Descoperă cele 12 principii de animație ale lui Disney

Descoperă cele 12 principii de animație ale lui Disney
Rick Davis

De la Cenușăreasa (1950) până la Regele Leu (1994), cu toții avem un film preferat de Walt Disney.

Și, deși este ușor să ne pierdem în magia poveștilor lor, nu ne facem adesea timp să ne gândim cum au fost realizate aceste filme de animație iconice.

Animația este un proces complex care necesită imaginație, îndemânare și răbdare. În cazul primelor filme Disney, cum ar fi Albă ca Zăpada (1937) și Fantasia (1940), fiecare cadru a fost desenat manual de către un animator într-un studio tradițional.

Acest lucru este halucinant dacă ne gândim că majoritatea filmelor Disney sunt realizate la 24 de cadre pe secundă - adică 24 desene individuale pentru fiecare secundă de filmare!

Ce face ca un film de animație să fie grozav și de ce sunt atât de captivante?

Vezi si: Cele mai bune 8 aplicații de animație din toate timpurile

Secretul constă în faptul că animatorii Disney au fondat cu ani în urmă o listă de principii de bază pentru a-i ajuta pe noii animatori să creeze animații fantastice, dar credibile.

Pentru a produce mișcări mai realiste în filmele lor, animatorii Disney, Ollie Johnston și Frank Thomas, au inventat metoda 12 Principii de animație Scopul acestor reguli era de a ajuta animatorii să creeze personaje și obiecte care se mișcă în conformitate cu legile fizicii.

Johnston și Thomas au descoperit, de asemenea, cum să transmită emoțiile unui personaj prin mișcare, ceea ce a revoluționat arta animației.

Principiile de bază au fost publicate în cartea lor din 1981, Iluzia vieții: animație Disney , care este deseori numită "Biblia animației." Astăzi, atât animatorii tradiționali, cât și cei digitali folosesc aceste principii ca un ghid atunci când își creează lucrările.

Așadar, haideți să vedem cum funcționează cele 12 principii ale animației și să analizăm câteva exemple de filme Disney.

Squash și întindere

"Zdrobiți și întindeți" este considerat a fi un principiu de bază esențial al animației.

Se utilizează pentru a da unui personaj sau obiect animat iluzia de greutate, gravitație, masă și flexibilitate.

Acest lucru este cel mai bine ilustrat cu un obiect ușor elastic, cum ar fi o minge de cauciuc. Pe măsură ce cade, se alungește sau se întinde, iar odată ce atinge o suprafață, mingea este comprimată sau strivită pentru foarte scurt timp înainte de a reveni la forma sa inițială.

În unele animații, această mișcare este exagerată pentru a arăta impactul gravitațional asupra obiectelor sau personajelor. Nivelul de exagerare depinde de materialul și viteza elementului animat.

În Disney's Hercules (1997), animatorii au folosit squash și stretch pentru a sublinia mișcarea atunci când Hercule și Pegasus se lovesc cu capul unul de celălalt. Observați cum fețele lor se aplatizează atunci când se ciocnesc!

Atunci când aplicați squash și stretch pentru a crea o senzație de greutate într-un obiect sau personaj, asigurați-vă întotdeauna că volumul său rămâne constant. Când întindeți ceva, ar trebui să devină proporțional mai îngust și mai înalt, iar când îl striviți, ar trebui să devină mai lat și mai scurt.

Obiectul sau personajul nu ar trebui să se mărească, să se micșoreze sau să devină dezechilibrat decât dacă are loc simultan o diferență de scară sau de formă.

Anticipare

În animație, anticiparea este folosită pentru a pregăti spectatorul pentru o anumită acțiune sau mișcare.

De exemplu, o persoană care aruncă o minge ar trebui să tragă brațul în spate înainte de a o arunca, iar o persoană care sare în aer ar trebui să își îndoaie mai întâi genunchii.

Atunci când animatorii creează anticipare, ei folosesc poziții extreme ale personajelor sau obiectelor pentru a crea o iluzie mai realistă a mișcării.

Uneori, anticiparea va fi prezentată în trei sau mai multe mișcări, de exemplu, când un personaj se ghemuiește în față, apoi își trage brațul înapoi în timp ce se ridică și abia apoi aruncă mingea.

Mai jos veți vedea o scenă din filmul Disney Bambi (1942), în care Thumper se îndoaie înainte de a se răsuci în râs. Prima postură creează anticipare pentru ceea ce va urma.

Staging

Scopul punerii în scenă este de a direcționa privirea spectatorului către partea cea mai importantă a scenei și de a-i distrage atenția de la alte elemente secundare. Punerea în scenă face ca scopul scenei să fie clar și fără echivoc.

Punerea în scenă este destul de largă și acoperă multe elemente de animație, putând fi realizată prin plasarea unui personaj în centru sau în linie cu una dintre treimile cadrului, prin utilizarea inteligentă a luminii și a umbrelor, prin acordarea unei atenții deosebite sincronizării sau prin menținerea la minimum a detaliilor și a mișcării din jur.

Punerea în scenă este influențată în mare măsură de fundal sau de decor. Chiar dacă nu acordăm adesea atenție fundalurilor atunci când vizionăm animații (ceea ce nu face decât să arate cât de eficientă este punerea în scenă), fundalurile sunt frecvent schițate în etapa de planificare, înainte ca animațiile să fie desenate.

(nul)

(nul)

De asemenea, puteți crea o punere în scenă eficientă prin utilizarea inteligentă a perspectivei și a recuzitei. Totul constă în a lăsa indicii pentru privitor și în a-i conduce privirea către zonele relevante.

Gândește-te la ceea ce încerci să transmiți: personajul este extrem de înfometat? Poți arăta acest lucru prin mărirea imaginii în momentul în care stomacul lui se plânge, apoi poți conduce privitorul să vadă cum personajul merge la frigider, îl deschide și vede că este complet gol.

Adăugarea unei pânze de păianjen și poate a unor pete, sau chiar a unor rafturi de frigider sparte, va sublinia faptul că personajul nu mai are mâncare în frigider de un foarte mult timp.

Un alt truc de punere în scenă folosit în desenele animate este adăugarea de text: puteți adăuga un mic semn în interiorul frigiderului pe care să scrie "gol" sau "în dezordine".

Exact despre asta este vorba în cazul staging-ului.

În Fantasia (1940), animatorii Disney pun accentul pe Mickey Mouse în timp ce dirijează o orchestră, plasându-l literalmente pe o scenă. De asemenea, folosesc un fundal discret și o iluminare dramatică pentru a încadra personajul.

Acțiune directă și de la o poziție la alta

Atunci când se desenează o secvență de animație, există două moduri de abordare: "în linie dreaptă" și "din postură în postură".

Pentru animatorii care doresc să obțină o mișcare fluidă și realistă, cea mai bună este tehnica "straight-ahead", care presupune crearea acțiunii la o viteză constantă prin desenarea fiecărui cadru de la început până la sfârșit.

Tehnica de desenare a animației în linie dreaptă este deosebit de potrivită atunci când animatorul are o idee bună despre cum va arăta finalul și poate apoi să lucreze din nou de acolo. Este, de asemenea, o tehnică foarte bună pentru crearea de acțiuni organice, cum ar fi o floare care înflorește, mișcarea norilor, focul sau o explozie.

Mai jos puteți vedea "culorile vântului" care suflă prin părul Pocahontas. O secvență naturală ca aceasta ar fi fost realizată probabil folosind tehnica de animație cu cap drept.

Tehnica pose to pose implică desenarea cadrelor cheie pentru începutul, mijlocul și sfârșitul unei acțiuni, iar apoi completarea cadrelor de interval.

Atunci când desenezi o animație folosind tehnica "poză la poză", începi prin a desena pozițiile principale, numite "chei", apoi desenezi "extremele" fiecărei chei (pozițiile cele mai exagerate sau cele mai diferite înainte de a ajunge la chei) și termini adăugând defalcările dintre ele.

Desenul din postură în postură oferă animatorului un control mai mare asupra mișcării obiectului sau personajului, permițându-i să planifice acțiunea, să adauge sistematic mai multe cadre pentru a accelera sau încetini mișcările și să sporească efectul dramatic al mișcării acolo unde este necesar.

Urmărirea și acțiunea de suprapunere

De obicei, nu toate părțile unui obiect sau ale unui personaj se vor mișca cu aceeași viteză.

Termenii "follow through" și "acțiune de suprapunere" se referă la două tipuri diferite de mișcare.

Urmărirea are loc atunci când anumite părți ale unei animații rămân în urmă și continuă să se miște atunci când un personaj sau un obiect s-a oprit deja.

De exemplu, părul sau hainele unui personaj vor fi, probabil, ultima parte a acestuia care va începe să fie animată și ultima parte care se va stabili după ce o mișcare este finalizată.

În cazul în care se urmărește, apendicele personajului (ultimele părți care se mișcă) își pierd și ele impulsul și se mișcă înapoi la locul lor - așa cum ar face-o în natură.

Follow through dă viață personajelor complexe. Spre deosebire de o minge de cauciuc care este făcută dintr-un singur tip de material, un personaj este adesea alcătuit din mai multe "texturi" diferite - oase, mușchi, grăsime, piele, păr (sau blană), îmbrăcăminte, bijuterii etc. Toate aceste texturi acționează diferit și trebuie animate în consecință.

Acțiunea de suprapunere este destul de asemănătoare cu ideea de urmărire, dar se referă în mod specific la decalarea întârzierii în mișcările apendicelor personajului.

Acțiunea de suprapunere are loc atunci când diferite părți ale unui personaj sau obiect se mișcă cu viteze diferite. De exemplu, picioarele și brațele unui personaj care aleargă se mișcă cu o viteză diferită de cea a capului.

Disney folosește adesea tehnica de urmărire pentru a adăuga un efect comic scenei. Acest punct este ilustrat mai jos, arătându-l pe Genie din Aladdin (1992) care face o expresie facială exagerată. Observați cum părul este ultima parte a lui care nu se mai mișcă și cum se adaugă la expresia generală.

Intrare și ieșire lentă

Imaginați-vă o persoană care aleargă și apoi se oprește. Ar începe încet, ar lua avânt și apoi ar încetini din nou înainte de a se opri.

Foarte puține lucruri în viață se mișcă într-un ritm constant, din cauza frecării, a gravitației și a altor forțe. Dacă doriți ca o mișcare să pară grațioasă și naturală, veți începe cu un ritm mai lent și veți crește treptat viteza.

În animație, aceste tipuri de mișcări naturale sunt obținute prin desenarea mai multor cadre la începutul și la sfârșitul unei secvențe de acțiune.

Viteza și fluiditatea secvenței de acțiune vor fi determinate de numărul de cadre pe care le adăugați la început și la sfârșit, precum și de spațiul dintre fiecare desen.

Mai jos veți vedea o scenă din Peter Pan (1953) în care copiii își îndoaie genunchii, sar în sus, apoi sar de pe brațul ceasului și zboară pe cerul nopții. Observați cum încep încet, dar apoi prind viteză în zbor.

Arc

Animatorii ar trebui să respecte legile fizicii atunci când încearcă să realizeze mișcări care să imite viața reală.

Cele mai multe acțiuni naturale tind să urmeze o traiectorie arcuită, în timp ce o mișcare mecanică s-ar deplasa în linie dreaptă sau în pătrat.

Tehnica arcului poate fi aplicată unei acțiuni naturale, cum ar fi mișcarea unui membru prin rotirea unei articulații sau a unui obiect aruncat. De exemplu, atunci când arunci o minge, aceasta urmează un arc natural în timp ce urcă și coboară datorită regulilor gravitației.

Atunci când lucrurile se rotesc în jurul unei axe, acest principiu îl ajută, de asemenea, pe animator să calculeze plasarea corectă a obiectului sau a personajului în orice punct dat al traiectoriei. De asemenea, îl va ajuta pe animator să completeze o "pată" atunci când are loc o mișcare rapidă.

Principiul arcului este, de asemenea, strâns legat de slow in și slow out, deoarece aceste două principii lucrează împreună pentru a oferi personajelor sau obiectelor animate mișcări naturale și progresive.

Vezi si: Cum să creezi un ghid de brand pentru clientul tău

Vezi scena de mai jos din Pocahontas (1995), care arată o unduire a brațului ei într-o mișcare de arc în timp ce umărul se rotește. Observați cum cotul ei se mișcă într-o formă de arc ușor diferită de cea a mâinii și antebrațului.

Acțiune secundară

Adăugarea unei acțiuni secundare la o secvență susține mișcarea principală și dă mai multă viață personajelor.

Acțiunea secundară este uneori confundată cu acțiunea de urmărire și cu acțiunea de suprapunere, dar nu este același lucru. De asemenea, nu este același lucru cu punerea în scenă, deși este legată.

Acțiunile secundare nu trebuie să distragă atenția de la cele principale, ci trebuie să adauge subtil mai mult dinamism scenei.

De exemplu, dacă personajul se duce undeva și se simte foarte trist, acțiunea principală ar fi mersul pe jos. Acțiunea secundară ar putea fi umerii și brațele care se mișcă ușor în sus și în jos în timp ce personajul merge. O altă acțiune secundară ar putea fi ștergerea unei lacrimi.

În exemplul de mai jos, Marie din Aristocats (1970) trece pe lângă Berlioz (acțiunea primară), în timp ce coada ei îi trece în mod comic prin fața lui Berlioz în timp ce îl disprețuiește (acțiunea secundară).

Sincronizare

Atunci când aplică principiul sincronizării, animatorii se uită din nou la lumea naturală și observă legile fizicii.

La începutul acestui articol, am menționat că fiecare secundă de animație conține 24 de cadre. Dacă ar trebui să faci un desen pentru fiecare cadru, ai desena pe "unu". Acest lucru creează o secvență animată mai detaliată.

Dacă ar trebui să faceți un desen pentru fiecare al doilea cadru, ați face un desen la "doi", la fiecare al treilea cadru, la "trei" și așa mai departe. Desenul la doi este cel mai frecvent, deoarece creează o acțiune mai lină și reduce volumul de muncă la jumătate.

Animatorii pot controla viteza unui obiect sau a unui personaj luând în considerare numărul de cadre dintr-o secvență. Cu cât animatorul desenează mai multe cadre, cu atât mișcarea va părea mai lentă.

De exemplu, obiectele grele reacționează diferit la forțe față de cele mai ușoare. Atunci când un obiect greu este mișcat, probabil că veți desena pe unu, în timp ce un obiect foarte ușor, cum ar fi o pană, ar putea fi desenat folosind doar câteva cadre.

Utilizarea sincronizării corecte vă permite să creați mișcări mai realiste. Înțelegerea sincronizării este, de asemenea, utilă pentru a transmite starea de spirit, personalitatea și reacțiile unui personaj.

În exemplul de mai jos, animatorii Disney transmit greutatea și fluiditatea urechilor gigantice ale lui Dumbo prin folosirea unei sincronizări inteligente.

Exagerație

Multe dintre principiile de animație menționate anterior pot fi aplicate pentru a crea mișcări mai realiste.

Cu toate acestea, prea mult realism poate să știrbească din farmecul animației. De aceea, este bine să exagerăm unele mișcări dramatice și expresii ale personajelor care, de obicei, nu ar fi posibile în natură.

Exagerarea mișcării poate contribui la a face o scenă mult mai interesantă și mai dinamică. Disney este renumit pentru secvențele sale exagerate care creează scene emoționante.

Mai jos, se află Mica Sirenă (1989) înoată în timp ce un grup de pești dansează și se învârte în jurul ei. Anumite părți ale scenei imită mișcări reale din natură, cum ar fi coada sirenei (care imită o coadă de pește).

Cu toate acestea, secvența este exagerată cu o mișcare de măturare pentru a avea un aspect mai teatral, ceea ce creează un moment cu totul captivant și memorabil.

Desen solid

Atunci când creați o animație, procesul de desenare poate fi incredibil de plictisitor.

Dar asta nu înseamnă că calitatea fiecărui cadru ar trebui să aibă de suferit. Pentru a fi un mare animator, trebuie să fii și un artist priceput.

Principiul Disney al "desenului solid" înseamnă că animatorii ar trebui să înțeleagă elementele de bază ale schițării formelor tridimensionale pentru a transmite vizual greutatea, echilibrul, lumina și umbra acestora.

Desenul în perspectivă este, de asemenea, esențial. În caz contrar, personajele ar putea părea plate și neinteresante. Acesta este motivul pentru care animatorii clasici ar fi studiat anatomia obiectelor și a oamenilor înainte de a crea versiunile de desene animate.

Walt Disney s-a inspirat din viață atunci când și-a creat personajele și este bine cunoscut faptul că animatorii Disney au urmat cursuri de desen de viață pentru a continua să dezvolte personaje credibile și încântătoare.

(nul)

(nul)

Principiul desenului solid nu se referă doar la capacitatea de a desena după natură, ci și la cunoașterea temeinică a tridimensionalității, astfel încât să puteți crea personaje și obiecte din forme solide pentru a facilita desenarea lor din orice unghi.

"De asemenea, faptul de a avea abilități bune de desenare manuală va fi un factor care va ieși în evidență în portofoliul tău pentru cei care se pregătesc să aplice la facultate sau la un loc de muncă." - Lyndsey Vincent, designer de interior & fostă Imagineer Disney

Recurs

Ultimul principiu de animație este "atractivitatea." Acesta presupune capacitatea de a anima un personaj carismatic care să rezoneze cu publicul.

Pentru a atrage telespectatorii, un personaj nu trebuie neapărat să fie simpatic, cum ar fi o prințesă Disney sau un animal drăguț, ci poate fi și un personaj negativ sau un monstru - atâta timp cât este interesant de privit.

Unele dintre cele mai memorabile personaje de animație sunt cele care au captivat publicul prin răutățile lor - gândiți-vă la Scar din Regele Leu (1994) și Cruella de Vil din 101 Dalmația (1961).

Pentru a face un personaj mai interesant, ar trebui să luați în considerare anumite trăsături. De exemplu, personajele negative Disney au adesea maxilare pătrate exagerate și sprâncene ascuțite, în timp ce personajele simpatice, precum Mulan de mai jos, au fețele rotunde și ochii mari.

Încheiere

Este uimitor cum magia animației poate fi cuprinsă în câteva principii simple. Animația nu înseamnă doar a face ca desenele bidimensionale să pară că se mișcă - este vorba despre creativitate și despre a spune povești prin intermediul unei forme de artă care necesită îndemânare, talent, multă muncă și multă răbdare.

Acum că știi cele 12 principii ale animației, probabil că te simți inspirat să încerci să desenezi propriile tale filme cadru cu cadru. Ai idei interesante de personaje sau o poveste pe care visezi să o transformi în realitate?

Nu uitați: Abilitățile solide de desen sunt foarte importante. Un animator bun este în primul rând un artist bun.

Uită-te la ceea ce te înconjoară, studiază cum funcționează lucrurile și cum se mișcă oamenii și nu te opri din schițat. De asemenea, este esențial să lucrezi cu alți artiști și animatori pentru a primi feedback despre cum să-ți îmbunătățești în continuare munca.

Cu o practică zilnică , veți putea da viață imaginației dvs. prin intermediul animației.

Încercați să desenați oameni și obiecte în forme simple, cum ar fi cercuri, pătrate, dreptunghiuri și triunghiuri, apoi desenați-le ca forme 3D, ținând cont de perspectivă. Odată ce v-ați obișnuit cu acest lucru, desenați-vă personajele din toate unghiurile pentru a înțelege cum ar arăta în timp ce se deplasează în spațiu.

Poți exersa pozițiile personajelor folosind creionul și hârtia, dar poți folosi Vectornator și pentru a schița cadrele cheie. Software-ul nostru intuitiv de design vectorial a fost creat pentru a fi la fel de natural și ușor ca și cum ai desena într-un caiet de schițe!

În plus, în Vectornator, veți găsi șabloane de documente potrivite pentru video deja în aplicație. Există șabloane setate la 720P (HD), 1080P (FULL HD), 1440P (2K) și Ultra HD (4K). Pur și simplu alegeți-l pe cel mai bun pentru proiectul dvs. și începeți să desenați!




Rick Davis
Rick Davis
Rick Davis este un designer grafic experimentat și artist vizual cu peste 10 ani de experiență în industrie. El a lucrat cu o varietate de clienți, de la mici startup-uri până la mari corporații, ajutându-i să-și atingă obiectivele de design și să-și ridice brandul prin imagini eficiente și de impact.Absolvent al Școlii de Arte Vizuale din New York, Rick este pasionat de explorarea noilor tendințe și tehnologii de design și de a depăși constant limitele a ceea ce este posibil în domeniu. Are o experiență profundă în software-ul de design grafic și este întotdeauna dornic să-și împărtășească cunoștințele și cunoștințele cu alții.Pe lângă munca sa de designer, Rick este și un blogger dedicat și este dedicat acoperirii celor mai recente tendințe și evoluții din lumea software-ului de design grafic. El crede că împărtășirea informațiilor și ideilor este cheia pentru a promova o comunitate de design puternică și vibrantă și este întotdeauna dornic să se conecteze cu alți designeri și creatori online.Indiferent dacă proiectează un nou logo pentru un client, experimentează cu cele mai recente instrumente și tehnici în studioul său sau scrie postări de blog informative și captivante, Rick este întotdeauna angajat să ofere cea mai bună muncă posibilă și să-i ajute pe alții să-și atingă obiectivele de design.