일본 그래픽 디자인: 많은 창작자들이 좋아하는 이유

에도 시대의 우키요에부터 만화와 카와이 문화에 이르기까지 일본의 디자인 트렌드는 오늘날 그래픽 디자인에 큰 영향을 미쳤습니다.

일본은 매우 복잡한 세 가지 다른 알파벳에 걸친 언어 시스템. 일본 어린이들은 학교에서 붓글씨를 배우며 후데 (붓)와 수미 (검은 잉크)를 사용하여 글자를 마스터하는 법을 배웁니다.

글쓰기 방식 , 또는 쇼도 는 속담에서 볼 수 있는 펜을 종이에 쓰는 것보다 훨씬 더 많은 고대 관습입니다. 이것은 조음, 반복, 인내 및 구성의 관행입니다.

일본 서예는 전체 사람; 똑바르고 편안한 자세, 집중된 호흡, 바로 앞에 있는 종이, 당면한 작업에 완전히 몰두한 마음. 어떻게 쓰느냐가 무엇 을 쓰느냐만큼 중요하며 흰 종이에 검은색 잉크를 사용하는 간결함이 고급 예술로 여겨집니다.

이미지 출처: 일본 외무성

또한 쇼도 는 일본의 아름다움 철학을 반영합니다.

• 삶의 덧없음 : 각 캐릭터는 복제할 수 없는 순간이 흘렀습니다.
• 균형 잡힌 흐름 : 용지에서 잉크가 움직이는 방식.
• 불완전함의 감상 : 변수 손으로 만든 마크.

생활 속의 단순한 것을 감상하는 것은 일본 문화의 필수 요소이며 일본 디자인의 기초를 형성합니다. 하자회사 로고에 영감을 주고 일본 여권에도 등장합니다.

Yamato-e와 Rinpa 학교

Yamato-e 작품은 매우 양식화되고 정교한 장식 그림과 자연 풍경, 일본 민속 및 시와 같은 고전적인 주제에 초점을 맞춘 기타 작품이었습니다.

yamato-e 의 주요 특징은 금박 사용입니다. 옻칠, 생생한 색상 및 강한 패턴. Yamato-e 는 매우 정교하고 귀중한 예술 및 공예 작품입니다.

Rinpa (또는 Rimpa ) 학교는 조직화된 그룹이 아니었습니다. 하지만 에도 시대의 이 고전 예술이 19세기에 부활한 것입니다. 린파 학파는 귀족들이 정치적 힘을 잃어가던 헤이안 시대의 고전적 일본 이상으로 돌아가라는 요청이었다.

우키요에

이 글 앞부분에서 우키요에 목판화에 대해 간략히 다뤘습니다. 야마토에 와 우키요에 의 주요 차이점은 우키요에 가 그림을 재현하는 저렴한 방법으로 등장했다는 것입니다. 대조적으로 야마토에 는 서사적이며 종종 매우 세련되고 비용이 많이 드는 대규모 예술 작품이었습니다.

우키요에 가 능숙하게 기록하고 장식한 곳 현금흐름과 고품격 엔터테인먼트로 가득한 '신세계', yamato-e 는 명예와 고된 장인 정신으로 '구세계'에 귀를 기울였습니다.

신- 한가와 소사쿠-hanga

이 기사의 앞부분에서 신한가 와 소작항가 에 대해서도 언급했습니다. 신한가 ("새 판화")는 우키요에 에서 직접 발전한 것으로, 새로운 인쇄 공정을 사용하여 20세기 초 일본의 주제(서양 영향 포함)를 묘사합니다.

Sōsaku-hanga ("창의적인 판화")는 같은 시기에 일어난 현대 미술 운동으로 새로운 기법을 사용하면서도 서구적 요소를 도입하여 보다 국제적인 예술적 표현을 추구했습니다. 창의적인 아이디어와 스타일.

이러한 움직임은 일본의 근대화 과정을 형성하는 한편 일본 인쇄를 값싼 상업용 물건이 아닌 하나의 예술 형식으로 자리매김하는 것을 목표로 삼았습니다.

Manga

겐지이야기 의 12세기 일본 두루마리 그림으로 거슬러 올라가는 manga 는 일본 만화 스타일의 그래픽입니다. 만화 는 특히 일본 목판화와 2차 세계대전 이후 미국 만화책 등 몇 가지 다른 출처에서 그립니다.

만화 스타일은 날카로운 선으로 알아볼 수 있습니다. 대조, 지나치게 표현적인 캐릭터, 추상적 배경 및 변덕스러운 효과. 만화는 또한 anime (일본 애니메이션 만화) 및 kawaii 와 밀접한 관련이 있습니다.

Kawaii , "귀엽다" 또는 "사랑스러운"은 세계적인 문화 현상이지만 그 뿌리는 만화 . 헤이안 시대의 그림 두루마리는 이야기를 들려주기 위해 흥미로운 종류의 축소화를 특징으로 합니다.

kawaii 의 어원은 고대어 kaohayushi ( 그리고 나중에 kawayushi) , 부끄러움, 불쌍함, 작음 및 취약성을 나타냅니다.

위는 Murasaki Shikibu의 The Tale of Genji 의 삽화입니다.

그렇다면 오늘날 우리가 알고 있는 카와이 가 1960년대 권위주의 교육에 대한 학생 시위로 시작된 것으로 믿어진다는 것은 완전히 말이 됩니다. 과격한 일본 학생들은 교과서 읽기를 거부하고 대신 만화책을 읽으며 교육과 권위에 어린애 같은 자세를 취했습니다.

가와이 스타일과 행동은 엄격한 사회 질서가 있는 세상에서 탈출하거나 성장을 거부하는 방법으로서의 순수함과 어린아이 같은 경이로움.

게다가, 청소년, 특히 ​​십대 소녀들은 미개척 시장이었고 기업들은 이러한 인구 통계를 목표로 하기 시작했습니다. 가장 유명한 kawaii 캐릭터인 Hello Kitty는 문구 브랜드 Sanrio에서 만든 것입니다. 여성적 사고와 구매력을 주장하는 한편 여성을 귀엽게 묘사함으로써 여성 해방을 억압하는 감각그리고 벙어리(헬로 키티에 입이 없다는 것을 눈치채셨나요?).

Heta-uma

Heta -uma 는 1970년대 주류 만화 의 날렵함과 정교한 디자인에 대한 반발로 시작된 언더그라운드 그래픽 디자인 운동이었다.

처음에는 헤타- uma 디자이너는 Garo 잡지에 실린 제대로 렌더링되지 않은 이미지와 캐리커처를 만들었습니다. 그럼에도 불구하고 헤타우마 의 정신은 영리하거나 재미있는 문구와 함께 밝은 색상의 러프 드로잉으로 오늘날에도 살아 숨쉬고 있습니다.

팝아트와 네오팝아트

1950년대 미국의 팝 아트 운동은 곧 일본에 도달했습니다. 근현대 일본 미술 전반에 걸쳐 그 영향을 볼 수 있습니다.

최근에는 1990년대 팝아트("네오팝")의 부활에 일본 민속학과 만화를 혼합한 예술가 무라카미 타카시와 같은 영향력 있는 지지자들이 있습니다. 미국 팝아트, 그리고 디자인.

와비사비

선불교와 다도의 실천에 몰두한 wabi-sabi 미학은 고대 일본 철학의 두 가지 개념인 wabi (공허함, 덧없음, 불완전함을 의미함)와 sabi (녹 또는 시간의 흐름을 의미함)에서 파생됩니다. .

이러한 개념은 자연에서 영감을 얻은 단순하고 소박한 디자인 스타일을 설명합니다.

와비사비 스타일은 현대 그래픽 디자인에서 대중화되었습니다. 1990년대Leonard Koren의 책 "Wabi-Sabi: for Artists, Designers, Poets & Philosophers" 출판.

Wabi-sabi 그래픽 디자인은 자연 소재와 유기적 패턴, 불완전한 붓놀림, 때로는 금박이나 은박과 결합된 차분한 색상.

일본 그래픽 디자인 트렌드

이제 일본 그래픽 디자인의 역사, 철학, 오늘날 볼 수 있는 몇 가지 현대적 예와 트렌드를 살펴보겠습니다.

로고에 일본풍 그래픽이 있는 브랜드는 무엇입니까?

Mitsubishi 는 Kamon 에서 영감을 받은 로고.

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Superdry is a UK 미국과 일본의 그래픽에서 영감을 받아 로고에 일본 서체를 사용한 의류 레이블입니다.

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Kewpie 일본어 마요네즈 브랜드는 미국 인형과 일본 제품 포장 및 타이포그래피를 결합한 브랜드입니다.

SugoiJPN 은 일본 퓨전 길거리 음식을 만드는 영국 기반 브랜드입니다. 그들의 로고는 Rising Sun 엠블럼이 있는 머리띠를 하고 있는 kawaii 캐릭터를 특징으로 합니다.

Maruchan 라면 브랜드는 kawaii 캐릭터와 둥근 모양을 닮은 맞춤 레터링일본 타이포그래피의 모양.

Instagram 및 Pinterest의 일본 그래픽 디자이너

그래픽 디자인 분야에서 일하는 훌륭한 일본 디자이너, 일러스트레이터 및 아티스트가 많이 있습니다. 우리는 몇 가지 현대적 예를 발견했고 그들의 스타일과 영향에 대해 아래에서 자세히 설명했습니다.

Megumi Koyama는 도쿄에 기반을 둔 서비스 디자이너/디자인 연구원입니다. 그들의 고객 작업은 종종 손으로 그린 ​​일러스트레이션과 우아한 선 및 모양을 결합하여 장난기 넘치는 미니멀리즘을 보여줍니다.

Asuka Watanabe는 도쿄에 거주하는 그래픽 디자이너이자 일러스트레이터입니다. 그들의 스타일은 "순수 예술과 산업 디자인의 조합"으로 묘사됩니다. Asuka의 작업에서 반복되는 주제는 기하학적 모양, 대칭적 배열, 밝고 대조적인 색상을 통한 추상화입니다.

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일본의 일러스트레이터. 가장 잘 알려진 작품으로는 굿 디자인 금상을 수상한 "Tokyo Disaster Prevention"과 "Tokyo Metro 매너 포스터" 프로젝트가 있습니다. Okamura의 작품은 단순한 선화와 대담하고 평면적인 색상 오프셋을 사용한 복고풍 인쇄 기술을 연상시킵니다.

Jonathan Yamakami는 브라질 출신의 일본 도예가이자 로스앤젤레스에 거주하는 그래픽 디자이너입니다. 이들의 작업은 와비사비 , 헤타우마 및 기타 다양한 영향 요소를 특징으로 합니다.

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Ryogo Toyoda는 도쿄에 거주하며 3D 일러스트레이션, 캐릭터 디자인 및 모션 디자인을 전문으로 합니다. 클라이언트 작업에는 Disney, Apple, Amazon 및 Nintendo와 같은 대형 브랜드가 포함됩니다. Ryogo는 다채롭고 몽환적인 장면과 귀엽고 친근한 캐릭터를 만드는 방법을 가지고 있습니다.

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일본 그래픽 디자이너는 훌륭한 작업을 수행하고 있습니다. 전 세계 고객을 위해. 위의 몇 가지 예는 오늘날 우리가 보는 제품, 포스터 및 게임 디자인의 모든 곳에 일본의 영향이 있음을 보여줍니다.

그래픽 디자인 작업에서 일본 스타일을 사용하기 시작하는 데 영감을 받았기를 바랍니다!

그래픽 디자인 작업에 일본식을 추가하는 방법

다음 그래픽 디자인 프로젝트에 일본식 풍미를 더할 방법을 찾고 계십니까? 이 기사에서 배운 내용을 아래의 몇 가지 실제 단계로 분석해 보겠습니다.

1. 일본 그래픽 디자인 원칙 적용

수세기 동안 일본 그래픽 디자인은 디자인 작업에 적용할 수 있는 몇 가지 고유한 원칙을 보여주었습니다.

• 우아한 단순성 - 여백 사용, 깨끗한 선, 밝고 단조로운 색상, 자르기/자르기.
• 조화로운 비대칭 - 와비 및 사비 , 브러시 스트로크와 자연스러운 사용으로 결점을 허용합니다.모티프.
• 기하학적 추상화 - 패턴과 질서를 창조하고 디자인에 상징주의를 적용합니다.
• 전통 - 문화사를 기리는 일본과 옛 거장의 작품.
• 혁신 - 항상 다른 나라의 프로세스와 스타일을 통합하여 현대 문화를 해석하는 새로운 방법을 모색합니다.

2 . 그래픽 디자인 색상 팔레트 선택

특히 우키요에 에 묘사된 일본 디자인 트렌드를 따른다면 디자인 팔레트에 사용할 수 있는 다양한 색상을 볼 수 있습니다.

• 색상 선택기를 사용하여 우키요에 또는 기타 일본 예술 및 디자인에서 색상 팔레트를 가져옵니다.
• 와비사비 미학, 금색과 결합된 차분한 자연 색상과 색조에 의존합니다.
• 가와이 및 manga 는 원하는 색상을 사용할 수 있습니다. 그러나 카와이 디자인은 파스텔 색상을 사용하는 경우가 많습니다.

서로 대비가 잘 되는 몇 가지 밝은 색상을 선택하세요. 파스텔 팔레트를 만들려면 색상 선택기의 밝기 슬라이더를 사용하여 선택한 색상에 흰색을 더 추가합니다.

• 맞춤형 글자 를 만들기 위해 브러시 스트로크를 사용하는 경우 검정과 회색으로. 경우에 따라 빨간색도 사용할 수 있습니다.

3. 일본 모티프 사용

일본의 전통적인 모티프에는 산, 구름, 물, 새, 물고기, 꽃, 문양, 문자 및일본 민속이나 시의 한 장면, 우키요에 .

일본의 풍경과 사람들의 풍습에서 영감을 받아 독창적인 작품을 디자인하십시오.

현대 일본의 모티프에는 다양한 동물, 만화 와 같은 만화 캐릭터, 카와이 , 도시 경관, 미래파, 네오 팝 아트, 다른 나라에서 차용한 요소와 스타일. 이러한 모티프는 일본 전통 예술과도 결합될 수 있습니다.

4. 문화 및 영적 의미에 주의를 기울이십시오.

각 요소의 의미와 올바른 배치를 조사하십시오. 일본 미술과 디자인에 사용되는 모든 것은 특정한 적용과 의미가 있습니다!

확인 일본 디자인의 문화적 배경을 이해하면 자신의 독창적인 작업에서 존중과 정교함을 보여줄 것입니다.

마무리

서예에서 애니메이션에 이르기까지 일본 그래픽 디자인 트렌드는 그래픽 디자인에서 큰 역할을 합니다. 오늘. 영감을 주는 일본 디자인을 만들기 위해 일본 그래픽 디자이너가 될 필요는 없습니다.

그래픽 디자이너로서 자신의 작업에 일본 디자인을 인식하고 적절하게 통합하는 것이 매우 중요합니다. 일본계 고객에게 서비스를 제공하거나 일본에서 영감을 받은 디자인 제작을 의뢰받은 경우 특히 그렇습니다.

고객은 그래픽의 역동적인 적용에 깊은 인상을 받을 뿐만 아니라새로운 디자인 기술을 지속적으로 배울 때 더 자신감 있고 실험적이 될 것입니다. 일본의 엔소 (원)와 마찬가지로 디자인 작업의 변화와 개선에 열린 자세를 유지하세요!

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일본 디자인이란 무엇입니까?

물론 "일본 디자인"이라는 문구는 일본 디자이너가 만든 창의적인 작품. 그럼에도 불구하고 일본 고유의 문화, 역사 및 개발은 일본 내에서 또는 일본 디아스포라에 거주하는 창작자들이 수행하는 작업에 인식할 수 있는 스타일을 제공합니다.

일본 디자인은 미니멀리즘, 유기적 형태 및 자연의 표현으로 유명합니다. 기하학적 모양, 상징주의 및 맞춤형 타이포그래피. 일본의 전통 및 현대 예술과 디자인에는 이러한 예가 많이 있으며, 모두 실용적인 삶의 방식에서 비롯됩니다.

미니멀리즘

일본인은 단순함과 물질적 소유의 느슨한 소유를 중시합니다. , 반면 서양은 일반적으로 "다다익선"이라는 경험 법칙을 따릅니다. 자본주의 덕분입니다!

미니멀리즘은 엄격함, 단순한 아름다움, 철학으로 인해 전 세계 디자이너들에게 영향을 준 일본 디자인 트렌드입니다. 더 적은 수의 물건을 소유하지만 더 높은 가치를 부여하는 것입니다.

아래의 전형적인 일본식 인테리어 이미지에서 볼 수 있듯이 일본 디자인의 효율성과 깔끔한 ​​라인도 설명됩니다.

또 다른 예 일본 창작 예술에서 미니멀리즘의 대명사는 하이쿠 시입니다. 독립형 하이쿠 시는 17세기에 일본의 전통에 대한 반응으로 등장했습니다. 렌가 라는 시는 보통 100개의 연으로 구성됩니다.

하이쿠 는 한숨에 말할 수 있는 17음절의 3행시입니다. 듣는 사람(또는 독자)에게 깊은 영향을 미칠 수 있는 깊은 의미를 지닌 찰나의 순간을 묘사합니다. 아래는 거장 시인 Matsuo Bashō의 "The Old Pond"라는 유명한 하이쿠 를 재현한 것입니다:

오래된 연못!

개구리가 뛰어든다—

물소리.

유기적인 형태와 자연

일본 디자인은 종종 자연 풍경을 특징으로 하며, 이 지역에서 발견되는 동물과 꽃 그림, 암석 정원, 분재. 자연과 가까워지고 계절의 아름다움을 감상하는 것은 일본 문화에서 중요합니다. 계절 행사는 오키나와의 벚꽃이 떨어지는 것과 같은 달력 축하 행사로 알립니다.

위에는 일본 여배우 Emiko Yagumo(1903 - 1979)가 사쿠라 가 달린 기모노를 입은 사진이 있습니다. (벚꽃) 꽃무늬.

기하학적 패턴과 상징성

자연에 대한 감상과 단순함을 결합하여 일본 디자이너들은 종종 자연 현상을 나타내는 기하학적 모양을 사용합니다. 벚꽃, 후지산, 태양, 물, 물고기는 일본 디자인의 중요한 상징 중 일부입니다.

일본인은 자연에서 발견되는 것에 영적인 의미를 부여하며, 전에 이러한 기호일본에서 영감을 받은 그래픽 디자인에 사용합니다.

예를 들어 일본의 흰색 국기에 사용된 빨간색 원은 태양을 상징합니다. 일본의 전통적인 이름은 "태양의 기원"을 의미하는 Nippon (또한 Nihon )입니다. 원은 또한 선불교에 따르면 깨달음, 힘, 우주, 불완전성 또는 공허함을 상징합니다.

수세기 동안 일본에서는 의미 있는 기하학적 패턴이 기모노 직물 및 기타 품목에 사용되었습니다. 일부 전통적인 패턴은 다음과 같습니다.

• 우로코 (스케일) : 삼각형의 조합 뱀이나 물고기의 비늘. 때때로 사무라이가 자신을 위험으로부터 보호하기 위해 부적으로 착용했습니다.

이미지 출처: Your Doorway to Japan

• Kōjitsunagi (인터레이스 Kō 문자) : 겉으로 보기에 무한해 보이는 I자형 배열 kō 자는 행운을 나타냅니다.

이미지 출처: Your Doorway to Japan

• Asanoha (대마 잎) : 대마 식물의 강인함과 생명력을 나타냅니다. 이 패턴은 아기와 아동복이 크고 튼튼하게 자라길 바라는 마음에서 자주 사용되었습니다.

이미지 출처: Your Doorway to Japan

• Same Komon (Shark Skin) : 이 패턴은 Kishū Tokugawa 가족이 사용했습니다. 도쿠가와 요시무네(1684~1751)는

이미지 출처: Your Doorway to Japan

• Tachiwaki / Tatewaki (증기 상승) : 이 패턴에서 두 개의 곡선 선은 부드럽게 상승하는 증기를 나타냅니다. 헤이안 시대(794~1185)에 신분이 높은 사람들이 입는 기모노에 자주 사용되었습니다. Kumo tatewaku (구름) 및 Sasa tatewaku (대나무)와 같이 곡선을 변경하여 변형을 만듭니다.

이미지 출처: Your Doorway to Japan

커스텀 타이포그래피

일본어 알파벳에 수천 개의 문자가 포함되어 있다는 점을 고려할 때 대부분의 일본 디자인 작업에 커스텀 타이포그래피와 손으로 그린 ​​레터링이 수반되는 것은 놀라운 일이 아닙니다.

맞춤형 타이포그래피는 일본 서예가 높은 평가를 받을 뿐만 아니라 일반, 굵게 및 기울임꼴로 된 수천 개의 문자로 된 일본어 서체를 만드는 것을 상상할 수 있습니까?!

쓰기 문자 추가 아래의 목판화( 우키요에 )에서 볼 수 있듯이 일본 창작 작업의 두드러진 특징이며 수세기에 걸쳐 있습니다.

에도의 아오야마(Tôto Aoyama) , 우키요에 거장 우타가와 히로시게의 후지 산주롯케이(Fuji sanjûrokkei) 시리즈에서, 1852. 이미지 출처: Ukiyo-e Search.

일본의 창조적인 작업은 선불교에서 서양 미술에 이르기까지 일부 핵심적인 영향을 미쳤지만, 일본 그래픽디자인은 다른 스타일과 구별되는 특정 원칙을 따릅니다.

일본 디자인에 영향을 준 것은 무엇입니까?

신도와 불교

일본의 전통 종교 내에서 신도 , 모노 노 어웨어 의 개념은 세상에서 자신의 위치에 대한 강렬한 인식으로 발전했습니다. 그 후 5세기 중국에 불교가 전래되었을 때 모노노아레 는 불교적 개념인 삶의 덧없음이나 무상함을 설명하는 데에도 사용되었다.

"바토스 of things" 모노 노 아각 은 허무주의적 세계관이 아니라, 그 순간에 존재하고 주변을 즐기는 예리한 자각입니다.

관찰 여부 떨어지는 벚꽃이나 들새의 울음소리에 귀를 기울이는 모노노아레 는 일본 문화에 스며듭니다. 인생은 영원하지 않기 때문에 가치가 있다는 생각입니다. 이것은 일본의 시각 예술과 디자인에서 벚꽃, 새, 산 등과 같은 상징을 자주 보게 되는 이유를 설명합니다.

이러한 불교의 영향은 또한 오늘날 우리가 미니멀리즘이라고 부르는 것의 기초를 형성했습니다. 미니멀리즘에 대한 서구의 개념과 일본 미니멀리즘의 차이점은 미니멀리즘 디자인이 서양에서는 메마르고 차갑게 느껴질 수 있다는 것입니다.

그러나 일본 문화는 적절한 종류의 미니멀리즘을 생산합니다. 단순한

일본 문화

에도 시대(1603-1867) 동안 일본은 상대적인 평화와 안정, 엄격한 유교 사회 질서, 경제 성장 및 호황을 누렸습니다. 창의적이고 극적인 예술에서. 이것은 오늘날 우리가 알고 있는 일본 문화의 형성기 중 일부였습니다.

대외 무역이 금지되고 "유흥 구역"이 만들어지면서 일본의 예술과 문화(및 기타 즐거움)는 모든 사람들이 즐길 수 있게 되었습니다.

우키요에 의 인기 소재는 '여가 공간'의 인물과 장소입니다. 이 작품들은 재현이 가능했으며 밝고 단조로운 색상과 눈에 띄는 디자인을 사용했습니다. 우키요에 는 주로 부유층이나 귀족 가문이나 전도유망한 사업가들의 집을 장식하기 위해 제작되었습니다.

우키요 는 "뜨다"라는 뜻이며 처음에는 일시적인 삶의 본질을 표현했습니다. 이후 일본 사회의 찰나적 쾌락을 연극, 미인, 풍광 등의 목판화로 표현하였다.

하네츠키를 연기하는 세 명의 가부키 배우 , ukiyo-e 우타가와 구니야스 판화, 1823. 이미지 출처: The Metropolitan Museum of Art.

에도 시대에 일본은 세계와 거의 관계가 없었습니다. 1867년 도쿠가와 통치자가 전복되면서 메이지 시대가 시작되었고 200년 만에 처음으로 일본 국경이 열렸습니다.

일본의 국경 개방은 서양 상품의 유입과 영향, 일본 상품의 수출과 일본인의 이동을 의미했습니다.

서양 문화

일본 국경 개방 이후 서양 스타일과 아이디어는 교차 수분할 수 있습니다. 서양 제품은 점점 인기를 얻었고 일본 그래픽 디자인에도 영향을 미쳤습니다. 1915년부터 1940년대까지 목판화의 신한가 와 소사쿠항가 운동은 서양의 사상과 과정이 일본의 소재와 교차하는 것을 보여주었다.

빛나는 이미지 이 시기에 제작된 만화 (일본 만화책) 스타일도 오늘날 우리가 보는 스타일을 알려줍니다.

요츠야의 아라키요코초 , 신 -hanga print by Tsuchiya Koitsu, 1935. 이미지 출처: Ukiyo-e Search.

일본 디자인에 영향을 준 국제적 경향 외에도 일본의 문화와 공예품은 다른 문화에도 상당한 영향을 미쳤습니다. 예를 들어 자포니즘 은 19세기 중반 프랑스(및 기타 유럽 국가)에서 일본 문화의 모든 측면을 소비하는 경향이었습니다.

자포니즘 은 일본 예술가들이 자신의 작품에서 포착하기를 좋아하는 찰나의 순간에 사로잡힌 인상파와 같은 순수 예술가들의 작품입니다.

인상파의 주제 선택, 밝고 어두운 색을 사용한 평면 색상또는 검은색 윤곽선, 잘라내기 또는 확대와 같은 재미있는 공간 효과.

아몬드 꽃 , 인상파 화가 빈센트 반 고흐의 유화, 1890. 이미지 출처: 암스테르담 반 고흐 미술관

일본 디자인의 평면적이고 화려한 색상, 고도로 양식화된 이미지 및 사실주의적 주제는 유럽 예술과 디자인에 널리 통합되기 시작하여 아르누보 운동으로 이어졌습니다.

왜 일본의 그래픽 디자인은 매우 다릅니다

일본인은 그래픽 디자인에 대한 심오한 철학적 접근 방식을 가지고 있으며, 단순함, 눈에 띄는 대비 및 적절한 상징성을 중시합니다(일본 국기 디자인 및 앞에서 논의한 기타 사례에서 볼 수 있음).

일본 그래픽 디자인의 발전과 오늘날 우리가 보는 스타일을 이해하기 위해 일본 그래픽 디자인에서 가장 영향력 있는 생각과 실천 학교를 살펴보겠습니다.

일본 그래픽 디자인이란 무엇입니까? (스타일 및 예)

전세계의 다른 예술 및 디자인 운동과 마찬가지로 일본의 그래픽 아트에도 역사의 몇 가지 주요 스타일 또는 경향이 있습니다.

Kamon

Kamon 은 일본의 고대 문장 디자인으로 가족과 소지품을 구별하는 데 사용됩니다. 일본의 가문 문장은 의복, 우마차, 전투 깃발, 사무라이 검, 도자기, 가구, 무덤, 배, 심지어 기와에도 사용되었습니다!

가몬 은 일본 그래픽 디자인에서 중요한 역할을 합니다 , 그리고 오늘