den. Og som følge heraf vil din karakter betyde noget for dine seere.

En stor del af din figurs personlighed afsløres gennem deres positur, deres ansigtsudtryk og det tøj, de har på. Hvis du finder ud af dette, vil det hjælpe dig meget i de følgende trin.

Så sørg for at forstå din figurs karaktertræk, før du laver dine skitser. Du skal kende din figur så godt, at du kan genkende den med det samme, hvis din figur kommer ind til en fest, og du kan forudse dens reaktioner.

i karakterdesignprocessen er at give dine karakterer en unik kropsform, som kan genkendes med det samme.

Enhver bør kunne identificere din figur ud fra en opstilling, selv om det kun er en sort/hvid skitse.

Overdrivelse

Den enkleste måde at gøre det på er ved at bruge overdrivelse.

Prøv ikke at følge de anatomiske regler for nøje, når du skaber din figur. Ved at overdrive din figurs ydre udseende vil personligheden straks skinne igennem. Og du er meget tættere på at gøre din figur større end livet.

Du skal ikke være bange for, at det vil gøre din figur til en karikatur. Afhængigt af, hvad dit projekt kræver, kan du skabe overdrivelser med forskellige grader af intensitet. Men tænk på det på denne måde: Hvis din figur er stærk, som Mr. Incredible, så pump musklerne op og gør deres arme store.

Teori om form

Overvej altid formteorien!

Formteori er et koncept, der bruges i karakterdesign til at kommunikere mening baseret på former, som vi kender. Simple former kan fortælle en historie, vise personlighed og udløse en følelsesmæssig reaktion hos dit publikum uden at bruge ord.

Cirkler og ovaler er f.eks. fremragende til venlige figurer, mens firkantede kæber, skuldre og endda hænder giver en følelse af styrke, men også balance og disciplin. Trekanter er den skarpeste af grundformerne, og ved at overdrive deres vinkler kan du få en truende eller ond karakter.

Men det betyder ikke, at du heller ikke kan bruge kantede former i positive figurer. Krigere kan f.eks. have pigge på deres tøj for at beskytte sig. Eller kantet hår eller ansigtsstruktur, fordi de er intellektuelt skarpe.

På samme måde kan negative karakterer være bygget af afrundede former i et forsøg på at vildlede dit publikum om karakterens sande hensigter.

Klicheer

Selv om du bør bruge formteorien med et gran salt, giver den dig stadig værdifuld indsigt i, hvor du skal starte.

Der findes en masse undervisningsmateriale derude, som fortæller dig, hvordan du skal opbygge din karakter. Vidste du, at Bugs Bunny var baseret på arketypen "Screwball"? Denne arketype har et aflangt hoved, overdrevne træk, en bønneformet krop, lav pande og tynde ben.

Denne arketype er en af mange, der er udviklet af Preston Blair, en veteran fra Disney og MGM, der bogstaveligt talt skrev tegneseriefigurernes designbibel i 1947. Han brugte de figurer, han skabte i sin produktive karriere, som referencer til at illustrere, hvordan forskellige arketyper som Screwball, den søde figur og Goofy Character kan tegnes.

Kilde: Animation Resources

Men selv om Blairs vejledning er et fantastisk godt udgangspunkt, er der ikke mange faste regler for, hvordan du skal designe dine egne figurer.

Der er visse typer karakterer, der dukker op igen og igen, f.eks. en prinsesse med flydende, gyldne lokker. Når du først sidder og skitserer din karakter, er det sandsynligt, at du vil indarbejde mindst én kliché. Du skal bare presse dig selv til at blive ved med at tegne og finde mere fantasifulde måder at formidle din figurs personlighed på.

Pose

En anden god måde at gøre din figur tydelig på er ved at forbedre dens positur.

En simpel måde at tjekke en figurs positur på er ved at lave din faktiske figur om til en silhuet - altså gøre den helt sort - og så kan du tjekke, om nogle bevægelser eller former kan skubbes yderligere for at gøre den mere ikonisk.

Hvad kan du forenkle? Er der elementer, der overlapper hinanden? Stil dig selv disse spørgsmål, og vær virkelig kritisk, når du analyserer silhuetten.

Kilde: Referencer for karakterdesign

Ansigtsudtryk

Selv hvis du ikke skaber en animeret figur, skal du give dem ansigtsudtryk og en række følelser, der passer til deres personlighed og fremhæver deres karaktertræk yderligere.

Afhængigt af sidstnævnte skal du vælge mellem afdæmpede eller vildt overdrevne udtryk. Klassiske eksempler på overdrevne udtryk findes i den legendariske tegnefilm Svampebob Firkant. Øjnene springer ud af hovedet på karakteren, kæberne falder ned til højre og venstre. Men der er også meget afdæmpede udtryk som dem hos Saitama i One Punch Man, hvis hele persona er bygget op omkringdødskure reaktioner.

Leg lidt rundt, indtil du finder det, der føles rigtigt. Lav andre karakterstudier, men den hurtigste måde at forstå, hvordan et ansigt bevæger sig i forskellige situationer, er ved at tage et spejl op. Se, hvordan dine muskler ændrer øjenbrynenes form, mundvigene og øjnenes form. Det er den gyldne treenighed af følelsesmæssige signaler.

Bemærk også, at dit ansigt ikke er 100 % symmetrisk, så prøv at tage højde for det i dit design, for det vil gøre din figur meget mere troværdig.

Hår, tøj og tilbehør

En af de sværeste ting at tegne digitalt, og især med vektorer, er hår.

Professionelle billedkunstnere erklærer, at de hadede at tegne hår i begyndelsen af deres karriere, men nu elsker de processen i stedet!

Du tror måske, at du skal tegne hvert enkelt hårstrå, men tænk mere på håret som en stor, organisk form, der bevæger sig sammen med karakteren og omgivelserne. Det er en fantastisk måde at vise bevægelse og energi i dit værk på. Behandl håret som en vigtig rekvisit, der fortæller historien.

Det siger sig selv, at tøj og tilbehør tjener det samme formål.

Ligesom du elsker at klæde dig på en bestemt måde, gør din karakter det også. Den beklædning, de bærer, er en afspejling af deres personlighed, og dit stilistiske valg her vil gøre dem troværdige og relaterbare.

Hvis din figur har et arbejde, som Mario, vil han se ud som en del af det ved at bære en uniform. Hvis din figur er en "wannabe normal teenager" som Jocasta (Maddys figur), vil hun bære tøj, der får hende til at falde ind i mængden. Læg dog mærke til, at hendes hår er smaragdgrønt for at antyde, at hun faktisk er noget helt særligt.

Når du designer tøj og tilbehør, skal du tænke på din figurs kulturelle baggrund samt alder, tilhørsforhold og status for at skabe en fornemmelse af, hvem figuren er.

Jocasta af Maddy Zoli

Farver

Naturligvis forbinder folk mørke farver med skurke, men også med mystiske typer.

Lyse farver er normalt forbeholdt gode fyre, søde personligheder og rene hensigter, men du skal ikke være bange for at bryde disse klicheer.

Når du tænker over det, er nogle af de mest berømte figurer illustreret med den mest minimale farvepalet. En godt designet palet er genkendelig alene ud fra rektangulære farveprøver. Tal om magt! Kombinationen af en god silhuet og en god palet er din billet til at designe en ikonisk figur.

Kilde: Unreality Mag

Så vær selektiv. Vælg din hovedfarve, og tilføj en begrænset palette til den, som støtter den uden at konkurrere.

Sørg for, at dine farver ikke smelter sammen ved at sikre, at forskellen i værdi mellem farverne er stor nok til at blive opfattet som kontrasterende. Det kan du gøre ved at lave din figur i gråtoner - hvis dine gråtoner ser meget ens ud, skal du ændre værdien af nogle af dine farver. Vi har en hel artikel om, hvordan man skaber unikke farvepaletter, og vi beskriver dette aspekt deri somgodt.

Endelig lever din figur ikke i et tomrum. Selv hvis din baggrund ikke er færdig endnu, skal du lave den i en mellemtone af grå for at forstå, hvordan dine lyse og mørke farver ser ud i forhold til den.

Skitse

Din første tegning til karakterdesign bør være en grov skitse, der skitserer din figurs generelle anatomi.

Efterhånden som du fortsætter med at skitsere, får du en bedre fornemmelse for din figur, hvilket vil gøre det muligt for dig at skabe en mere finpudset, endelig version.

Maddy kan godt lide at bruge Procreate til denne fase, da det giver hende stor frihed til at skitsere. Det er også her, hun identificerer lyskilden, og hvordan den påvirker skygger og højlys.

Nogle kunstnere foretrækker også at tegne figurer i miniaturestørrelse og lave flere variationer på det samme lærred med fokus på de vigtigste former og bevægelser. Variation kan hjælpe dig med at træffe en beslutning om, hvilken kameravinkel du fanger, og hvad der fortæller historien bedst.

Det gælder om at skitsere så mange idéer som muligt uden at tænke for meget og uden at være for kritisk over for udførelsen, for det kan der ryddes op i det sidste trin!

Færdiggør

Efter at have lagt alt dette grundarbejde er vi meget tæt på målstregen.

Det næste skridt er at færdiggøre alle detaljerne i din figur. Dit medie vil variere alt efter, hvordan du planlægger at bruge din figur. En tegneseriekunstner vil måske færdiggøre sin figur med blæk og farveblyanter på papir.

Men de fleste designere i dag har vendt sig mod digitale enheder til deres mesterværker. Vektorbaserede programmer som Vectornator er en favorit, da dit endelige værk vil ende med at se skarpt og af høj kvalitet ud, uanset hvilket medie det vises på, og uanset opløsningen.

Digitaliseringsprocessen af din figur bliver nemmere med en veludarbejdet skitse. Så i dette trin kan du blot spore din skitse med vektorer. Når du har importeret skitsen, foretrækker Maddy at bruge blyantværktøjet, da det føles mere som en pen på papir, og det er nemmere at manipulere.

Når omridset er færdigt, går hun videre til farve, skygger, lys, højdepunkter og til sidst tilføjer hun baggrunden, alt sammen på separate lag. Se hele videoserien for at se hele processen.

Lad os opsummere det hele: Karakterdesign er en af de vigtigste kunstneriske færdigheder, du kan lære som illustrator.

Vi har berørt så mange principper, som vil hjælpe dig med at blive en bedre kunstner generelt. Selv om processen ligner mange andre discipliner (ideationsfasen, konceptionsfasen, prototypefasen og testfasen, indtil du når frem til det endelige design), er det, der gør karakterdesign anderledes, at det giver din fantasi frit løb.

Vectornator er det perfekte værktøj til at skabe dine egne originale figurer med stærke vektorformer.

Du kan downloade Vectornator gratis for at komme i gang. Øv dig med disse tips til karakterdesign, og tag os på sociale medier, når du vækker din karakter til live!