Japans grafisch ontwerp: waarom zoveel creatieven ervan houden

Van ukiyo-e uit de Edo-periode tot manga en kawaii-cultuur, de Japanse ontwerptrends hebben een grote invloed gehad op het grafisch ontwerp van vandaag.

Japan heeft een zeer complex taalsysteem met drie verschillende alfabetten. Japanse kinderen krijgen op school les in schrijfvaardigheid, waar ze de karakters leren beheersen met behulp van een fude (borstel) en sumi (zwarte inkt).

De manier van schrijven, of shodo is een eeuwenoude praktijk die veel meer is dan de spreekwoordelijke pen op papier zetten - het is een oefening in articulatie, herhaling, uithoudingsvermogen en compositie.

Bij Japanse kalligrafie is de hele persoon betrokken; een rechte, ontspannen houding, geconcentreerde ademhaling, het papier recht voor je, je geest volledig in beslag genomen door de taak die je moet uitvoeren. Hoe je schrijft is net zo belangrijk als wat je schrijft, en de sobere eenvoud van zwarte inkt op wit papier wordt beschouwd als hoge kunst.

Beeldbron: Ministerie van Buitenlandse Zaken van Japan

Bovendien, shodo weerspiegelt de Japanse filosofie over schoonheid:

• De vergankelijkheid van het leven Elk teken vertegenwoordigt een moment dat niet kan worden gereproduceerd.
• Evenwichtige stroom : hoe de inkt zich verplaatst op het papier.
• De waardering van imperfectie : variabele merktekens met de hand gemaakt.

Het waarderen van de eenvoudige dingen in het leven maakt integraal deel uit van de Japanse cultuur en vormt de basis van Japans design. Laten we eens dieper ingaan op wat Japans design zo bijzonder maakt en hoe het wordt geïnterpreteerd in grafisch design.

Wat is Japans design?

De uitdrukking "Japans design" verwijst natuurlijk naar creatief werk van Japanse ontwerpers. Toch geven de unieke cultuur, geschiedenis en ontwikkeling van Japan een herkenbare stijl aan werk dat in het land zelf of door creatieven in de Japanse diaspora is gemaakt.

Japanse vormgeving staat bekend om minimalisme, organische vormen en voorstellingen van de natuur, geometrische vormen, symboliek en aangepaste typografie. Er zijn veel voorbeelden hiervan in traditionele en hedendaagse Japanse kunst en vormgeving, en het komt allemaal voort uit hun pragmatische manier van leven.

Minimalisme

De Japanners waarderen eenvoud en een losse greep op materiële bezittingen, terwijl het Westen over het algemeen de vuistregel "meer is meer" hanteert - bedankt, kapitalisme!

Minimalisme is een Japanse designtrend die ontwerpers wereldwijd heeft beïnvloed vanwege zijn soberheid, eenvoudige schoonheid en de filosofie om minder dingen te bezitten maar ze een hogere waarde te geven.

Dit verklaart ook de efficiëntie en strakke lijnen van Japans design, zoals u kunt zien op de afbeelding van een typisch Japans interieur hieronder.

Een ander uitdrukkelijk voorbeeld van minimalisme in de Japanse creatieve kunsten is haiku poëzie. Standalone haiku gedichten ontstond in de 17e eeuw als een reactie op de traditionele Japanse poëzie genaamd renga die gewoonlijk uit 100 strofen bestond.

Een haiku is een gedicht van drie regels met zeventien lettergrepen dat in één adem kan worden uitgesproken. Het verbeeldt een vluchtig moment met een diepe betekenis die de luisteraar (of lezer) diep kan raken. Hieronder volgt een weergave van een beroemd haiku genaamd "De Oude Vijver" door de meester dichter Matsuo Bashō:

Een oude vijver!

Een kikker springt in

het geluid van water.

Organische vormen en de natuur

Japanse ontwerpen zijn vaak voorzien van natuurlijke taferelen, schilderijen van dieren en bloemen uit de streek, rotstuinen en bonsai. Dicht bij de natuur staan en seizoensgebonden schoonheid waarderen is belangrijk in de Japanse cultuur. Seizoensgebonden gebeurtenissen worden aangekondigd met kalendervieringen, zoals het vallen van de kersenbloesem in Okinawa.

Hierboven zien we een foto van de Japanse actrice Emiko Yagumo (1903 - 1979) die een kimono draagt met een sakura (kersenbloesem) bloemenpatroon.

Geometrische patronen en symboliek

Door hun waardering voor de natuur en eenvoud te combineren, gebruiken Japanse ontwerpers vaak geometrische vormen die natuurlijke fenomenen voorstellen. Kersenbloesems, de berg Fuji, de zon, water en vissen zijn enkele van de belangrijke symbolen in Japans design.

De Japanners kennen spirituele betekenissen toe aan dingen in de natuur, en je moet ervoor zorgen dat je de betekenis van deze symbolen begrijpt voordat je ze gebruikt in je op Japan geïnspireerde grafische ontwerpen.

Zo symboliseert de rode cirkel in de witte nationale vlag van Japan de zon. De traditionele naam van Japan is Nippon (ook Nihon ), wat "oorsprong van de zon" betekent. Cirkels symboliseren ook verlichting, kracht, het universum, onvolledigheid of leegte, volgens het zenboeddhisme.

Betekenisvolle geometrische patronen worden in Japan al eeuwenlang gebruikt voor kimono stoffen en andere voorwerpen. Enkele van de traditionele patronen zijn:

• Uroko (Schalen) : een combinatie van driehoeken die lijken op de schubben van een slang of vis, soms gedragen door samoerai als talisman om hen te beschermen tegen kwaad.

Afbeelding bron: Uw doorgang naar Japan

• Kōjitsunagi (Interlaced Kō Personages) : de schijnbaar oneindige opstelling van I-vormige kō tekens staan voor geluk.

Afbeelding bron: Uw doorgang naar Japan

• Asanoha (Hennepbladeren) : vertegenwoordigt de kracht en vitaliteit van de hennepplant; dit patroon werd vaak gebruikt op baby- en kinderkleding in de hoop dat zij groot en sterk zouden worden.

Afbeelding bron: Uw doorgang naar Japan

• Dezelfde Komon (Haaienhuid) : dit patroon werd gebruikt door de familie Kishū Tokugawa. Tokugawa Yoshimune (1684 - 1751) wordt beschouwd als een van de grootste heersers van Japan.

Afbeelding bron: Uw doorgang naar Japan

• Tachiwaki / Tatewaki (Rising Steam) : in dit patroon stellen twee gebogen lijnen zachtjes stijgende stoom voor. Het werd vaak gebruikt voor kimono's die werden gedragen door mensen met een hoge status in de Heian-periode (794-1185). Variaties worden gecreëerd door de gebogen lijnen te veranderen, zoals Kumo tatewaku (wolk) en Sasa tatewaku (bamboe).

Afbeelding bron: Uw doorgang naar Japan

Aangepaste typografie

Aangezien de Japanse alfabetten duizenden tekens bevatten, is het niet verwonderlijk dat het meeste Japanse ontwerpwerk gepaard gaat met aangepaste typografie en handgetekende letters.

Aangepaste typografie is een essentieel kenmerk, niet alleen omdat Japanse kalligrafie zeer gerespecteerd wordt, maar kun je je voorstellen dat je een Japans lettertype probeert te maken met duizenden tekens in normaal, vet en cursief?!

Het toevoegen van geschreven karakters is een prominent kenmerk van Japans creatief werk en gaat eeuwenlang mee, zoals u kunt zien in de houtsnede ( ukiyo-e ) hieronder.

Aoyama in Edo (Tôto Aoyama) , van de serie Zesendertig gezichten op de berg Fuji (Fuji sanjûrokkei) door ukiyo-e meester Utagawa Hiroshige, 1852. Beeldbron: Ukiyo-e Search.

Hoewel het creatieve werk in Japan enkele belangrijke invloeden heeft ondergaan, variërend van het Zenboeddhisme tot de westerse kunst, volgt het Japanse grafische ontwerp bepaalde principes die het onderscheiden van andere stijlen.

Wat beïnvloedt Japans design?

Shintoïsme en boeddhisme

Binnen de traditionele religie van Japan, Shinto het concept van mono no aware ontwikkelde zich als een intens bewustzijn van iemands plaats in de wereld. Later, toen het boeddhisme in de 5e eeuw in China werd geïntroduceerd, mono no aware werd ook gebruikt om het boeddhistische concept van de vergankelijke aard van het leven of vergankelijkheid te beschrijven.

Betekent "het pathos van de dingen," mono no aware is geen nihilistische kijk op de wereld - in plaats daarvan is het het acute bewustzijn om in het moment te zijn en te genieten van wat er om je heen is.

Of het nu gaat om het bekijken van de vallende kersenbloesems of het luisteren naar de roep van wilde vogels, mono no aware Het is het idee dat het leven waardevol is juist omdat het niet eeuwig duurt. Dit verklaart waarom je vaak symbolen als kersenbloesems, vogels, bergen, etc. ziet in Japanse beeldende kunst en design.

Deze boeddhistische invloed vormde ook de basis van wat wij tegenwoordig minimalisme noemen. Het verschil tussen westerse opvattingen over minimalisme en Japans minimalisme is dat minimalistische ontwerpen in het Westen kunnen neigen naar een steriel en koud gevoel.

De Japanse cultuur brengt echter het juiste soort minimalisme voort, warm en uitnodigend, met waardering voor eenvoudige dingen en waarde gevend aan oude dingen.

Japanse Cultuur

Tijdens de Edo-periode (1603 - 1867) kende Japan relatieve vrede en stabiliteit, een strikte confucianistische sociale orde, economische groei en een bloei van de creatieve en dramatische kunsten. Dit waren enkele van de vormende jaren van de Japanse cultuur zoals we die nu kennen.

Met het verbod op buitenlandse handel en de oprichting van "plezierwijken" konden de kunst en cultuur (en andere genoegens) van Japan door de eigen bevolking worden genoten.

De mensen en plaatsen in de "plezierwijken" waren populaire onderwerpen in ukiyo-e Deze kunstwerken waren reproduceerbaar en gebruikten heldere, platte kleuren en opvallende ontwerpen. Ukiyo-e werden voornamelijk geproduceerd om de huizen van rijke of adellijke families en opkomende zakenmensen te versieren.

Ukiyo betekent "drijven" en drukte aanvankelijk de vergankelijke aard van het leven uit. Later vertegenwoordigde het de vluchtige genoegens van de Japanse samenleving in de vorm van houtsneden van toneelstukken, mooie vrouwen en schilderachtige uitzichten.

Drie Kabuki acteurs spelen Hanetsuki , een ukiyo-e prent door Utagawa Kuniyasu, 1823. Beeldbron: The Metropolitan Museum of Art.

Tijdens de Edo-periode had Japan weinig te maken met de rest van de wereld. Toen de Tokugawa-heersers in 1867 omver werden geworpen, begon de Meiji-periode - en werden de grenzen van Japan voor het eerst in meer dan 200 jaar geopend.

De opening van de Japanse grenzen betekende een toevloed van westerse goederen en invloeden, evenals de export van Japanse goederen en het verkeer van Japanse mensen.

Westerse Cultuur

Sinds de opening van de Japanse grenzen konden westerse stijlen en ideeën elkaar kruisen. Westerse goederen werden steeds populairder en beïnvloedden ook de Japanse grafische vormgeving. Van 1915 tot de jaren veertig was de Shin-hanga en Sōsaku-hanga stromingen in de houtdruk zagen westerse ideeën en processen verweven met Japanse onderwerpen.

De glanzende beelden die in deze tijd worden geproduceerd vormen ook de informatie voor de manga (Japanse strip) stijlen die we vandaag de dag zien.

Araki-yokocho in Yotsuya , a Shin-hanga prent door Tsuchiya Koitsu, 1935. Beeldbron: Ukiyo-e Search.

Naast de internationale trends die het Japanse design hebben beïnvloed, hebben de Japanse cultuur en kunstvoorwerpen ook andere culturen aanzienlijk beïnvloed. Bijvoorbeeld, Japonisme was een trend in het Frankrijk van midden negentiende eeuw (en andere Europese landen) die alle aspecten van de Japanse cultuur consumeerde.

Japonisme zelfs vertaald in de werken van beeldende kunstenaars zoals de impressionisten, die gefascineerd waren door de vluchtige momenten die Japanse kunstenaars graag vastlegden in hun kunstwerken.

Dat zie je terug in de onderwerpkeuze van de impressionisten, hun gebruik van heldere, vlakke kleuren met donkere of zwarte contouren, en speelse ruimtelijke effecten als bijsnijden of inzoomen.

Amandelbloesem , olieverfschilderij van de impressionistische kunstenaar Vincent van Gogh, 1890. Beeldbron: Van Gogh Museum Amsterdam

De platte, schitterende kleuren, sterk gestileerde afbeeldingen en realistische onderwerpen uit de Japanse vormgeving werden op grote schaal opgenomen in de Europese kunst en vormgeving en leidden tot de Art Nouveau-beweging.

Waarom Japans grafisch ontwerp zo anders is

De Japanners hebben een diep filosofische benadering van grafisch ontwerp, waarbij ze waarde hechten aan eenvoud, opvallende contrasten en passende symboliek (zoals te zien is in het ontwerp van hun nationale vlag en andere eerder besproken voorbeelden).

Laten we eens kijken naar enkele van de meest invloedrijke denkrichtingen en praktijken in de Japanse grafische vormgeving om de ontwikkeling ervan en de stijlen die we vandaag de dag zien te begrijpen.

Wat is Japans grafisch ontwerp? (Stijlen en voorbeelden)

Net als andere stromingen in kunst en design wereldwijd, kent de grafische kunst van Japan enkele belangrijke stijlen of trends uit de geschiedenis.

Kamon

Kamon zijn de oude wapenontwerpen van Japan, gebruikt om families en hun bezittingen te onderscheiden. Japanse familiewapens werden gebruikt op kleding, ossenkarren, strijdvaandels, samoeraizwaarden, aardewerk, meubels, graven, schepen - zelfs dakpannen!

Kamon spelen een belangrijke rol in de Japanse grafische vormgeving, en inspireren tegenwoordig bedrijfslogo's en staan zelfs op Japanse paspoorten.

Yamato-e en de Rinpa-school

Yamato-e kunstwerken waren sterk gestileerde, uitgebreide decoratieve schilderijen en andere werken die gericht waren op klassieke thema's zoals natuurtaferelen, Japanse folklore en poëzie.

Belangrijkste kenmerken van yamato-e omvatten het gebruik van bladgoud en lak, levendige kleuren en sterke patronen. Yamato-e zijn zeer verfijnde en waardevolle kunstwerken.

De Rinpa (of Rimpa ) school was geen georganiseerde groep, maar een 19e-eeuwse heropleving van deze klassieke kunst tijdens de Edo-periode. De Rinpa school was een oproep om terug te keren naar de klassieke Japanse idealen van de Heian periode toen de adel zijn politieke macht verloor.

Ukiyo-e

We bespraken kort ukiyo-e eerder in dit artikel. Het belangrijkste verschil tussen yamato-e en ukiyo-e is dat ukiyo-e ontstond als een goedkope manier om foto's te reproduceren. In tegenstelling, yamato-e waren epische, vaak grootschalige kunstwerken die zeer verfijnd en kostbaar waren.

Waar ukiyo-e vakkundig gedocumenteerd en ingericht de "nieuwe wereld" gevuld met geldstroom en high brow entertainment, yamato-e herinnerde aan de "oude wereld" met zijn eer en nauwgezette vakmanschap.

Shin-hanga en Sōsaku-hanga

We noemden ook Shin-hanga en Sōsaku-hanga eerder in dit artikel. Shin-hanga ("nieuwe afdrukken") rechtstreeks ontwikkeld uit ukiyo-e , met hedendaagse Japanse onderwerpen uit het begin van de 20e eeuw (met westerse invloeden) door het gebruik van nieuwe druktechnieken.

Sōsaku-hanga ("creatieve prints"), daarentegen, was een hedendaagse kunststroming rond dezelfde tijd, die nieuwe technieken gebruikte maar streefde naar een meer kosmopolitische artistieke expressie door westerse creatieve ideeën en stijlen over te nemen.

Deze bewegingen maakten deel uit van de modernisering van Japan, terwijl ze er toch naar streefden de Japanse drukkunst als kunstvorm te vestigen in plaats van als goedkope commerciële voorwerpen.

Manga

Teruggaand tot 12e eeuwse Japanse geïllustreerde rollen van Het verhaal van Genji , manga is Japanse stripachtige graphics. Manga put uit een paar verschillende bronnen, met name Japanse houtsneden en Amerikaanse stripboeken van na de Tweede Wereldoorlog.

De manga stijl is te herkennen aan scherpe lijnen en contrasten, overdreven expressieve personages, abstracte achtergronden en stemmige effecten. Manga is ook nauw verwant aan anime (Japanse tekenfilms) en kawaii .

Kawaii , verwijzend naar dingen die "schattig" of "beminnelijk" zijn, is een wereldwijd cultureel fenomeen maar heeft zijn wortels in dezelfde rollen als manga De geïllustreerde rollen uit de Heian periode hadden een interessant soort miniaturisatie om een verhaal te vertellen.

De etymologie van kawaii zou beginnen met het archaïsche woord kaohayushi (en later kawayushi) wat verwijst naar verlegenheid, zieligheid, kleinheid en kwetsbaarheid.

Hierboven staat een illustratie uit Het verhaal van Genji door Murasaki Shikibu, waarschijnlijk de eerste roman ooit geschreven.

Het is dus volkomen logisch dat kawaii Zoals we het nu kennen is het vermoedelijk begonnen als een studentenprotest tegen autoritair onderwijs in de jaren 60. Radicale Japanse studenten weigerden de voorgeschreven academische leerboeken te lezen en lazen in plaats daarvan stripboeken, waardoor ze een kinderlijke houding aannamen tegenover onderwijs en autoriteit.

Kawaii stijl en gedrag worden gebruikt om een gevoel van onschuld en kinderlijke verwondering te behouden als een manier om te ontsnappen of te weigeren op te groeien in een wereld met strikte sociale orde.

Bovendien waren adolescenten en vooral tienermeisjes een enorme onaangeboorde markt en bedrijven begonnen zich op deze demografie te richten - zoals we kunnen zien aan de beroemdste kawaii karakter van allemaal, Hello Kitty, gemaakt door briefpapiermerk Sanrio.

Kawaii heeft ook een vreemde connotatie met vrouwelijkheid - enerzijds het bevestigen van vrouwelijke ideeën en koopkracht, anderzijds het onderdrukken van vrouwelijke emancipatie door vrouwen af te schilderen als schattig en dom (is het je ooit opgevallen dat Hello Kitty geen mond heeft?).

Heta-uma

Heta-uma was een ondergrondse grafische ontwerpbeweging in de jaren 1970 die ontstond als reactie op de strakke en uitgebreide ontwerpen van de mainstream manga .

Eerst wel, heta-uma ontwerpers maakten slecht weergegeven afbeeldingen en karikaturen die in Garo magazine stonden. Nog steeds is de geest van heta-uma leeft voort in ruwe tekeningen met felle kleuren vergezeld van slimme of grappige zinnen.

Pop Art en Neo-Pop Art

De Amerikaanse Pop Art beweging van de jaren 50 bereikte Japan al snel en de invloed ervan is te zien in de moderne en hedendaagse Japanse kunst.

Meer recent heeft de heropleving van Pop Art ("Neo-Pop") in de jaren negentig enkele invloedrijke voorstanders, zoals kunstenaar Takashi Murakami, die Japanse folklore mengt met manga, Amerikaanse Pop Art en design.

Wabi-sabi

Doordrenkt van het Zen Boeddhisme en zijn praktijk van de theeceremonie, de wabi-sabi esthetiek is afgeleid van twee begrippen uit de oude Japanse filosofie: wabi die verwijst naar leegte, vergankelijkheid en onvolmaaktheid, en sabi die verwijst naar roest of de beweging van de tijd.

Samen beschrijven deze concepten een ontwerpstijl die simplistisch, rustiek en geïnspireerd door de natuur is.

De wabi-sabi De stijl werd in de jaren 1990 gepopulariseerd in de hedendaagse grafische vormgeving met de publicatie van het boek "Wabi-Sabi: for Artists, Designers, Poets & Philosophers" door Leonard Koren.

Wabi-sabi grafisch ontwerp wordt gekenmerkt door het gebruik van natuurlijke materialen en organische patronen, onvolmaakte penseelstreken en ingetogen kleuren, soms gecombineerd met bladgoud of bladzilver.

Japanse trends in grafisch ontwerp

Nu je een vrij uitgebreid begrip hebt van de Japanse grafische ontwerpgeschiedenis, filosofie en principes, laten we eens kijken naar enkele hedendaagse voorbeelden en trends die je vandaag de dag kunt zien.

Welke merken hebben Japans geïnspireerde afbeeldingen in hun logo?

Mitsubishi heeft een Kamon -geïnspireerd logo.

Een bericht gedeeld door Mitsubishi Motors Official (@mitsubishimotorsofficial)

Superdry is een Brits kledingmerk dat zich laat inspireren door Amerikaanse en Japanse graphics en Japanse typografie in zijn logo gebruikt.

Een bericht gedeeld door Superdry (@superdry)

Kewpie Japans mayonaisemerk combineert een Amerikaanse pop met Japanse productverpakking en typografie.

SugoiJPN is een Brits merk dat Japanse fusion street food maakt. Op hun logo staat een kawaii personage dat een hoofdband draagt met het embleem van de Rijzende Zon erop.

Maruchan ramen noodle merk heeft een kawaii karakter en aangepaste letters die lijken op de ronde vormen van de Japanse typografie.

Japanse grafisch ontwerpers op Instagram en Pinterest

Er zijn veel grote Japanse ontwerpers, illustratoren en kunstenaars werkzaam in de grafische ontwerpdiscipline. We hebben een paar hedendaagse voorbeelden gevonden en hieronder hun stijlen en invloeden uitgewerkt.

Megumi Koyama is een service designer/design researcher gevestigd in Tokyo. Hun klantenwerk vertoont vaak een speels minimalisme, waarbij handgetekende illustraties worden gecombineerd met elegante lijnen en vormen.

Asuka Watanabe is een grafisch ontwerper en illustrator gevestigd in Tokio. Haar stijl wordt omschreven als "een combinatie van beeldende kunst en industrieel ontwerp." Terugkerende thema's in Asuka's werk zijn abstractie door middel van geometrische vormen, symmetrische arrangementen en heldere en contrasterende kleuren.

Een bericht gedeeld door Asuka Watanabe (@asuka_afo)

Okamura Yuta is een Japanse illustrator. Zijn meest bekende werk omvat "Tokyo Disaster Prevention", dat de Good Design Gold Award won, en het "Tokyo Metro Manners Poster" project. Okamura's werk doet denken aan retro druktechnieken met behulp van gedurfde, platte kleuren gecompenseerd met eenvoudige lijntekeningen.

Jonathan Yamakami is een in Brazillië geboren Japanse keramist en grafisch ontwerper, gevestigd in Los Angeles. Hun werk bevat elementen van wabi-sabi , heta-uma, en diverse andere invloeden.

Een bericht gedeeld door Jonathan Yamakami - Keramiek (@jonathan.yamakami)

Ryogo Toyoda, gevestigd in Tokio, is gespecialiseerd in 3D-illustratie, character design en motion design. Hun klantenbestand omvat grote merken als Disney, Apple, Amazon en Nintendo. Ryogo heeft een manier om kleurrijke, dromerige scènes en schattige, relateerbare personages te creëren.

Een bericht gedeeld door Ryogo Toyoda (@ryogotoyoda)

Japanse grafische ontwerpers doen geweldig werk voor klanten over de hele wereld. De bovenstaande voorbeelden laten zien dat de Japanse invloed overal aanwezig is in de ontwerpen voor producten, posters en spellen die we vandaag de dag zien.

Hopelijk voel je je geïnspireerd om de Japanse stijl te gaan gebruiken in je grafische werk!

Hoe voeg je Japanse stijl toe aan je grafisch ontwerp?

Op zoek naar manieren om een Japanse smaak toe te voegen aan je volgende grafisch ontwerpproject? Laten we hieronder in een paar praktische stappen uiteenzetten wat we in dit artikel hebben geleerd:

1. Japanse principes voor grafisch ontwerp toepassen

Door de eeuwen heen heeft de Japanse grafische vormgeving een aantal unieke principes laten zien die u kunt toepassen op uw ontwerpwerk:

• Elegante eenvoud - gebruik van witruimte, strakke lijnen en heldere, platte kleuren, bijsnijden.
• Harmonieuze asymmetrie - zoals met de esthetische concepten van wabi en sabi en laat imperfecties toe, met penseelstreken en natuurlijke motieven.
• Geometrische abstractie - patronen en een gevoel van orde creëren, symboliek toepassen op uw ontwerpen.
• Traditie - ter ere van de culturele geschiedenis van Japan en het werk van oude meesters.
• Innovatie - altijd op zoek naar nieuwe manieren om de hedendaagse cultuur te interpreteren door processen en stijlen uit andere landen te integreren.

2. Kies het kleurenpalet van uw grafisch ontwerp

Als u de Japanse ontwerptrends volgt - vooral zoals afgebeeld in ukiyo-e - ziet u een breed scala aan kleuren beschikbaar voor het palet van uw ontwerp.

• Gebruik een kleurkiezer om een kleurenpalet te pakken van ukiyo-e of andere Japanse kunst en ontwerpen.
• Voor een wabi-sabi esthetiek, vertrouw op ingetogen natuurlijke kleuren en tinten gecombineerd met goud.
• Kawaii en manga kan gebruik maken van elke keuze van kleuren. Echter, kawaii zijn vaak pastelkleurig.

Kies een paar heldere kleuren die goed met elkaar contrasteren. Om een pastelpalet te maken, gebruik je de helderheidsschuif op je kleurenkiezer om meer wit toe te voegen aan je gekozen kleuren.

• Als je penseelstreken gebruikt om aangepaste belettering blijf bij zwart en grijs. Soms kan rood ook gebruikt worden.

3. Gebruik Japanse motieven

Traditionele Japanse motieven omvatten bergen, wolken, water, vogels, vissen, bloemen, patronen, personages en scènes uit de Japanse folklore of poëzie, en ukiyo-e .

Laat u inspireren door het Japanse landschap en de gebruiken van de mensen om uw originele stuk te ontwerpen.

Hedendaagse Japanse motieven omvatten een breed scala aan dieren, stripfiguren zoals manga en kawaii stadsgezichten, futurisme, neo-Pop Art, en elementen en stijlen ontleend aan andere landen. Al deze motieven kunnen ook worden gecombineerd met traditionele Japanse kunst.

4. Let op de culturele en spirituele betekenis.

Zorg ervoor dat u de betekenis van elk element en de juiste plaatsing ervan onderzoekt - alles wat in Japanse kunst en design wordt gebruikt heeft een specifieke toepassing en betekenis!

Als je de culturele achtergrond van Japanse ontwerpen begrijpt, toon je respect en verfijning in je eigen creatieve werk.

Wrap Up

Van kalligrafie tot animatie, Japanse grafische ontwerptrends spelen een enorme rol in het grafisch ontwerp van vandaag. Je hoeft geen Japanse grafisch ontwerper te zijn om inspirerende Japanse ontwerpen te kunnen maken.

Als grafisch ontwerper is het herkennen en op de juiste manier verwerken van Japans design in je werk super belangrijk. Dit geldt vooral als je klanten van Japanse afkomst bedient of als je opdracht krijgt om Japans geïnspireerde ontwerpen te maken.

Niet alleen zullen uw klanten onder de indruk zijn van uw dynamische toepassing van grafische ontwerpstijlen, maar u zult ook zelfverzekerder en experimenteler zijn als u voortdurend nieuwe ontwerpvaardigheden leert. Net als bij de ensō (cirkel) in Japan - blijf openstaan voor verandering en verbetering in je ontwerpwerk!

Benieuwd naar je eigen op Japan geïnspireerde ontwerpen? Open vandaag nog Vectornator en ga aan de slag.

Vergeet niet uw ontwerpen met ons te delen op sociale media en de Vectornator Community. We kunnen niet wachten om te zien wat u bedenkt!

Vectornator downloaden om te beginnen

Breng uw ontwerpen naar een hoger niveau.