Japansk grafisk design: Hvorfor så mange kreative elsker det

Fra ukiyo-e fra Edo-perioden til manga og kawaii-kulturen - Japans designtrends har haft stor indflydelse på grafisk design i dag.

Japan har et meget komplekst sprogsystem, der omfatter tre forskellige alfabeter. Japanske børn lærer at skrive med penne i skolen, hvor de lærer at beherske bogstaverne ved hjælp af en fude (børste) og sumi (sort blæk).

Den måde at skrive på, eller shodo , er en ældgammel praksis, der er meget mere end at sætte den berømte pen til papiret - det er en øvelse i artikulation, gentagelse, udholdenhed og komposition.

Japansk kalligrafi involverer hele personen: en oprejst, afslappet kropsholdning, fokuseret vejrtrækning, papiret lige foran dig, og dit sind er helt optaget af opgaven. Hvordan du skriver, er lige så vigtig som hvad du skriver, og den strenge enkelhed med sort blæk på hvidt papir anses for at være høj kunst.

Billedkilde: Japans udenrigsministerium

Desuden, shodo afspejler den japanske skønhedsfilosofi:

• Livets forgængelighed : hvert tegn repræsenterer et øjeblik, der er gået, og som ikke kan gentages.
• Balanceret flow : hvordan blækket bevæger sig på papiret.
• Værdsættelse af ufuldkommenhed : variable mærker udført i hånden.

At værdsætte de enkle ting i livet er en integreret del af den japanske kultur og danner grundlaget for japansk design. Lad os se nærmere på, hvad der gør japansk design så specielt, og hvordan det fortolkes i grafisk design.

Hvad er japansk design?

Udtrykket "japansk design" henviser naturligvis til kreativt arbejde udført af japanske designere, men Japans unikke kultur, historie og udvikling giver en genkendelig stil til arbejde udført i landet eller af kreative, der lever i den japanske diaspora.

Japansk design er kendt for minimalisme, organiske former, naturrepræsentationer, geometriske former, symbolik og tilpasset typografi. Der er mange eksempler på dette i traditionel og moderne japansk kunst og design, og det hele stammer fra deres pragmatiske livsstil.

Minimalisme

Japanerne værdsætter enkelhed og et løst greb om materielle ejendele, mens Vesten generelt følger en "mere er mere"-regel - tak for det, kapitalisme!

Minimalisme er en japansk designtrend, der har påvirket designere over hele verden på grund af dens nøgternhed, enkle skønhed og filosofien om at eje færre ting, men give dem en højere værdi.

Dette forklarer også det japanske designs effektivitet og rene linjer, som du kan se på billedet af et typisk japansk interiør nedenfor.

Et andet udtrykkeligt eksempel på minimalisme i den japanske kreative kunst er haiku poesi. Standalone haiku digte opstod i det 17. århundrede som et svar på den traditionelle japanske poesi kaldet renga , som normalt bestod af 100 strofer.

Et haiku er et digt på tre linjer med sytten stavelser, der kan siges i ét åndedrag. Det skildrer et flygtigt øjeblik med en dyb betydning, der kan påvirke lytteren (eller læseren) dybt. Nedenfor er en gengivelse af et berømt haiku kaldet "Den gamle dam" af mesterdigteren Matsuo Bashō:

En gammel dam!

En frø hopper i

lyden af vand.

Organiske former og natur

Japansk design indeholder ofte naturscener, malerier af dyr og blomster fra området, klippehaver og bonsai. At være tæt på naturen og værdsætte årstidens skønhed er vigtigt i den japanske kultur. Sæsonbestemte begivenheder signaleres ved kalenderfester, som f.eks. kirsebærblomsterne på Okinawa.

Ovenfor ser vi et fotografi af den japanske skuespillerinde Emiko Yagumo (1903 - 1979) iført en kimono med en sakura (kirsebærblomst) blomstermønster.

Geometriske mønstre og symbolik

Japanske designere kombinerer deres forståelse for naturen og enkelhed og bruger ofte geometriske former, der repræsenterer naturfænomener. Kirsebærblomster, Fuji-bjerget, solen, vand og fisk er nogle af de vigtige symboler i japansk design.

Japanerne tildeler åndelige betydninger til ting, der findes i naturen, og du bør sørge for at forstå betydningen af disse symboler, før du bruger dem i dine japansk inspirerede grafiske designs.

For eksempel symboliserer den røde cirkel i Japans hvide nationalflag solen. Det traditionelle navn på Japan er Nippon (også Nihon Cirkler symboliserer også oplysning, styrke, universet, ufuldstændighed eller tomhed ifølge zenbuddhismen.

Betydningsfulde geometriske mønstre er blevet brugt til kimonoer og andre genstande i Japan i århundreder. Nogle af de traditionelle mønstre er bl.a:

• Uroko (skalaer) : en kombination af trekanter, der ligner en slanges eller fisks skæl, og som samuraier nogle gange bærer som en talisman for at beskytte dem mod skader.

Billedkilde: Your Doorway to Japan

• Kōjitsunagi (Interlaced Kō Karakterer) : det tilsyneladende uendelige arrangement af I-formede kō tegn repræsenterer held og lykke.

Billedkilde: Your Doorway to Japan

• Asanoha (Hamppeblade) : repræsenterer hampens styrke og vitalitet; dette mønster blev ofte brugt på babyer og børns tøj i håb om, at de ville vokse sig store og stærke.

Billedkilde: Your Doorway to Japan

• Samme Komon (Hajhud) : dette mønster blev brugt af Kishū Tokugawa-familien. Tokugawa Yoshimune (1684 - 1751) anses for at være en af Japans største herskere.

Billedkilde: Your Doorway to Japan

• Tachiwaki / Tatewaki (Stigende damp) : i dette mønster repræsenterer to buede linjer en svagt stigende damp. Det blev ofte brugt til kimonoer, der blev båret af folk med høj status i Heian-perioden (794-1185). Variationer skabes ved at ændre de buede linjer, f.eks. Kumo tatewaku (sky) og Sasa tatewaku (bambus).

Billedkilde: Your Doorway to Japan

Brugerdefineret typografi

I betragtning af at det japanske alfabet indeholder tusindvis af tegn, er det ikke overraskende, at de fleste japanske designs er ledsaget af specialfremstillet typografi og håndtegnede bogstaver.

Brugerdefineret typografi er en vigtig funktion, ikke kun fordi japansk kalligrafi er meget respekteret, men kan du forestille dig at forsøge at skabe en japansk skrifttype med tusindvis af tegn i almindelig, fed og kursiv skrift?!

Tilføjelse af skrifttegn er et fremtrædende træk i japansk kreativt arbejde og strækker sig over flere århundreder, som du kan se på træsnit ( ukiyo-e ) nedenfor.

Aoyama i Edo (Tôto Aoyama) , fra serien Tredive-seks visninger af Fuji-bjerget (Fuji sanjûrokkei) af ukiyo-e mester Utagawa Hiroshige, 1852. Billedkilde: Ukiyo-e Search.

Selv om kreativt arbejde i Japan har haft en række vigtige påvirkninger fra zenbuddhismen til vestlig kunst, følger japansk grafisk design visse principper, som adskiller det fra andre stilarter.

Hvad påvirker japansk design?

Shintoisme og buddhisme

Inden for den traditionelle religion i Japan, Shinto , begrebet mono no aware udviklede sig som en intens bevidsthed om ens plads i verden. Senere, da buddhismen blev introduceret i det 5. århundrede i Kina, mono no aware blev også brugt til at beskrive det buddhistiske begreb om livets forgængelighed eller ubestemthed.

Betyder "tingenes patos". mono no aware er ikke et nihilistisk syn på verden - det er i stedet en akut bevidsthed om at være i nuet og nyde det, der er omkring dig.

Uanset om det drejer sig om at se de faldende kirsebærblomster eller være opmærksom på de vilde fugles kald, mono no aware Det er tanken om, at livet er værdifuldt, netop fordi det ikke varer evigt. Det forklarer, hvorfor man ofte ser symboler som kirsebærblomster, fugle, bjerge osv. i japansk billedkunst og design.

Denne buddhistiske indflydelse dannede også grundlaget for det, vi i dag kalder minimalisme. Forskellen mellem vestlige opfattelser af minimalisme og japansk minimalisme er, at minimalistisk design kan virke sterilt og koldt i Vesten.

Men den japanske kultur skaber den rette form for minimalisme, varm og indbydende, med en forståelse for enkle ting og en værdsættelse af gamle ting.

Japansk kultur

I Edo-perioden (1603-1867) nød Japan relativ fred og stabilitet, en streng konfuciansk samfundsorden, økonomisk vækst og et boom i den kreative og dramatiske kunst. Det var nogle af de formative år for den japanske kultur, som vi kender den i dag.

Med forbuddet mod udenrigshandel og oprettelsen af "fornøjelseskvarterer" kunne Japans kunst og kultur (og andre fornøjelser) nydes af landets egen befolkning.

Mennesker og steder i "fornøjelseskvartererne" var populære emner i ukiyo-e Disse kunstværker kunne reproduceres og brugte lyse, flade farver og markante designs. Ukiyo-e blev hovedsageligt fremstillet til at pryde hjemmene hos rige eller adelige familier og fremadstormende forretningsfolk.

Ukiyo betyder "at flyde" og udtrykte oprindeligt livets flygtige natur. Senere repræsenterede det de flygtige glæder i det japanske samfund i form af træsnit af skuespil, smukke kvinder og naturskønne udsigter.

Tre kabuki-skuespillere spiller Hanetsuki , en ukiyo-e tryk af Utagawa Kuniyasu, 1823. Billedkilde: The Metropolitan Museum of Art.

I Edo-perioden havde Japan ikke meget med resten af verden at gøre. Da Tokugawa-herskerne blev væltet i 1867, begyndte Meiji-perioden - og Japans grænser blev åbnet for første gang i over 200 år.

Åbningen af Japans grænser betød en tilstrømning af vestlige varer og påvirkninger, samt eksport af japanske varer og flytning af japanske folk.

Vestlig kultur

Efter åbningen af de japanske grænser kunne vestlige stilarter og idéer krydspollinere. Vestlige varer blev mere og mere populære og påvirkede også japansk grafisk design. Fra 1915 og frem til 1940'erne var den Shin-hanga og Sōsaku-hanga bevægelser inden for træsnittryk, hvor vestlige ideer og processer blev sammenflettet med japanske emner.

De glansfulde billeder, der blev produceret i denne tid, er også med til at manga (japanske tegneserier) stilarter, som vi ser i dag.

Araki-yokocho i Yotsuya , a Shin-hanga tryk af Tsuchiya Koitsu, 1935. Billedkilde: Ukiyo-e Search.

Ud over de internationale tendenser, der har påvirket japansk design, har Japans kultur og kunstgenstande også haft stor indflydelse på andre kulturer, f.eks, Japonisme var en tendens i Frankrig (og andre europæiske lande) i midten af det nittende århundrede, hvor alle aspekter af den japanske kultur blev opslugt.

Japonisme Det blev endda overført til værker af kunstnere som impressionisterne, der blev betaget af de flygtige øjeblikke, som japanske kunstnere gerne indfangede i deres værker.

Du kan se det i impressionisternes valg af motiv, deres brug af lyse, flade farver med mørke eller sorte konturer og legende rumlige effekter som beskæring eller indzoomning.

Mandelblomst , oliemaleri af den impressionistiske kunstner Vincent van Gogh, 1890. Billedkilde: Van Gogh Museum Amsterdam

De flade, strålende farver, stærkt stiliserede billeder og realistiske emner i japansk design begyndte at blive bredt indarbejdet i europæisk kunst og design og førte til Art Nouveau-bevægelsen.

Hvorfor japansk grafisk design er så anderledes

Japanerne har en dybt filosofisk tilgang til grafisk design, hvor de lægger vægt på enkelhed, markante kontraster og passende symbolik (som det ses i deres nationale flagdesign og andre eksempler, der er omtalt tidligere).

Lad os se nærmere på nogle af de mest indflydelsesrige tankegange og praksis inden for japansk grafisk design for at forstå udviklingen og de stilarter, vi ser i dag.

Hvad kaldes japansk grafisk design? (stilarter og eksempler)

Som det er tilfældet med andre bevægelser inden for kunst og design verden over, er der i Japans grafiske kunst nogle vigtige stilarter eller tendenser i historien.

Kamon

Kamon er Japans gamle våbenskjolde, der blev brugt til at skelne familier og deres ejendele fra hinanden. Japanske familievåben blev brugt på tøj, oksevogne, kampbannere, samurai-sværd, keramik, møbler, grave, skibe - og endda på tagsten!

Kamon spiller en vigtig rolle i japansk grafisk design og inspirerer i dag firmalogoer og figurerer endda på japanske pas.

Yamato-e og Rinpa-skolen

Yamato-e kunstværker var stærkt stiliserede, udførlige dekorative malerier og andre værker, der fokuserede på klassiske temaer som naturbilleder, japansk folklore og poesi.

Vigtigste kendetegn ved yamato-e omfatter brugen af bladguld og lak, levende farver og stærke mønstre. Yamato-e er meget sofistikerede og værdifulde kunst- og håndværksprodukter.

Rinpa (eller Rimpa ) skolen var ikke en organiseret gruppe, men en genoplivning i det 19. århundrede af denne klassiske kunst i Edo-perioden. Rinpa skolen var en opfordring til at vende tilbage til de klassiske japanske idealer fra Heian-perioden, hvor adelen var ved at miste sin politiske magt.

Ukiyo-e

Vi drøftede kort ukiyo-e træsnit tidligere i denne artikel. Den væsentligste forskel mellem yamato-e og ukiyo-e er, at ukiyo-e opstod som en billig måde at reproducere billeder på. I modsætning hertil, yamato-e var episke, ofte store kunstværker, der var meget raffinerede og dyre.

Hvor ukiyo-e dygtigt dokumenterede og dekorerede den "nye verden" fyldt med pengestrøm og underholdning på højt niveau, yamato-e mindede om den "gamle verden" med sin ære og omhyggelige håndværk.

Shin-hanga og Sōsaku-hanga

Vi nævnte også Shin-hanga og Sōsaku-hanga tidligere i denne artikel. Shin-hanga ("nye udskrifter"), der er udviklet direkte fra ukiyo-e , der skildrer moderne japanske emner fra begyndelsen af det 20. århundrede (med vestlige påvirkninger) ved hjælp af nye trykprocesser.

Sōsaku-hanga ("kreative tryk") var på den anden side en moderne kunstbevægelse omkring samme tid, der brugte nye teknikker, men søgte et mere kosmopolitisk kunstnerisk udtryk ved at tage vestlige kreative idéer og stilarter til sig.

Disse bevægelser var en del af moderniseringen af Japan, mens de stadig havde til formål at etablere japansk trykning som en kunstform i modsætning til billige kommercielle genstande.

Manga

De kan spores tilbage til japanske illustrerede ruller fra det 12. århundrede med Fortællingen om Genji , manga er japansk tegneserie-grafik i tegneserie-stil. Manga trækker på nogle forskellige kilder, især japanske træsnit og amerikanske tegneserier fra tiden efter Anden Verdenskrig.

manga stil kan genkendes på skarpe linjer og kontraster, overdrevent udtryksfulde figurer, abstrakte baggrunde og stemningsfulde effekter. Manga er også nært beslægtet med anime (animerede japanske tegnefilm) og kawaii .

Kawaii , der henviser til ting, der er "søde" eller "elskelige", er et globalt kulturelt fænomen, men har sine rødder i de samme skriftruller som manga De illustrerede skriftruller fra Heian-perioden havde en interessant form for miniaturisering for at fortælle en historie.

Etymologien af kawaii siges at begynde med det arkaiske ord kaohayushi (og senere kawayushi) , som henviser til forlegenhed, ynkelighed, lidenhed og sårbarhed.

Ovenstående er en illustration fra Fortællingen om Genji af Murasaki Shikibu, som vel nok er den første roman, der nogensinde er skrevet.

Det giver derfor fuldstændig mening, at kawaii som vi kender den i dag, menes at være startet som en studenterprotest mod autoritær uddannelse i 1960'erne. Radikale japanske studerende nægtede at læse de foreskrevne akademiske lærebøger og læste i stedet tegneserier og indtog en barnlig holdning til uddannelse og autoriteter.

Kawaii stil og adfærd bruges til at bevare en følelse af uskyld og barnlig forundring som en måde at undslippe eller nægte at vokse op i en verden med streng social orden.

Desuden var unge og især teenagepiger et stort uudnyttet marked, og virksomhederne begyndte at målrette sig mod disse demografiske grupper - som vi kan se på den mest berømte kawaii Hello Kitty, som er skabt af Sanrio, er den mest populære af alle figurer.

Kawaii har også en mærkelig konnotation til kvindelighed - på den ene side hævder de feminine idéer og købekraft, på den anden side undertrykker de feminin frigørelse ved at fremstille kvinder som søde og dumme (har du nogensinde lagt mærke til, at Hello Kitty ikke har en mund?).

Heta-uma

Heta-uma var en undergrundsbevægelse inden for grafisk design i 1970'erne, der opstod som et svar på de elegante og gennemarbejdede designs fra mainstream manga .

I første omgang, heta-uma designere lavede dårligt gengivne billeder og karikaturer, der blev vist i Garo-magasinet. I dag er ånden i Garo stadig heta-uma lever videre i grove tegninger med klare farver ledsaget af kloge eller sjove sætninger.

Pop Art og neo-pop art

Den amerikanske Pop Art-bevægelse fra 1950'erne nåede Japan kort efter, og dens indflydelse kan ses i hele den moderne og nutidige japanske kunst.

For nylig har 1990'ernes genoplivning af popkunst ("Neo-Pop") haft nogle indflydelsesrige fortalere som kunstneren Takashi Murakami, der blander japansk folklore med manga, amerikansk popkunst og design.

Wabi-sabi

Med en dybfølt forankring i zenbuddhismen og dens te-ceremoni, er den wabi-sabi æstetik er afledt af to begreber i den gamle japanske filosofi: wabi , der henviser til tomhed, forgængelighed og ufuldkommenhed, og sabi , der henviser til rust eller til tidens gang.

Tilsammen beskriver disse begreber en designstil, der er enkel, rustik og inspireret af naturen.

wabi-sabi stilen blev populæriseret i moderne grafisk design i 1990'erne med udgivelsen af bogen "Wabi-Sabi: for Artists, Designers, Poets & Philosophers" af Leonard Koren.

Wabi-sabi grafisk design er kendetegnet ved brugen af naturlige materialer og organiske mønstre, ufuldstændige penselstrøg og afdæmpede farver, der undertiden kombineres med bladguld eller -sølv.

Tendenser inden for japansk grafisk design

Nu hvor du har en ret omfattende forståelse af japansk grafisk designs historie, filosofi og principper, kan vi se på nogle moderne eksempler og tendenser, som du kan se i dag.

Hvilke mærker har japansk inspirerede grafikker i deres logo?

Mitsubishi har en Kamon -inspireret logo.

Et opslag delt af Mitsubishi Motors Official (@mitsubishimotorsofficial)

Superdry er et britisk tøjmærke, der er inspireret af amerikansk og japansk grafik og har japansk typografi i sit logo.

Et opslag delt af Superdry (@superdry)

Kewpie Et japansk mayonnaisemærke kombinerer en amerikansk dukke med japansk produktemballage og typografi.

SugoiJPN er et britisk mærke, der laver japansk fusion street food. Deres logo har en kawaii figur med et pandebånd med den opstigende sols emblem på.

Maruchan ramen-nudelmærke har en kawaii tegn og brugerdefinerede bogstaver, der ligner de afrundede former fra japansk typografi.

Japanske grafiske designere på Instagram og Pinterest

Der findes mange fantastiske japanske designere, illustratorer og kunstnere, der arbejder inden for grafisk design. Vi har fundet nogle få moderne eksempler og uddybet deres stil og påvirkninger nedenfor.

Megumi Koyama er en servicedesigner/designforsker med base i Tokyo. Deres arbejde for kunderne er ofte legende minimalistisk og kombinerer håndtegnede illustrationer med elegante linjer og former.

Asuka Watanabe er en grafisk designer og illustrator med base i Tokyo. Deres stil beskrives som "en kombination af fin kunst og industrielt design". Tilbagevendende temaer i Asuka Watanabes arbejde er abstraktion gennem geometriske former, symmetriske arrangementer og lyse og kontrastfyldte farver.

Et opslag delt af Asuka Watanabe (@asuka_afo)

Okamura Yuta er en japansk illustrator. Deres mest kendte arbejde omfatter "Tokyo Disaster Prevention", som vandt Good Design Gold Award, og projektet "Tokyo Metro Manners Poster". Okamuras arbejde minder om retro-trykteknikker ved hjælp af kraftige, flade farver, der er sat sammen med enkle stregtegninger.

Jonathan Yamakami er en brasilianskfødt japansk keramiker og grafisk designer med base i Los Angeles. Deres arbejde indeholder elementer fra wabi-sabi , heta-uma, og forskellige andre påvirkninger.

Et opslag delt af Jonathan Yamakami - Ceramics (@jonathan.yamakami)

Ryogo Toyoda, der har base i Tokyo, har specialiseret sig i 3D-illustrationer, karakterdesign og motion design. Deres kunder omfatter store brands som Disney, Apple, Amazon og Nintendo. Ryogo har en måde at skabe farverige, drømmende scener og søde, relaterbare karakterer på.

Et opslag delt af Ryogo Toyoda (@ryogotoyoda)

Japanske grafiske designere laver fantastisk arbejde for kunder over hele verden. De få eksempler ovenfor viser, at japansk indflydelse er overalt i de produkt-, plakat- og spildesigns, vi ser i dag.

Forhåbentlig føler du dig inspireret til at begynde at bruge den japanske stil i dit grafiske arbejde!

Sådan tilføjer du japansk stil til dit grafiske designarbejde

Leder du efter måder at tilføje et japansk præg til dit næste grafiske designprojekt på? Lad os dele det, vi har lært i denne artikel, op i et par praktiske trin nedenfor:

1. Anvende japanske principper for grafisk design

Japansk grafisk design har gennem århundreder vist nogle unikke principper, som du kan anvende i dit designarbejde:

• Elegant enkelhed - brug af hvidt rum, rene linjer og lyse, flade farver, beskæring/udskæring.
• Harmonisk asymmetri - som med de æstetiske begreber i wabi og sabi , der tillader ufuldkommenheder, ved hjælp af penselstrøg og naturlige motiver.
• Geometrisk abstraktion - at skabe mønstre og en følelse af orden, at anvende symbolik i dine designs.
• Tradition - ære for Japans kulturhistorie og de gamle mestres værker.
• Innovation - altid på udkig efter nye måder at fortolke den moderne kultur på ved at inddrage processer og stilarter fra andre lande.

2. Vælg din farvepalet til grafisk design

Hvis du følger med i de japanske designtrends - især som de er skildret i ukiyo-e - kan du se et bredt udvalg af farver til din designpalet.

• Brug en farvevælger til at hente en farvepalet fra ukiyo-e eller anden japansk kunst og design.
• For en wabi-sabi æstetik, satser på afdæmpede naturlige farver og toner kombineret med guld.
• Kawaii og manga kan gøre brug af et hvilket som helst valg af farver. Men, kawaii design har ofte en tendens til at være pastelfarvet.

Vælg nogle få lyse farver, der står i god kontrast til hinanden. Hvis du vil skabe en pastelfarvet palet, kan du bruge lyshedsskyderen på farvevælgeren til at tilføje mere hvidt til de valgte farver.

• Hvis du bruger penselstrøg til at skabe brugerdefinerede bogstaver , holde sig til sort og grå. Nogle gange kan rød også bruges.

3. Brug japanske motiver

Traditionelle japanske motiver omfatter bjerge, skyer, vand, fugle, fisk, blomster, mønstre, figurer og scener fra japansk folklore eller poesi samt ukiyo-e .

Lad dig inspirere af det japanske landskab og folkets skikke til at designe dit originale stykke.

Moderne japanske motiver omfatter en bred vifte af dyr, tegneseriefigurer som f.eks. manga og kawaii Disse motiver kan også kombineres med traditionel japansk kunst, herunder bylandskaber, futurisme, neopop art og elementer og stilarter, der er lånt fra andre lande.

4. Vær opmærksom på den kulturelle og åndelige betydning

Sørg for at undersøge betydningen af hvert enkelt element og deres korrekte placering - alt, hvad der bruges i japansk kunst og design, har en specifik anvendelse og betydning!

Hvis du sikrer dig, at du forstår den kulturelle baggrund for japansk design, viser du respekt og raffinement i dit eget kreative arbejde.

Opfølgning

Fra kalligrafi til animation - japanske grafiske designtrends spiller en stor rolle i grafisk design i dag. Du behøver ikke at være japansk grafiker for at kunne skabe inspirerende japansk design.

Som grafisk designer er det supervigtigt at genkende og på passende vis indarbejde japansk design i dit arbejde, især hvis du arbejder for kunder af japansk afstamning, eller hvis du får til opgave at skabe design inspireret af Japan.

Ikke alene vil dine kunder blive imponeret over din dynamiske anvendelse af grafiske designstile, men du vil også være mere selvsikker og eksperimenterende, når du hele tiden lærer nye designfærdigheder. Som med ensō (cirkel) i Japan - vær åben over for forandringer og forbedringer i dit designarbejde!

Vil du gerne skabe dine egne Japan-inspirerede designs? Åbn Vectornator i dag og kom i gang.

Husk at dele dine designs med os på de sociale medier og i Vectornator-fællesskabet. Vi glæder os til at se, hvad du finder på!

Download Vectornator for at komme i gang

Løft dine designs til det næste niveau.