목차
알폰스 무하와 아르누보의 역사
- 아르누보란 무엇인가?
- 포스터의 거장 무하
- 사라 베른하르트 요인
- 60, 70년대 아르누보의 귀환
- 무하의 유산
삶과 그 변화하는 미학은 시대와 주기에 따라 전개된다.
패션처럼 , 음악과 언어, 일반적인 일상의 미학은 수십 년에 걸쳐 변화하며(예: 90년대, 2000년대, 2010년대 f.ex.) 미술사의 시대는 똑같이 변화와 순환의 대상입니다.
또한보십시오: 모션 그래픽이 브랜드를 강화하는 방법가장 인기 있는 20세기 현대 미술의 총체적인 시대의 예술과 양식 시대는 아르누보입니다. 아르누보 미술운동은 1890년경부터 1910년까지 벨 에포크 시대에 대유행하였다. 역사주의와 현대미술 사이의 미술시기였다.
아르누보란?
아르누보 디자인 스타일은 벨기에에서 시작되어 유럽 전역에 들불처럼 퍼져 미국까지 휩쓸었습니다.
그것은 진정으로 국제적인 스타일이 되었습니다. 아르누보 라는 용어는 1880년대 벨기에의 잡지 L'Art Moderne에서 Les Vingt, 20명의 화가, 예술을 통해 개혁을 추구하는 조각가들의 작품을 설명하기 위해 처음 만들어졌습니다. 이 이름은 1895년 파리에서 문을 연 미술관인 "Maison de l'Art Nouveau"("새로운 예술의 집")에 의해 대중화되었습니다.
영국에서 스타일의 궁극적인 선구자는 심미주의였습니다. ~의논문, Ruinart Champagne, Lefèvre-Utile 비스킷, Nestlé 이유식, Idéal Chocolate, Meuse의 맥주, Moët-Chandon 샴페인, Trappestine 브랜디, Waverly 및 Perfect 자전거. 그는 심지어 보석상인 Fouquet와 협업하기도 했습니다.
포스터는 이제 예술 형식으로 간주되었으며 이제 상업적으로 복제되어 일상 생활에서 모든 사람이 즐길 수 있게 되었습니다.1896년 무하는 아르누보 포스터 예술의 하이라이트 중 하나로 여겨지는 동백꽃의 여인으로 사라 베른하르트를 위해 포스터를 디자인했습니다.
또한보십시오: 트릭 오어 트릿: 무료 디자인 에셋으로 오싹한 시즌 축하하기
왼쪽: 알폰스 무하 라 Dame Aux Camelias, 1896. 이미지 출처: Pixels.com .오른쪽: Alphonse Mucha, Sarah Bernhardt와 함께한 Tosca의 포스터, 1899. 이미지 출처: meisterdrucke. de.
1897년 무하는 그의 가장 중요한 일러스트레이션 작품 중 하나인 로베르 드 플레르(Robert de Flers)의 프랑스 동화 Ilsée, Princesse de Tripoli를 위한 134색 석판화를 제작했습니다. 아르누보 북 일러스트레이션의 가장 중요한 작품 중 하나이다.
트리폴리의 공주, 알폰스 무하의 북 일러스트레이션, 1897. 이미지 출처: Pixels.com .
무하는 말년에 아르누보에서 탈피하여 1911년부터 1928년까지 슬라브 민족의 역사에 대한 기념비적인 서사시인 슬라브 서사시를 창작했습니다. ; 20개의 거대한 그림으로 구성된 사이클.
경제적으로 독립한 그는 아내와 두 자녀와 함께 성에서 살았습니다.프라하 북쪽. 아르누보 양식의 경향은 1920년대 아르데코의 더 날카롭고 기하학적인 형태와 더 산업적인 직선의 출현을 위한 여지를 만들어 1차 세계대전 이전에 대부분 사라졌습니다.
60~70년대 아르누보의 귀환
아르누보의 영향은 60~70년대 포스터 예술 전반에 걸쳐 울려 퍼졌다. 아르누보 디자인은 1960~70년대 사이키델릭 운동의 꽃과 공작새와 같은 여성적이고 유기적인 형태에 영향을 미쳤다.
좌: Alphonse Mucha, 1896. 우: Bonnie Maclean, 1967. Image 출처: retroavangarda.com
사이키델릭 예술가들은 종종 The Grateful Dead f.ex와 같은 밴드의 포스터에 아르누보 예술 작품을 복사했습니다. 부드럽고 흐르는 듯한 형태와 레터링도 컴백했는데, 이번에는 조금 더 엣지있게, 은은하지 않으면서 애시드 여행을 닮은 배색으로.
무하의 유산
오늘도 , 무하의 유산은 계속 이어지고 있습니다.
현대 미술상을 수상한 Echo Chernik은 아르누보의 기복이 심한 선에서 영향을 받아 현재의 양식 언어를 전달합니다.
버포드 하이웨이 Farmer's Market / Goddesses of Cuisine, 이미지 출처: Echo Chernik
방탄소년단의 팬 아트와 곡선 장식을 훌륭하게 결합한 Val Sannais와 같은 재능 있는 현대 예술가를 가끔 발견할 수도 있습니다.알폰스 무하.
Val Sannais의 방탄소년단 제이홉 팬아트. 이미지 출처: Twitter
무하와 아르누보의 유산과 영향은 상업적인 그래픽 디자인과 장인 정신이 끝없이 재생산될 수 있는 예술 형식으로 승격되는 길을 열었습니다.
Giacomo Puccini의 오페라 "Tosca" 포스터 디자인, Connecticut Opera, by Echo Chernik.이미지 출처: Echochernik.com.
당신을 예술의 세계로 안내하여 영감을 주었나요? 누보? 그렇다면 최신 버전의 Vectornator를 다운로드하고 창의력을 발휘하십시오! 나만의 아르누보 포스터를 그리고 소셜 미디어 채널과 커뮤니티 갤러리에서 걸작을 공유하세요!
유기적 라인의 표현력을 강조한 일러스트레이터 Aubrey Beardsley와 응용 예술에서 생생한 꽃 스타일의 중요성을 확고히 한 William Morris의 예술 및 공예 운동. 유럽 대륙에서 아르누보는 화가 폴 고갱(Paul Gauguin)과 앙리 드 툴루즈 로트렉(Henri de Toulouse-Lautrec)의 표현적인 선 실험에 영향을 받았습니다.
오브리 비어즐리, Illustrations for Oscar Wilde's Salome, 1893, Climax, Stephen Calloway, 사진: ©Tate, 이미지 출처: anothermanmag.com
이 운동은 독일에서는 "Jugendstil", 오스트리아에서는 "Sezessionsstil", "Stile"로 알려졌습니다. 이탈리아에서는 "Floreale", 네덜란드에서는 "Nieuwe Kunst"로, 스페인에서는 "Modernismo"로 불립니다.
영국에서는 아르누보를 '모던 스타일'로, 미국 아르누보는 '티파니'로 불렀습니다. 스타일". (Louis Sullivan과 미국 유리 디자이너 Louis Comfort Tiffany와 같은 디자이너들이 미국에서 이 운동을 형성했습니다.)
Gustav Klimt, Medicine, detail, 1900-1907. 이미지 출처: ebay.uk.
아르누보는 17세기부터 19세기까지 미술교육을 지배했던 경직된 역사미술시대의 날카롭고 냉혹한 선과 열악한 생활환경에 대한 반항이자 반항이었다. 산업 혁명의 영혼 없는 대량 생산 제품.
아르누보에는 빅토리아 시대의 영향이 있지만 보다 단순화된대표. 빅토리아 시대의 과잉은 그 본질에까지 영향을 미쳤습니다. 과거의 많은 예술 운동은 종교적 아이콘의 영향을 강하게 받았지만 아르누보는 다른 메시지를 보냈습니다. 가장 영적인 경험은 자연계에서 이루어져야 한다는 것입니다. Darwin의 "Origin of Species"(1859년 출판)는 교회에서 벗어나 예술가로서 자연을 바라보는 이러한 전환의 핵심 요소였습니다.
설립되었습니다.고전적인 학문적 예술 시스템 내에서 조각과 유화의 예술 분야는 우월한 것으로 간주되는 반면 장식 예술과 공예는 그 중요성과 가치가 낮은 것으로 간주되었습니다. 이러한 장인 정신의 소홀함은 당시 산업적으로 제조된 값싼 상품의 품질과 외관이 좋지 않음에 반영되었습니다.
아르누보는 절충주의적인 스타일과 움직임으로 예술과 공예, 장식적인 상업 예술을 하나의 예술로 승격시켰습니다. 우수한 예술 형식. 건축, 가구, 패션, 식기, 장신구, 카드 및 포스터의 상업 인쇄뿐만 아니라 실용적인 물건 및 관련 공예품의 생산도 예술 형식으로 격상되었습니다. 아르누보 시대에 다시 태어나 일상생활에서 사용 가능한 모든 물건이 예술로 창조되고 숭배되었습니다. 만들기를 강조했다.실용적이면서도 아름다운 기능성 제품. 예술가, 디자이너, 장식 화가들은 예술과 장인 정신의 모든 분야를 하나의 공통된 스타일로 통합하여 주민들을 고양시키고 영감을 주는 정신적으로 고양시키는 Gesamtkunstwerk("총 예술 작품")를 달성하고자 했습니다.
아르누보 스타일의 또 다른 중요한 측면은 자연으로의 회귀, 여성의 형태, 꽃 장식, 예술에서 관능적인 흐르는 형태의 복제였습니다. 자연에서 영감을 받은 장식적인 곡선, 공작 깃털, 꽃 장식으로 오브제를 만들었습니다.
피콕 도어는 시카고의 Louis Comfort Tiffany가 디자인했습니다. 이미지 출처: tumblr.com
흐르는 윤곽에 대한 강조는 일반적으로 음소거된 녹색, 갈색, 노란색 및 파란색과 같은 색조로 표현되는 색상보다 우선했습니다.
이러한 스타일을 위해 오브제와 포스터에 묘사된 많은 여성들이 착용하는 국수 모양의 머리 장식과 구부러진 식물을 암시하는 "누들 스타일" 또는 "누들 스타일"이라는 조롱 용어가 자주 사용되었습니다.
다양한 꽃무늬를 지닌 아르누보는 역사주의에서 벗어나 완전히 새로운 것을 창조했습니다. 이 운동에서 일본 목판화의 영향은 특히 단색 영역과 원근감 없이 이미지가 디자인된 방식에서 매우 분명합니다.
이 현상은나중에 자포니즘으로 만들어졌습니다. 이러한 영향은 주로 꽃무늬, 구부러진 형태, 휘어진 곡선으로 구성된 일본 목판화(우키요에)에 의해 유도되었습니다. 이러한 영향은 1860년대 일본과의 무역권이 확립된 이후부터 시작되었습니다.
일본 목판화, 가쓰시카 호쿠사이: 가나가와의 대파, 1831년. 아르누보의. 이미지 출처: bimago.de.
아르누보에도 와비사브 의 의미가 있는데, 이는 완벽함을 뜻하는 일본식 개념이다. 불완전함.
와비사비 는 자연은 완벽하지 않으며 그 우아함과 관능적 존재가 완벽함이나 산업화, 탄생, 삶, 쇠퇴의 순환으로 통제되기보다는 찬양되어야 함을 강조합니다. 그리고 죽음은 아르누보의 불가결한 부분이다.
이 시기의 많은 유명 작품들은 모호한 느낌을 가지고 있다. 덩굴과 같은 배치는 그림의 배경에 등장하는 그림자 인물과 결합되었습니다. 검은 고양이와 박쥐와 같은 밤의 생물을 축하했습니다.
Tournée du Chat Noir 포스터, Henri de Toulouse-Lautrec, 1896, 컬러 석판화. 이미지 출처: ebay .
갑자기 어둠이 매력적이고 아름다운 것으로 인식되면서 자연의 신비가 기념되었습니다.
Long 곱슬거리는 머리카락과 신선한 피부가 그림에 등장하고 부드럽고벨벳 원단과 무성한 곡선은 가구를 장식하는 데 사용되었습니다. 아르누보 걸작의 여성들은 순결한 천사가 아니었습니다. 그들은 반항과 유혹의 분위기를 가졌습니다. 그들은 헐렁한 가운이나 주름진 천을 입고 자연을 모방한 머리 장식으로 장식했습니다. 고급 예술과 상업 예술의 분리가 극복되었습니다.
이제 모든 사람이 예술을 접할 수 있게 되었습니다. 결과적으로 예술은 사진과 마찬가지로 다중 복제를 위한 템플릿이 될 수 있습니다. 아마도 아르누보 예술 운동의 가장 오래 지속되는 유산은 포스터 디자인에서 찾을 수 있을 것입니다. 체코의 예술가 알폰스 무하(Alfons Mucha)는 상업 공예품을 현대 미술 형식으로 승격시켰습니다.포스터의 거장 무하
체코의 화가이자 포스터작가, 그래픽디자이너, 일러스트레이터, 아마추어 사진작가, 공예가인 알폰스 무하는 아르누보 운동. 아르누보는 파리에서 " 르 스타일 무하" 라고도 불렸습니다. 차분한 파스텔 팔레트를 사용하여 아티스트는 식물을 배경으로 포즈를 취한 아름다운 여성을 그렸습니다. 그는 꽃무늬 라인, 장식 요소 및 관능적인 자연 형태로 아르누보 미학을 기념했습니다.
1860년 7월 24일 오늘날의 체코 공화국 이반치체에서 알폰스 마리아 무하로 태어난 그의 어린 시절은 다음과 같은 영향 요인에 의해 형성되었습니다. 그의 가톨릭 양육, 음악에 대한 관심, 예술적 재능. 무하의 미술 경력 시작독학으로. 1885년부터 1887년까지 뮌헨 미술 아카데미에서 교육 목적으로 잠시 근무한 후, Mucha는 1888년에 파리로 이주하기로 과감한 결정을 내렸습니다.
파리에 사는 동안 Mucha는 그림에서 잡지 삽화에 초점을 맞춥니다. 산업혁명이 진행되면서 인쇄 기술은 더욱 정교해졌습니다. 19세기 초 파리의 거리는 포스터로 뒤덮였습니다. 매체는 인기와 존경을 얻었고 상업화의 수단으로 사용되었습니다.
이 시기는 광고에서 복제 가능한 예술과 2D 디자인의 중요성을 굳혔습니다.
"리소그래피와 함께 복제 기술은 근본적으로 새로운 기술에 도달했습니다. 돌에 그림을 그리는 것과 나무 블록에 새기는 것과 동판에 에칭하는 것을 구별하는 훨씬 더 플러쉬한 공정은 그래픽 아트가 처음으로 제품을 시장에 출시할 수 있는 가능성을 제공했습니다. (예전과 같이) 매스에서뿐만 아니라 매일 새로운 디자인에서 석판 인쇄는 그래픽 아트가 삽화적인 방식으로 일상 생활에 동반할 수 있게 했습니다. 인쇄와 보조를 맞추기 시작했습니다. 그러나 이 초기에는 이미 사진에 의해 수십 년 동안 추월당했습니다. 석판술의 발명 이후."- 발터 벤야민, "기계복제시대의 예술작품
1890년대 프랑스 화가 쥘 셰레(Jules Chéret)"현대 포스터의 아버지"로 알려진 컬러 리소그래피를 도입했습니다. 새로운 기술과 기술을 사용하여 Henri de Toulouse-Lautrec, Georges de Feure, Alfons Mucha와 같은 예술가들은 효과적인 광고 매체이자 매력적인 예술 형식으로 자리 잡은 매체에서 탁월했습니다. 무하는 아마추어 사진작가이기도 했으며 그의 사진을 컬러 석판 인쇄의 템플릿으로 사용했습니다.
그 결과 대량 생산과 순수 예술의 차이가 모호해졌고 아르누보의 꽃 모티브 미학은 빠르게 중요한 요소가 되었습니다. 일상 생활의 일부. Mucha는 그의 포스터 인쇄 기술로 석판 인쇄술을 사용했습니다. 그의 포스터 중 일부는 The Four Seasons와 같이 세트로 제작되었습니다.
Alphonse Mucha, the Four Seasons, 1896. 이미지 출처: wallpapercave.com
사라 베른하르트의 요인
재정적 제약에 시달렸던 무하는 1894년 12월 전설적인 여배우 사라 베른하르트가 작품을 디자인할 예술가를 찾고 있을 때 큰 기회를 맞았습니다. 그녀가 주연을 맡았던 지스몽다의 연극을 위한 새로운 포스터.
매니저 모리스 드 브룬호프(Maurice de Brunhoff)는 막판에 열정적인 연극 애호가인 무하(Mucha)에게 광고 디자인을 의뢰했고, 로맨틱한 모티프, 소용돌이치는 실루엣, 모자이크 패턴이 있는 대형 포스터. 도처에 배포된 작품파리는 알폰스 무하를 유명한 예술가로 만들었고 그를 베른하르트와 오랜 계약을 맺게 했다.
포스터의 높이는 약 2미터였다. Bernhardt는 비잔틴 귀족 여성의 의상을 입고 난초 머리 장식과 꽃 스톨을 들고 종려나무 가지를 들고 있는 모습으로 묘사되었습니다.
포스터의 혁신적인 특징 중 하나는 머리 뒤에 화려한 무지개 모양의 아치가 있었는데 거의 후광처럼 보였고 그녀의 얼굴에 관심을 끌었습니다. 이 기능은 그의 모든 미래 극장 포스터에 나타났습니다. 유일한 배경 장식은 머리 뒤의 비잔틴 모자이크 타일이었습니다. 포스터는 당시의 전형적인 밝은 색상의 포스터와 달리 뛰어난 장인 정신과 섬세한 파스텔 색상이 특징입니다. 제목이 적힌 포스터 상단은 장식품으로 구성하고 포스터 하단은 균형을 맞추며 핵심 정보를 가능한 한 가장 짧은 형태로 제공했습니다. 바로 극장 이름입니다.
포스터는 충격파를 보냈습니다. 파리 미술계에서 하룻밤 사이에 무하를 파리 미술계에서 유명하게 만들었습니다.
왼쪽: Alfons Mucha, Gismonda, Sarah Bernhardt, Théâtre de la Renaissance, 1894년 오른쪽: Medée [Medea], 1898년, 컬러 석판화. Image Source: artinwords.de
Bernhardt 포스터의 놀라운 성공은 Mucha의 광고 포스터 커미션을 가져왔고 그를 하룻밤 사이에 유명한 디자이너로 만들었습니다. 그는 JOB 담배의 포스터를 디자인했습니다.
