Japansk grafisk design: varför så många kreatörer älskar den

Från ukiyo-e från Edo-perioden till manga och kawaii-kulturen - Japans designtrender har haft ett stort inflytande på dagens grafiska design.

Japan har ett mycket komplext språksystem som omfattar tre olika alfabet. Japanska barn får lära sig att skriva med penna i skolan, där de lär sig att behärska tecknen med hjälp av en fude (pensel) och sumi (svart bläck).

Skrivsättet, eller shodo , är en urgammal övning som är mycket mer än att sätta pennan på papper - det är en övning i artikulation, repetition, uthållighet och komposition.

Den japanska kalligrafin kräver att hela personen är involverad: en upprätt, avslappnad hållning, fokuserad andning, pappret rakt framför dig, och ditt sinne är helt uppslukat av uppgiften. Hur du skriver är lika viktigt som vad Du skriver, och den strikta enkelheten med svart bläck på vitt papper anses vara hög konst.

Bildkälla: Japans utrikesministerium

Dessutom, shodo återspeglar den japanska skönhetsfilosofin:

• Livets förgänglighet : varje tecken representerar ett ögonblick som passerat och som inte kan upprepas.
• Balanserat flöde : hur bläcket rör sig på pappret.
• Uppskattning av ofullkomlighet : variabla märken gjorda för hand.

Att uppskatta de enkla sakerna i livet är en viktig del av den japanska kulturen och utgör grunden för japansk design. Låt oss ta en djupare titt på vad som gör japansk design så speciell och hur den tolkas i grafisk design.

Vad är japansk design?

Uttrycket "japansk design" avser förstås kreativt arbete utfört av japanska formgivare, men Japans unika kultur, historia och utveckling ger en igenkännbar stil åt arbete som utförs i landet eller av kreatörer som lever i den japanska diasporan.

Japansk design är känd för minimalism, organiska former, naturrepresentationer, geometriska former, symbolik och anpassad typografi. Det finns många exempel på detta i traditionell och samtida japansk konst och design, och allt härrör från deras pragmatiska livsstil.

Minimalism

Japanerna värdesätter enkelhet och ett löst grepp om materiella ägodelar, medan västvärlden i allmänhet följer tumregeln "mer är mer" - tack så mycket, kapitalism!

Minimalism är en japansk designtrend som har påverkat designers över hela världen på grund av sin stramhet, enkla skönhet och filosofin att äga färre saker men ge dem ett högre värde.

Detta förklarar också den japanska designens effektivitet och rena linjer, vilket du kan se på bilden av en typisk japansk interiör nedan.

Ett annat uttryckligt exempel på minimalism i den japanska skapande konsten är haiku poesi. Ensamstående haiku dikter uppstod på 1600-talet som ett svar på den traditionella japanska poesin som kallades för Renga , som vanligtvis består av 100 strofer.

En haiku är en dikt på tre rader med sjutton stavelser som kan sägas i ett enda andetag. Den skildrar ett flyktigt ögonblick med en djup innebörd som kan påverka lyssnaren (eller läsaren) djupt. Nedan följer en reproduktion av en berömd haiku kallas "Den gamla dammen" av mästerpoeten Matsuo Bashō:

En gammal damm!

En groda hoppar in-

ljudet av vatten.

Organiska former och natur

Japansk design innehåller ofta naturliga scener, målningar av djur och blommor som finns i regionen, stenpartier och bonsai. Att vara nära naturen och uppskatta säsongens skönhet är viktigt i den japanska kulturen. Säsongens händelser markeras med kalenderfester, som körsbärsblommornas fall i Okinawa.

Ovan ser vi ett fotografi av den japanska skådespelerskan Emiko Yagumo (1903 - 1979) som bär en kimono med en sakura (körsbärsblomma) blommönster.

Geometriska mönster och symbolik

Japanska formgivare kombinerar naturkänsla och enkelhet och använder ofta geometriska former som representerar naturfenomen. Körsbärsblommor, Fuji-berget, solen, vatten och fiskar är några av de viktigaste symbolerna i japansk design.

Japanerna tilldelar saker som finns i naturen andliga betydelser och du bör se till att förstå betydelsen av dessa symboler innan du använder dem i din japanskinspirerade grafiska design.

Den röda cirkeln i Japans vita flagga symboliserar till exempel solen. Japans traditionella namn är Nippon (även Nihon Cirklar symboliserar också upplysning, styrka, universum, ofullständighet eller tomhet enligt zenbuddhismen.

I Japan har man i århundraden använt meningsfulla geometriska mönster för kimonotyg och andra föremål i Japan, bland annat följande traditionella mönster:

• Uroko (Skalor) : En kombination av trianglar som liknar en orms eller fisks fjäll och som ibland bärs av samurajer som en talisman för att skydda dem från skada.

Bildkälla: Your Doorway to Japan (Din väg till Japan)

• Kōjitsunagi (Interlaced Kō Tecken) : det till synes oändliga arrangemanget av I-formade kō tecken representerar lycka.

Bildkälla: Your Doorway to Japan (Din väg till Japan)

• Asanoha (Hampablad) : föreställer hampaplantans styrka och vitalitet. Mönstret användes ofta på kläder för spädbarn och barn i hopp om att de skulle växa sig stora och starka.

Bildkälla: Your Doorway to Japan (Din väg till Japan)

• Samma Komon (hajskinn) : detta mönster användes av familjen Kishū Tokugawa. Tokugawa Yoshimune (1684 - 1751) anses vara en av Japans största härskare.

Bildkälla: Your Doorway to Japan (Din väg till Japan)

• Tachiwaki / Tatewaki (Rising Steam) : I detta mönster representerar två böjda linjer mjukt stigande ånga. Det användes ofta till kimonos som bars av personer med hög status under Heian-perioden (794-1185). Variationer skapas genom att ändra kurvanterna, till exempel Kumo tatewaku (moln) och Sasa tatewaku (bambu).

Bildkälla: Your Doorway to Japan (Din väg till Japan)

Anpassad typografi

Med tanke på att det japanska alfabetet innehåller tusentals tecken är det inte förvånande att de flesta japanska designarbeten åtföljs av anpassad typografi och handritade bokstäver.

Anpassad typografi är en viktig funktion, inte bara för att japansk kalligrafi är mycket respekterad, utan även för att du kan tänka dig att försöka skapa ett japanskt typsnitt med tusentals tecken i vanlig, fet och kursiv stil!

Att lägga till skrivna tecken är ett framträdande inslag i japansk kreativitet och har funnits i flera århundraden, som du kan se på träsnittet ( ukiyo-e ) nedan.

Aoyama i Edo (Tôto Aoyama) , från serien Trettiosex vyer av berget Fuji (Fuji sanjûrokkei) av ukiyo-e mästare Utagawa Hiroshige, 1852. Bildkälla: Ukiyo-e Search.

Även om kreativt arbete i Japan har haft vissa viktiga influenser, från zenbuddhism till västerländsk konst, följer japansk grafisk design vissa principer som skiljer den från andra stilar.

Vad påverkar japansk design?

Shintoism och buddhism

Inom den traditionella religionen i Japan, Shinto , begreppet mono no aware Den utvecklades som en intensiv medvetenhet om ens plats i världen. Senare, när buddhismen introducerades på 500-talet i Kina, utvecklades den som en intensiv medvetenhet om sin plats i världen, mono no aware användes också för att beskriva det buddhistiska konceptet om livets förgängliga natur eller om förgänglighet.

Betyder "sakernas patos". mono no aware är inte en nihilistisk syn på världen - det är i stället en akut medvetenhet om att vara i ögonblicket och njuta av det som finns runt omkring dig.

Vare sig det handlar om att se de fallande körsbärsblommorna eller att vara uppmärksam på de vilda fåglarnas rop, mono no aware Den japanska kulturen är genomsyrad av tanken att livet är värdefullt just för att det inte varar för evigt. Detta förklarar varför man ofta ser symboler som körsbärsblommor, fåglar, berg osv. i japansk bildkonst och design.

Detta buddhistiska inflytande ligger också till grund för det som vi idag kallar minimalism. Skillnaden mellan västerländska uppfattningar om minimalism och japansk minimalism är att minimalistisk design kan luta mot att kännas steril och kall i väst.

Den japanska kulturen ger dock upphov till den rätta typen av minimalism, varm och inbjudande, med en uppskattning för enkla saker och ett värde för gamla saker.

Japansk kultur

Under Edo-perioden (1603-1867) hade Japan relativ fred och stabilitet, en strikt konfuciansk samhällsordning, ekonomisk tillväxt och ett uppsving för den kreativa och dramatiska konsten. Detta var några av de formativa åren för den japanska kulturen som vi känner den idag.

Med förbudet mot utrikeshandel och skapandet av "nöjeskvarter" kunde Japans konst och kultur (och andra nöjen) avnjutas av det egna folket.

Människor och platser i "nöjeskvarteren" var populära ämnen i ukiyo-e Konstverken var reproducerbara och använde ljusa, platta färger och slående mönster. Ukiyo-e tillverkades främst för att pryda hemmen hos rika eller adliga familjer och nya affärsmän.

Ukiyo betyder "flyta" och uttryckte till en början livets förgängliga natur. Senare representerade den det japanska samhällets flyktiga nöjen i form av träsnitt med skådespel, vackra kvinnor och natursköna vyer.

Tre kabuki-skådespelare som spelar Hanetsuki , en ukiyo-e tryck av Utagawa Kuniyasu, 1823. Bildkälla: Metropolitan Museum of Art.

Under Edo-perioden hade Japan inte mycket att göra med resten av världen. När Tokugawa-herrarna störtades 1867 började Meiji-perioden - och Japans gränser öppnades för första gången på över 200 år.

Öppnandet av Japans gränser innebar ett inflöde av västerländska varor och influenser, liksom export av japanska varor och förflyttning av japaner.

Västerländsk kultur

Sedan Japans gränser öppnades kunde västerländska stilar och idéer korsbefrukta varandra. Västerländska varor blev alltmer populära och påverkade även japansk grafisk design. Från 1915 till 1940-talet var Shin-hanga och Sōsaku-hanga I den nya rörelsen inom träsnittstrycket var det västerländska idéer och processer som vävdes samman med japanska motiv.

De glansfulla bilderna som producerades under denna tid informerar också om manga (japanska serietidningar) som vi ser i dag.

Araki-yokocho i Yotsuya , a Shin-hanga Tryck av Tsuchiya Koitsu, 1935. Bildkälla: Ukiyo-e Search.

Förutom de internationella trender som har påverkat japansk design har Japans kultur och artefakter också påverkat andra kulturer på ett betydande sätt, till exempel, Japonisme var en trend i mitten av 1800-talets Frankrike (och andra europeiska länder) som tog till sig alla aspekter av japansk kultur.

Japonisme Detta har även översatts till verk av konstnärer som impressionisterna, som fängslades av de flyktiga ögonblicken som japanska konstnärer tyckte om att fånga i sina konstverk.

Det syns i impressionisternas val av motiv, deras användning av ljusa, platta färger med mörka eller svarta konturer och lekfulla rumsliga effekter som beskärning och inzoomning.

Mandelblomma , oljemålning av den impressionistiske konstnären Vincent van Gogh, 1890. Bildkälla: Van Gogh Museum Amsterdam

De platta, lysande färgerna, de starkt stiliserade bilderna och de realistiska ämnena i japansk design började i stor utsträckning införlivas i europeisk konst och design och ledde till Art Nouveau-rörelsen.

Varför japansk grafisk design är så annorlunda

Japanerna har en djupt filosofisk inställning till grafisk design och värdesätter enkelhet, slående kontraster och lämplig symbolik (vilket framgår av deras nationella flagga och andra exempel som diskuterats tidigare).

Låt oss ta en titt på några av de mest inflytelserika skolorna inom japansk grafisk design för att förstå dess utveckling och de stilar vi ser idag.

Vad kallas japansk grafisk design? (stilar och exempel)

Liksom andra rörelser inom konst och design världen över har Japans grafiska konst några viktiga stilar eller trender i historien.

Kamon

Kamon är Japans gamla vapensköldar som användes för att särskilja familjer och deras ägodelar. Japanska familjevapen användes på kläder, oxkärror, stridsflaggor, samurajsvärd, keramik, möbler, gravar, fartyg - till och med på takpannor!

Kamon spelar en viktig roll i japansk grafisk design och inspirerar idag företagslogotyper och finns till och med med på japanska pass.

Yamato-e och Rinpa-skolan

Yamato-e Konstverken var mycket stiliserade, genomarbetade dekorativa målningar och andra verk som fokuserade på klassiska teman som naturscener, japansk folklore och poesi.

Viktiga egenskaper hos yamato-e De inkluderar bl.a. användning av bladguld och lack, livliga färger och starka mönster. Yamato-e är mycket sofistikerade och värdefulla konst- och hantverksverk.

Rinpa (eller Rimpa ) skolan var inte en organiserad grupp utan en 1800-tals återupplivning av denna klassiska konst under Edo-perioden. Rinpa skolan var en uppmaning att återgå till de klassiska japanska idealen från Heian-perioden, då adeln höll på att förlora sin politiska makt.

Ukiyo-e

Vi diskuterade kortfattat följande ukiyo-e träsnitt tidigare i den här artikeln. Den största skillnaden mellan yamato-e och ukiyo-e är att ukiyo-e Den har däremot utvecklats som ett billigt sätt att reproducera bilder, yamato-e var episka, ofta storskaliga konstverk som var mycket raffinerade och kostsamma.

Var ukiyo-e skickligt dokumenterade och dekorerade den "nya världen" fylld av pengar och högklassig underhållning, yamato-e Den påminner om den "gamla världen" med sin heder och sitt noggranna hantverk.

Shin-hanga och Sōsaku-hanga

Vi nämnde också Shin-hanga och Sōsaku-hanga tidigare i den här artikeln. Shin-hanga ("nya utskrifter") som utvecklats direkt från ukiyo-e , som skildrar samtida japanska motiv från början av 1900-talet (med västerländska influenser) med hjälp av nya tryckprocesser.

Sōsaku-hanga ("creative prints") var däremot en samtida konströrelse vid samma tid, som använde nya tekniker men sökte ett mer kosmopolitiskt konstnärligt uttryck genom att ta till sig västerländska kreativa idéer och stilar.

Dessa rörelser utgjorde en del av moderniseringen av Japan samtidigt som de syftade till att etablera japansk tryckkonst som en konstform i motsats till billiga kommersiella objekt.

Manga

Det går att spåra tillbaka till japanska illustrerade rullar från 1100-talet med Berättelsen om Genji , manga är japansk grafik i serietidningsstil. Manga hämtar sina bilder från flera olika källor, i synnerhet japanska träsnitt och amerikanska serietidningar från tiden efter andra världskriget.

manga Stilen kan kännas igen på skarpa linjer och kontraster, överdrivet uttrycksfulla karaktärer, abstrakta bakgrunder och stämningsfulla effekter. Manga är också nära besläktad med anime (animerade japanska tecknade filmer) och kawaii .

Kawaii , som hänvisar till saker som är "söta" eller "älskvärda", är ett globalt kulturellt fenomen men har sina rötter i samma skriftrullar som manga De illustrerade rullarna från Heian-perioden hade en intressant typ av miniatyrisering för att berätta en historia.

Etymologin för kawaii sägs börja med det ålderdomliga ordet kaohayushi (och senare kawayushi) , som syftar på förlägenhet, ynkedom, litenhet och sårbarhet.

Ovan är en illustration från Berättelsen om Genji av Murasaki Shikibu, som förmodligen är den första romanen som någonsin har skrivits.

Det är alltså helt logiskt att kawaii som vi känner till den i dag tros ha börjat som en studentprotest mot auktoritär utbildning på 1960-talet. Radikala japanska studenter vägrade att läsa de föreskrivna läroböckerna och läste i stället serietidningar för att inta en barnslig hållning till utbildning och auktoriteter.

Kawaii stil och beteende används för att bevara en känsla av oskuld och barnslig förundran som ett sätt att fly eller vägra växa upp i en värld med strikt social ordning.

Dessutom var ungdomar och särskilt tonårsflickor en stor outnyttjad marknad och företagen började rikta in sig på dessa grupper - vilket vi kan se från det mest kända kawaii Hello Kitty, skapad av Sanrio, är den mest kända karaktären av alla.

Kawaii har också en märklig koppling till femininitet - å ena sidan för att hävda kvinnliga idéer och köpkraft, å andra sidan för att undertrycka kvinnlig frigörelse genom att porträttera kvinnor som söta och dumma (har du någonsin lagt märke till att Hello Kitty inte har någon mun?).

Heta-uma

Heta-uma var en underjordisk grafisk designrörelse på 1970-talet som uppstod som ett svar på den eleganta och genomarbetade designen i den vanliga grafiska designen. manga .

Till en början, heta-uma designers gjorde dåliga bilder och karikatyrer i tidningen Garo. Ännu i dag är andan i Garo heta-uma lever vidare i grova teckningar med starka färger och smarta eller roliga fraser.

Popkonst och neopopkonst

Den amerikanska Pop Art-rörelsen från 1950-talet nådde Japan strax därefter och dess inflytande kan ses i all modern och samtida japansk konst.

På senare tid har 1990-talets återupplivning av popkonst ("Neo-Pop") fått inflytelserika förespråkare som konstnären Takashi Murakami, som blandar japansk folklore med manga, amerikansk popkonst och design.

Wabi-sabi

Zen-buddhismen och dess teceremoni är en viktig del av den wabi-sabi estetik är ett resultat av två begrepp i den gamla japanska filosofin: wabi som syftar på tomhet, förgänglighet och ofullkomlighet, och sabi , som syftar på rost eller tidens gång.

Tillsammans beskriver dessa begrepp en designstil som är förenklad, rustik och inspirerad av naturen.

wabi-sabi stilen populariserades i modern grafisk design på 1990-talet i och med boken "Wabi-Sabi: for Artists, Designers, Poets & Philosophers" av Leonard Koren.

Wabi-sabi grafisk design kännetecknas av användningen av naturliga material och organiska mönster, ofullständiga penseldrag och dämpade färger som ibland kombineras med guld- eller silverblad.

Tendenser för japansk grafisk design

Nu när du har en ganska omfattande förståelse för japansk grafisk designhistoria, filosofi och principer, ska vi ta en titt på några samtida exempel och trender som du kan se idag.

Vilka märken har japanskinspirerad grafik i sin logotyp?

Mitsubishi har en Kamon -inspirerad logotyp.

Ett inlägg delat av Mitsubishi Motors Official (@mitsubishimotorsofficial)

Superdry är ett brittiskt klädmärke som är inspirerat av amerikansk och japansk grafik och har japansk typografi i sin logotyp.

Ett inlägg delat av Superdry (@superdry)

Kewpie Ett japanskt majonnäsvarumärke kombinerar en amerikansk docka med japansk produktförpackning och typografi.

SugoiJPN är ett brittiskt varumärke som skapar japansk fusion street food. Deras logotyp har en kawaii En karaktär som bär ett pannband med Rising Sun-emblemet på huvudet.

Maruchan märket ramen nudlar har en kawaii tecken och anpassade bokstäver som liknar de rundade formerna i japansk typografi.

Japanska grafiska formgivare på Instagram och Pinterest

Det finns många fantastiska japanska formgivare, illustratörer och konstnärer som arbetar med grafisk design. Vi har hittat några samtida exempel och förklarat deras stilar och influenser nedan.

Megumi Koyama är en tjänstedesigner/designforskare baserad i Tokyo. Deras kundarbete är ofta lekfullt minimalistiskt och kombinerar handritade illustrationer med eleganta linjer och former.

Asuka Watanabe är en grafisk designer och illustratör baserad i Tokyo. Deras stil beskrivs som "en kombination av konst och industridesign". Återkommande teman i Asukas arbete är abstraktion genom geometriska former, symmetriska arrangemang och ljusa och kontrasterande färger.

Ett inlägg delat av Asuka Watanabe (@asuka_afo)

Okamura Yuta är en japansk illustratör vars mest kända verk inkluderar "Tokyo Disaster Prevention", som vann Good Design Gold Award, och projektet "Tokyo Metro Manners Poster". Okamuras verk påminner om retrotrycktekniker med djärva, platta färger som kompenseras av enkla linjedragningar.

Jonathan Yamakami är en brasilianskfödd japansk keramiker och grafisk formgivare som är bosatt i Los Angeles. wabi-sabi , heta-uma, och olika andra influenser.

Ett inlägg som delas av Jonathan Yamakami - Ceramics (@jonathan.yamakami)

Ryogo Toyoda, som är baserat i Tokyo, specialiserar sig på 3D-illustrationer, karaktärsdesign och rörelsedesign. Bland deras kunder finns stora varumärken som Disney, Apple, Amazon och Nintendo. Ryogo har ett sätt att skapa färgglada, drömska scener och söta, lättförståeliga karaktärer.

Ett inlägg delat av Ryogo Toyoda (@ryogotoyoda)

Japanska grafiska formgivare gör fantastiska arbeten för kunder över hela världen. De få exemplen ovan visar att det japanska inflytandet finns överallt i den produkt-, affisch- och speldesign som vi ser idag.

Förhoppningsvis känner du dig inspirerad att börja använda den japanska stilen i din grafiska design!

Hur du lägger till japansk stil i din grafiska design

Letar du efter sätt att lägga till en japansk smak till ditt nästa grafiska designprojekt? Låt oss dela upp det vi lärt oss i den här artikeln i några praktiska steg nedan:

1. Tillämpa japanska principer för grafisk design

Genom århundradena har japansk grafisk design visat några unika principer som du kan tillämpa i ditt designarbete:

• Elegant enkelhet - Användning av vitt utrymme, rena linjer och ljusa, platta färger, beskärning/klippning.
• Harmonisk asymmetri - som med de estetiska begreppen i wabi och sabi , med tillåtelse för ojämnheter, med penseldrag och naturliga motiv.
• Geometrisk abstraktion - skapa mönster och en känsla av ordning, tillämpa symbolik i din design.
• Tradition - hedrar Japans kulturhistoria och de gamla mästarnas verk.
• Innovation - alltid letar efter nya sätt att tolka den samtida kulturen genom att integrera processer och stilar från andra länder.

2. Välj din färgpalett för grafisk design

Om du följer de japanska designtrenderna - särskilt de som beskrivs i ukiyo-e - ser du ett brett utbud av färger för din designpalett.

• Använd en färgplockare för att hämta en färgpalett från ukiyo-e eller annan japansk konst och design.
• För en wabi-sabi estetik, satsa på dämpade naturliga färger och toner i kombination med guld.
• Kawaii och manga kan använda sig av valfria färger, kawaii mönster tenderar ofta att vara pastellfärgade.

Välj några ljusa färger som kontrasterar varandra väl. Om du vill skapa en pastellpalett använder du reglaget för ljusstyrka i färgväljaren för att lägga till mer vitt till de valda färgerna.

• Om du använder penseldrag för att skapa anpassade bokstäver Håll dig till svart och grått, ibland kan även rött användas.

3. Använd japanska motiv

Traditionella japanska motiv är berg, moln, vatten, fåglar, fiskar, blommor, mönster, figurer och scener från japansk folklore eller poesi samt ukiyo-e .

Låt dig inspireras av det japanska landskapet och folkets seder och bruk för att skapa ditt originalverk.

Samtida japanska motiv omfattar ett brett utbud av djur, tecknade figurer som t.ex. manga och kawaii Alla dessa motiv kan också kombineras med traditionell japansk konst.

4. Var uppmärksam på den kulturella och andliga betydelsen.

Se till att undersöka betydelsen av varje element och dess korrekta placering - allt som används i japansk konst och design har en specifik tillämpning och betydelse!

Om du förstår den kulturella bakgrunden till japansk design visar du respekt och sofistikering i ditt eget kreativa arbete.

Sammanfattning

Från kalligrafi till animation - japanska grafiska designtrender spelar en stor roll i dagens grafiska design. Du behöver inte vara en japansk grafisk designer för att kunna skapa inspirerande japansk design.

Som grafisk formgivare är det viktigt att känna igen och på lämpligt sätt införliva japansk design i ditt arbete, särskilt om du har kunder med japansk härkomst eller om du får i uppdrag att skapa Japan-inspirerad design.

Dina kunder kommer inte bara att bli imponerade av din dynamiska tillämpning av grafiska designstilar, utan du kommer också att bli mer självsäker och experimentell när du ständigt lär dig nya designkunskaper. ensō (cirkel) i Japan - var öppen för förändringar och förbättringar i ditt designarbete!

Vill du skapa dina egna Japan-inspirerade mönster? Öppna Vectornator idag och börja.

Kom ihåg att dela med dig av din design på sociala medier och i Vectornator Community. Vi kan inte vänta på att se vad du hittar på!

Ladda ner Vectornator för att komma igång

Ta din design till nästa nivå.