Psicología del color en el arte y el diseño

¿Sabía que las abejas no pueden ver el color rojo, pero sí algunos púrpuras que los humanos no podemos ver? Este fenómeno se llama púrpura de las abejas y está relacionado con las diferentes áreas del espectro de luz que pueden ver en comparación con lo que ven los humanos. Esto nos hace preguntarnos qué otros colores puede haber ahí fuera que nosotros, como especie, nos estemos perdiendo.

¿Alguna vez ha contemplado una obra de arte realizada con colores fríos y se ha sentido tranquilo? ¿O ha visto una realizada con colores cálidos y ha sentido cómo la energía y la pasión del artista se desprenden de la página? Esta sensación, en esencia, es psicología del color.

Basamos muchas de nuestras decisiones cotidianas en los colores que nos gustan y en los que encontramos a nuestro alrededor. Piense en la alegría que experimenta al encontrar esa prenda del color que más le favorece. Compárelo con lo que siente al entrar en un edificio de paredes oscuras y poca luz. Todos estos pequeños elementos afectan a nuestra vida diaria, aunque rara vez pensemos en ellos.

¿Qué es la psicología del color?

La psicología del color es el fenómeno por el cual el color influye en el comportamiento, las emociones y las percepciones humanas. Todos tenemos conexiones instintivas entre determinados colores y los sentimientos que evocan. Sin embargo, estas connotaciones varían según las culturas y las experiencias personales.

La psicología del color tiene que ver principalmente con la teoría del color. La forma en que los colores interactúan entre sí influye en gran medida en cómo los percibimos. Existen varias relaciones entre los colores, como primarios, secundarios, terciarios y complementarios. La forma en que estos colores se yuxtaponen puede influir en cómo se perciben y afectan al espectador.

Los colores se han utilizado durante milenios para evocar determinados sentimientos. Los humanos han utilizado la asociación de colores en prácticas ancestrales en Grecia, Egipto y China. Utilizaban el color para crear asociaciones con los dioses de sus panteones, especialmente vinculándolos a elementos naturales, luz y oscuridad, bien y mal.

Los colores se utilizaban incluso para tratar problemas de salud en el Antiguo Egipto y China, ya que se creía que ayudaban a estimular zonas específicas del cuerpo, algo que aún se utiliza en determinados tratamientos holísticos.

Los colores tienen diferentes significados y asociaciones para las culturas de todo el mundo. A menudo asociados a acontecimientos y rituales específicos, el simbolismo puede variar drásticamente de un país a otro.

Las culturas occidentales suelen asociar el blanco con la pureza, la inocencia y la limpieza, mientras que utilizan el negro con el poder, la sofisticación y el misterio. El negro suele considerarse un color de luto que se lleva en los funerales.

Las culturas orientales asocian el blanco con la muerte y el luto, por lo que el color que más se lleva en los funerales es el blanco. El rojo también es un color esencial en las culturas orientales, ya que simboliza la buena suerte y la felicidad, por lo que suele utilizarse en bodas y otras celebraciones.

Algunas culturas nativas americanas también asocian mucho el color a sus rituales y ceremonias. Suelen utilizar el rojo para significar el poder vivificador del sol, mientras que el verde se considera un símbolo de crecimiento y renovación.

En general, está claro que el color tiene muchos significados y asociaciones para la gente de todo el mundo y es un aspecto esencial de la comunicación y la expresión culturales. Es crucial tener en cuenta el contexto cultural cuando se utiliza el color en el diseño o el marketing, ya que colores diferentes pueden tener connotaciones distintas en culturas diferentes.

Los colores siempre han fascinado a la humanidad, pero sólo hace relativamente poco que hemos empezado a comprender el espectro cromático.

El avance más significativo fue el de Sir Isaac Newton, cuando se dio cuenta de que la luz que nos rodea no es sólo blanca, sino una combinación de distintas longitudes de onda. Esta teoría llevó a la creación de la rueda cromática y a cómo se atribuyen los distintos colores a longitudes de onda específicas.

El inicio de la psicología del color

Aunque el desarrollo de la teoría del color fue puramente científico, otros siguieron estudiando los efectos de los colores en la mente humana.

La primera exploración de la relación entre el color y la mente es obra de Johann Wolfgang von Goethe, artista y poeta alemán. En su libro de 1810, Teoría de los colores La comunidad científica no aceptó ampliamente las teorías del libro, ya que se trataba principalmente de las opiniones del autor.

A partir del trabajo de Goethe, un neuropsicólogo llamado Kurt Goldstein utilizó un enfoque más científico para ver los efectos físicos de los colores en el espectador. Observó las distintas longitudes de onda y cómo las más largas nos hacen sentir más calientes o excitados, mientras que las más cortas nos hacen sentir fríos y relajados.

Goldstein también realizó estudios sobre las funciones motoras de algunos de sus pacientes. Partió de la hipótesis de que el color podría ayudar o dificultar la destreza. Los resultados mostraron que el rojo empeoraba los temblores y el equilibrio, mientras que el verde mejoraba la función motora. Aunque estos estudios eran científicos, no gozan de gran aceptación, ya que otros científicos aún no han sido capaces de replicar los resultados.

Otro líder de pensamiento en el campo de la psicología del color no fue otro que Carl Jung. Él teorizó que los colores expresaban estados específicos de la conciencia humana. Se empeñó en utilizar el color con fines terapéuticos, y sus estudios se centraron en encontrar los códigos ocultos de los colores para desbloquear el subconsciente.

En su teoría, Jung dividió la experiencia humana en cuatro partes y asignó a cada una un color específico.

• Rojo: Sentirse

  Simboliza: sangre, fuego, pasión y amor

• Amarillo: Intuición

  Simboliza: resplandor e irradiación hacia el exterior

• Azul: Pensar

  Simboliza: frío como la nieve

• Verde: Sensación

  Simboliza: tierra, percepción de la realidad

Estas teorías han dado forma a lo que hoy conocemos como psicología del color y han ayudado a describir cómo experimentamos los colores.

Aunque algunos de los trabajos de Goethe han sido validados, las investigaciones de muchos pioneros aún no han sido desacreditadas. Pero que hayan sido desacreditadas no significa que su trabajo no tuviera impacto: han motivado a varios científicos modernos a profundizar en el enigma que es la psicología del color.

Cómo afectan los colores a las personas

Cuando ve un producto de color rosa, ¿a qué sexo lo asocia? ¿Se ha planteado alguna vez por qué? Irónicamente, la asignación del rosa a las niñas es un hecho relativamente reciente.

Inicialmente, el rosa se consideraba otra iteración del rojo y, por tanto, se vinculaba a los chicos. El rosa se veía como más robusto que el azul debido a la conexión con el rojo. Al mismo tiempo, el azul se consideraba un color tranquilo y delicado.

Sólo después de la Segunda Guerra Mundial, cuando los uniformes se hicieron más comúnmente de tela azul, el color empezó a asociarse con la masculinidad. El color rosa se asignaba generalmente a rasgos más femeninos en la Alemania de los años treinta.

Otro dato interesante sobre el rosa es su efecto en el cerebro humano, especialmente en un tono concreto: el rosa Baker-Miller. También conocido como "rosa borracho", el rosa Baker-Miller es un tono concreto de rosa que se cree que tiene un efecto calmante en las personas. Fue utilizado por primera vez en la década de 1970 por el Dr. Alexander Schauss, quien afirmaba que la exposición a este color durante periodos prolongados podía reducir el comportamiento agresivo.y aumentan la sensación de calma y relajación.

Desde entonces, el rosa Baker-Miller se ha utilizado en diversos entornos estresantes, como prisiones y hospitales. También se ha prohibido en los vestuarios de los colegios, ya que sus efectos se han utilizado para alterar los niveles de energía de los equipos deportivos visitantes.

Sin embargo, las pruebas científicas que respaldan la eficacia del rosa de Baker-Miller como calmante son dispares y se necesita más investigación para comprender plenamente sus efectos.

Ideas modernas sobre cómo nos afecta el color

Los estudios modernos siguieron la misma trayectoria que los anteriores. Los principales temas que se debaten hoy en día en este campo son los efectos del color en el cuerpo, la correlación entre colores y emociones, y el comportamiento y las preferencias cromáticas.

Los investigadores disponen de muchas más herramientas y las directrices son más estrictas para garantizar que los estudios superan el escrutinio científico.

Aunque los estudios sobre las preferencias cromáticas son menos rigurosos desde el punto de vista científico, muchos estudios sobre los efectos fisiológicos de los colores incluyen variables como la medición de la frecuencia cardiaca, la presión arterial y la actividad cerebral para ver los efectos de las distintas longitudes de onda del color. Se ha demostrado sistemáticamente que los colores del espectro rojo tienen efectos estimulantes, mientras que el espectro azul es calmante.

Si nos fijamos en la popularidad de los colores, no es de extrañar que los más populares sean los más brillantes y saturados. Los colores oscuros tienden a estar por debajo, y los menos favoritos son el marrón, el negro y el verde amarillento.

Las respuestas conductuales a los colores son un área de estudio complicada de manejar. Uno de los métodos utilizados por los investigadores consiste en utilizar una lista de adjetivos con la que los sujetos de la prueba deben elegir una de las dos palabras opuestas que, en su opinión, mejor describen un color. Las respuestas medias dan una idea general de las actitudes hacia los distintos colores.

Otros estudios, más complejos, se realizan para ver cómo influyen los distintos colores en las personas a la hora de tomar decisiones. Uno de los estudios giraba en torno a las diferencias en el comportamiento de los comerciantes cuando cambiaba el color de fondo. Una de las tiendas tenía las paredes rojas, mientras que las de la otra eran azules.

Este estudio publicado en el Journal of Consumer Research demostró que los clientes estaban más dispuestos a comprar artículos en una tienda con paredes azules. En la tienda con paredes rojas, los clientes que hojeaban y buscaban menos tenían más probabilidades de aplazar una compra y de comprar menos artículos porque el ambiente era más agobiante y tenso.

Aunque estos estudios muestran reacciones específicas en entornos controlados, nos ayudan a comprender que las distintas respuestas a los colores dependen del entorno y la cultura.

Cómo nos influyen los distintos colores

El rojo es un color fascinante por los efectos que provoca. El impacto del rojo en el rendimiento de las personas varía mucho según la situación.

Un estudio publicado en el Journal of Experimental Psychology analizó la influencia del color en un entorno más académico, dando a algunos participantes números de participación negros, verdes o rojos. De media, los "desafortunados" que recibieron los números rojos obtuvieron un 20% menos de rendimiento en sus pruebas.

En completa yuxtaposición, el rojo puede ser una baza en un escenario atlético. Durante los Juegos Olímpicos de 2004 se realizó un estudio sobre los uniformes utilizados en cuatro tipos diferentes de artes marciales. Los participantes recibieron uniformes rojos o azules. De las 29 categorías de peso, 19 fueron ganadas por participantes vestidos de rojo. Esta tendencia también se refleja en otros deportes, como el fútbol.

Los investigadores siguen tratando de entender a qué se debe esta ventaja. Algunas teorías sugieren que la asociación histórica del rojo con la guerra, la agresividad y la pasión podría influir en los jugadores para ser audaces con sus acciones.

Otra teoría es que el color podría intimidar a la oposición. Aunque la mecánica de este fenómeno aún se está determinando, lo que es seguro es que produce resultados impactantes.

Puede que no nos demos cuenta, pero el color nos lleva a emitir juicios. Estos juicios se manifiestan especialmente en el ámbito de la moda. Una investigación de Leatrice Eiseman mostró patrones significativos en los prejuicios que puede crear el color.

Cuando se buscan colores que causen una impresión positiva en el lugar de trabajo, las respuestas son verde, azul, marrón y negro. El color verde produce una sensación de frescura, energía y armonía.

El color azul está relacionado con el intelecto y la estabilidad, lo que genera más confianza en el lugar de trabajo. Tanto el azul como el negro transmiten autoridad, y el negro tiene la ventaja añadida de irradiar elegancia.

Por el contrario, los peores colores para vestir en el trabajo son el amarillo, el gris y el rojo. El rojo se considera un color agresivo y se relaciona con una mayor frecuencia cardiaca. El color puede desprender un efecto antagonista. El gris se considera poco asertivo y falto de energía.

En el otro extremo del espectro, el color amarillo puede ser alegre, pero demasiado energético para un entorno de trabajo.

En un sentido más general, el color que ha demostrado estimular la concentración y la productividad es el verde. Colorear su escritorio de trabajo con un tono verde puede ayudar a reducir la tensión ocular y crear una zona de trabajo más cómoda. Del mismo modo, el verde y el azul son buenos candidatos para las paredes de su oficina, ya que reducen la ansiedad en un entorno de presión.

Incluso las redes sociales se rigen por el color

El ser humano siempre se ha sentido atraído por los colores más saturados, algo que queda patente al observar el fenómeno de los filtros fotográficos, especialmente en aplicaciones como Instagram y TikTok.

Aunque esto ya es un dato interesante, también demuestra que las interacciones están predispuestas hacia las fotos que utilizan la calidez, la exposición y el contraste.

Si tenemos en cuenta los efectos que tienen estas modificaciones, los colores más cálidos crean una sensación más brillante y viva que parece más atractiva para que los espectadores interactúen con ella. Además, deja una impresión más duradera en el público.

La exposición es otra forma de dar más vitalidad a una foto. Editar el balance de luz de las imágenes puede ayudar a resaltar los colores apagados y oscuros. Este efecto requiere un toque fino, ya que la sobreexposición puede desteñir los colores y la subexposición puede oscurecer la imagen.

Partiendo de la exposición, el contraste en una foto también es esencial. La función de estos filtros es hacer más nítidas las zonas oscuras y las claras. Las imágenes con más contraste nos atraen más, ya que son más interesantes visualmente.

El juego de luces y la audacia de los colores contribuyen a dar sentido al mundo de maneras que ni siquiera nos imaginamos. Tendemos a sentirnos atraídos por determinados elementos de color del mundo que nos rodea. Comprender estos elementos puede ayudarnos a dar más sentido al mundo que nos rodea.

Saber qué tema de ordenador o color de oficina podría aumentar tu productividad y protegerte del estrés excesivo en un entorno de trabajo acelerado podría ser una gran ventaja.

Y en un mundo en el que el compromiso alimenta el algoritmo de las redes sociales, alterar el equilibrio de colores de las publicaciones puede hacer que llamen más la atención e incitar a los espectadores a detenerse, mirarlas e interactuar con ellas.

Sin embargo, el campo más importante en el que se utilizan los colores sigue siendo el del arte. El arte y el marketing utilizan a diario los efectos que el color puede evocar. Ambos campos dependen de la respuesta del espectador para crear interacción y, a su vez, valor de mercado.

Cómo utilizan los artistas y diseñadores la psicología del color

Aunque el color ha sido una fuerza en las culturas desde que empezamos a crear pictogramas, algunos colores siempre han estado más disponibles que otros. Cuanto más antigua era la imaginería, menos variedad de colores se utilizaba.

Al principio, el azul era un pigmento muy difícil de obtener. La principal forma que tenían las civilizaciones antiguas de fabricarlo era moliendo lapislázuli, un recurso raro y caro. Se dice incluso que Cleopatra utilizaba esta piedra molida como sombra de ojos azul.

En Egipto se creó el primer pigmento sintético: el azul egipcio. Este pigmento se inventó hacia el año 3500 a.C. y se utilizaba para colorear cerámica y crear un pigmento con el que pintar. Utilizaban cobre molido y arena y luego lo cocían a una temperatura extremadamente alta para obtener un azul intenso.

El azul egipcio se utilizaba a menudo como color de fondo en las obras de arte de los periodos egipcio, griego y romano. Con la caída del Imperio Romano, la receta de este pigmento cayó en el olvido, lo que hizo que el azul se convirtiera en uno de los colores más raros para pintar.

La rareza del azul hacía que cualquier obra de arte creada antes del siglo XX con pigmento azul en la pintura fuera obra de un artista de gran prestigio o un encargo de un mecenas adinerado.

Nuestra asociación con el color púrpura y la realeza también se produjo por la dificultad de obtener el pigmento. La única fuente de púrpura procedía de un tipo de caracol que había que procesar extrayendo una mucosidad específica y exponiéndola al sol durante periodos controlados.

La enorme cantidad de caracoles necesarios para fabricar el tinte púrpura hizo que este pigmento sólo estuviera disponible para la realeza. Esta exclusividad creó un sesgo permanente en nuestra visión de este color, incluso hoy en día.

Durante una expedición fortuita del ejército británico a África en la década de 1850, un científico hizo un descubrimiento revolucionario para fabricar tinte púrpura.

William Henry Perkin intentaba sintetizar una sustancia llamada quinina; sus esfuerzos, por desgracia, resultaron infructuosos. Pero al intentar limpiarla con alcohol, Perkin descubrió que el limo marrón se convertía en una mancha púrpura muy pigmentada. Bautizó este tinte como "malva".

Perkin también vio la oportunidad de negocio que esto podía suponer y patentó su invento, abriendo una tienda de tintes y continuando sus experimentos con tintes sintéticos. Esta incursión en los tintes sintéticos puso colores como el morado al alcance de las masas.

La invención de tintes y pigmentos sintéticos supuso un punto de inflexión en el arte. Estos avances proporcionaron a los artistas una mayor variedad de colores con los que experimentar y les permitieron captar con mayor precisión el espíritu de cada periodo histórico.

Hoy en día, los historiadores del arte suelen analizar las obras fijándose en las técnicas y los colores utilizados. Los tipos de pigmentos utilizados pueden ayudar a datar una obra y a comprender lo que los artistas intentaban comunicar con su trabajo. La psicología del color es fundamental para analizar la historia del arte.

Viejos maestros Contraste y claroscuro

Del siglo XIV al XVII, ciertos colores seguían estando limitados debido a los pigmentos disponibles. El principal movimiento artístico registrado durante esta época se conoce a grandes rasgos como Renacimiento. Incluía el Renacimiento italiano, el Renacimiento septentrional (con el Siglo de Oro holandés), el Manierismo y los primeros movimientos barroco y rococó.

Estos movimientos se produjeron cuando los pintores trabajaban a menudo con luz limitada, lo que daba lugar a obras de arte con grandes contrastes en las imágenes. El término utilizado para esto era claroscuro (Dos de los artistas que utilizaron esta técnica son Rembrandt y Caravaggio.

El contraste entre los colores atrae al espectador, y los colores más cálidos crean una sensación de intimidad y pasión que a menudo se refleja en el tema.

La lección de anatomía del Dr. Nicolaes Tulp (1632), Rembrandt van Rijn. Fuente de la imagen: Wikimedia Commons

Romanticismo y una vuelta a los tonos naturales

Tras el Renacimiento, el mundo intentó contrarrestar la actitud empírica de la época recurriendo en exceso a la vertiente emocional. El principal movimiento que siguió fue el Romanticismo.

Este periodo se centró en el poder de la naturaleza y las emociones y estuvo dominado por artistas como JMW Turner, Eugène Delacroix y Théodore Gericault.

Los artistas del Romanticismo crearon imágenes amplias y dramáticas que utilizaban una mayor variedad de colores. Fue el mismo periodo en el que Johann Wolfgang von Goethe investigó la conexión entre los colores y las emociones.

El arte romántico jugaba con la forma en que los colores evocan emociones en el espectador. Estos artistas utilizaban los contrastes, la psicología del color y colores específicos para jugar con la percepción que el espectador tenía de la escena. Los colores utilizados eran un homenaje a la conexión de la humanidad con la naturaleza, y solían reflejar elementos del arte medieval.

A menudo, una zona específica es el centro de atención de la obra y se convierte en el punto focal añadiendo una mancha de color brillante a una pintura más oscura o una zona oscura en una obra con tonos más claros. Los valores tonales utilizados en este movimiento solían ser más terrenales y evocaban la naturaleza.

Vagabundo sobre el mar de niebla (1818), Caspar David Friedrich. Fuente de la imagen: Wikimedia Commons

Impresionismo y Pasteles

Con el descubrimiento de los colores sintéticos que se podían comprar, los artistas empezaron a explorar más las posibilidades de las combinaciones de colores.

El Impresionismo fue el siguiente paso para alejarse de la rígida lógica del Renacimiento, basándose en el Romanticismo e infundiendo a su arte más sentimiento. El carácter soñador de estas obras de arte puede atribuirse al uso de colores más claros, a veces casi pastel, aplicados con pinceladas visibles.

Con la ampliación de la paleta y la portabilidad añadida de la pintura en tubos que comenzó en esta época, los artistas empezaron a salir a la naturaleza para pintar - un movimiento llamado pintura al aire libre Los nuevos colores les permitieron captar escenas de la naturaleza con distintas luces y en distintas estaciones, pintando a veces varias versiones del mismo paisaje con distintas paletas de colores.

Pajares (atardecer) (1890-1891), Claude Monet Fuente de la imagen: Wikimedia Commons

Expresionismo, Fauvismo, y Colores Complementarios

El periodo comprendido entre 1904 y 1920 supuso un enfoque totalmente nuevo del arte. Los artistas abandonaron los colores naturales y las imágenes suaves y naturales de los impresionistas y adoptaron todos los elementos atrevidos. Los colores empezaron a acercarse a lo antinatural y la aplicación de la pintura se realizaba mediante capas gruesas y pinceladas amplias, lo que dio lugar al periodo conocido como Expresionismo.

En el periodo expresionista, el color se utilizó para abordar temas llenos de emoción, especialmente sentimientos de horror y miedo, e incluso algunos temas más alegres. Uno de los artistas más conocidos de este movimiento es Edvard Munch. Este periodo artístico se centra en las emociones en lugar de reproducir objetivamente la realidad.

Una subcategoría del movimiento fue la del fauvismo. Este nombre se originó como un comentario negativo debido a la naturaleza "inacabada" del arte y se tradujo como "bestias salvajes". Los artistas de este movimiento, como Henry Matisse, a menudo utilizaban los efectos de los colores complementarios y usaban versiones muy saturadas para aumentar el impacto. Utilizaban las connotaciones emocionales de los colores para llamar a laemociones relevantes en el espectador.

Uno de los pioneros del movimiento expresionista fue Pablo Picasso. Aunque es más conocido por el cubismo y la naturaleza abstracta de su obra, Picasso tuvo varios periodos estilísticos diferentes. Uno de estos periodos es su Periodo Azul, entre 1901 y 1904.

Las pinturas de este periodo se componen principalmente de una gama cromática monocromática azul. El uso de los colores azul y verde comenzó tras la muerte de un amigo, lo que influyó en los colores, la temática melancólica y las tonalidades más oscuras que utilizó en su obra. Picasso quería transmitir los sentimientos de desesperanza de los marginados sociales en los que se centró su obra durante este periodo.

La importancia del color en Expresionismo abstracto

El campo del Expresionismo Abstracto se basó en el de los expresionistas, pero utilizó sus colores de formas que rompían por completo con las limitaciones del realismo.

La primera división del movimiento fue la de los pintores de acción, como Jackson Pollock y Willem de Kooning, que se basaron en salvajes pinceladas de color para crear obras de arte improvisadas.

Jackson Pollock es increíblemente conocido por sus obras realizadas con manchas de pintura que goteaban del bote o arrastrando un pincel sobrecargado de pintura por el lienzo.

Jackson Pollock - Número 1A (1948)

En oposición a los gestos salvajes de los pintores de acción, durante el Expresionismo Abstracto surgieron artistas como Mark Rothko, Barnett Newman y Clyfford Still.

Estos artistas utilizaron paletas de colores específicas para ayudar a crear la sensación que deseaban en sus espectadores. Todos los artistas mencionados entran en la categoría de pintura de campos de color, en la que el arte consiste en grandes áreas o bloques de un solo color.

Aunque a menudo se utilizan temas monocromáticos y degradados, otra forma de elegir los colores es utilizar la rueda cromática y observar qué colores forman una tríada o una armonía cromática cuadrada. Las armonías cromáticas ayudan a crear un buen equilibrio entre los colores, pero normalmente se elige un color dominante para que prevalezca en la composición en función de la sensación general de la obra.

Los colores complementarios también se utilizan a menudo para crear fuertes contrastes en el arte, ya que se encuentran en los lados opuestos de la rueda cromática, por lo que suelen emplearse para reproducir dos energías distintas en una misma imagen.

No siempre se utilizan las formas puras de estos colores contrastados. Las variedades sutiles en las tonalidades pueden crear profundidad y añadir carácter a lo que, de otro modo, podría resultar en imágenes muy duras.

Mark Rothko y Anish Kapoor son dos ejemplos fascinantes de artistas que utilizan los colores en el arte abstracto para desafiar al espectador.

Rothko utilizaba el color, sobre todo el rojo, para hacer que el espectador pensara en sí mismo. Sus cuadros son excepcionalmente grandes, de más de 2,4 x 3,6 metros (aproximadamente 8 x 12 pies). El tamaño obliga al espectador a asimilar y experimentar el efecto de los colores de una forma muy íntima.

En el mundo actual, este tipo de arte sigue vigente. Anish Kapoor lleva hoy la teoría del color a un nuevo nivel. En 2014, Surrey NanoSystems creó un nuevo producto, la antítesis del color: un color que casi no refleja la luz (absorbe el 99,965% de la luz visible) y que se conoce como Vantablack.

Kapoor ha comprado los derechos de autor del color, y aunque éste suele utilizarse para evocar sentimientos más fuertes, el Vantablack crea una sensación de vacío y silencio.

Anish Kapoor ha creado arte con este color, llamándolo Pabellón del Vacío V (2018).

Pop Art's Colores primarios

Alrededor de la década de 1950 surgió en Gran Bretaña y Estados Unidos el nuevo movimiento artístico Pop, que capitalizó el estilo de ilustración de los cómics y la cultura popular, que no encajaba con los valores artísticos tradicionales. El estilo gráfico y la temática vanguardista, que mostraba una imaginería más secular y atraía a un público mucho más joven, fueron duramente criticados por los académicos.

La paleta de colores popular en esta época eran los colores primarios, que se utilizaban para crear bloques planos de color sin degradados.

A principios del siglo XX, los artistas se sirvieron del arte para comentar la sociedad moderna de posguerra. Utilizaron la imaginería de objetos mundanos en colores absurdistas para transmitir el mensaje de ruptura con los valores tradicionales y el conformismo. Dos de los artistas más conocidos de este periodo son Roy Lichtenstein y Andy Warhol.

Del Pop Art al Op Art

En la década de 1960 surgió un nuevo movimiento artístico que se inspiró en el movimiento expresionista abstracto pero creó su propio estilo. Este movimiento se denominó Op Art y se centraba en crear obras abstractas basadas en patrones y colores posteriores que estimularan la vista.

El Op Art comenzó con diseños en blanco y negro destinados a engañar al ojo mediante patrones de primer plano y fondo que creaban confusión óptica. Sólo más tarde los artistas de este movimiento empezaron a utilizar el color para crear aún más ilusiones ópticas.

Uno de los primeros ejemplos de este movimiento data de 1938, cuando Victor Vasarely ( Las cebras ), pero no fue hasta la década de 1960 cuando el Op Art se convirtió en un fenómeno.

Entre los artistas más conocidos de este periodo se encuentran Richard Anuskiewicz, Victor Vasarely, Bridget Riley y François Morellet. Cada uno de estos artistas abordó los elementos ópticos de diferentes maneras. Un ejemplo es el uso de colores opuestos para confundir al ojo del espectador, como se ve a continuación en la obra del pionero del Op Art Richard Anuskiewicz.

En el Arte digital Mundo

Hoy en día, la mayor parte del arte que vemos a nuestro alrededor consiste en diseños digitales. Pero aunque podamos pensar que se trata de un desarrollo relativamente nuevo, el arte digital comenzó en la década de 1960.

El primer programa de dibujo digital basado en vectores fue desarrollado por el doctorando del MIT Ivan Sutherland en 1963. Aunque sólo podía dibujar líneas en blanco y negro, fue el pionero de todos los programas de diseño que utilizamos hoy en día.

Durante la década de 1980, la producción informática empezó a incorporar pantallas en color para los hogares, lo que abrió las posibilidades para que los artistas empezaran a experimentar con el color en programas de dibujo más nuevos e intuitivos. Las imágenes generadas por ordenador (CGI) se utilizaron por primera vez en la industria cinematográfica, siendo un ejemplo notable de ello el largometraje Tron (1982).

La década de los 90 vio el nacimiento de Photoshop, que se inspiró en gran medida en Mac Paint. También asistimos a la consolidación de Microsoft Paint, CorelDRAW y otros programas que aún se utilizan hoy en día.

La evolución del arte digital ha abierto las posibilidades de lo que podemos crear. El arte digital se utiliza en muchas industrias que aprovechan al máximo la versatilidad del medio.

El arte y el uso del color en las instalaciones modernas se han convertido en una experiencia inmersiva. Mientras que la realidad aumentada y la realidad virtual se han ido infiltrando en la industria del juego, utilizando diferentes paletas de colores para ambientar distintos escenarios, también se ha popularizado otro tipo de experiencia: las exposiciones interactivas.

Sketch Aquarium es un ejemplo de arte interactivo en el que se anima a los niños a dibujar sus propios animales de acuario, que luego se escanean y digitalizan para unirse a otras creaciones en un tanque virtual. La experiencia es una actividad tranquila, ya que el azul del acuario virtual les rodea sin dejar de estimular su curiosidad y creatividad.

El mayor edificio de arte interactivo del mundo es el Mori Building Digital Art Museum, desarrollado por teamLab Borderless. Alberga cinco grandes espacios con pantallas digitales creadas para evocar diferentes emociones en el público, según se trate de las coloridas pantallas de flores, las apacibles pantallas de cascadas de tonos fríos o incluso las mágicas linternas flotantes que cambian de color.

El arte digital actual está libre de las limitaciones formales del arte tradicional. Incluso cuando imita los métodos del arte tradicional, las herramientas pueden manipularse de formas que el arte físico no puede.

Los colores pueden crearse y modificarse para adaptarse a la atmósfera que el artista desea crear. Una excelente exploración de esto es la forma en que Pixar utiliza el color en sus películas. Aunque la psicología del color se representa claramente en Del revés (2015), otro ejemplo es la saturación de los colores y las diferentes paletas que eligieron para varias escenas de la película Arriba (2009).

El papel del color en Diseño

El diseño se nutre de muchas de las mismas fuentes que el arte: el uso del color para transmitir los distintos valores e identidades de marca de cada empresa. Algunas de las marcas más reconocidas hoy en día toman las connotaciones cromáticas inherentes a las personas y las utilizan para atraer a los clientes hacia sus productos.

El azul se considera un color tranquilizador y digno de confianza. Estas connotaciones han llevado a muchos sectores de la sanidad, la tecnología y las finanzas a utilizar el azul para ganarse la confianza de los clientes. No es de extrañar que el azul sea uno de los colores más utilizados en los logotipos.

El efecto naturalmente estimulante del rojo hace que sea un color muy utilizado en la industria alimentaria. Pensemos en empresas como Coca-Cola, Red Bull, KFC, Burger King y McDonald's (aunque también utilizan el optimismo del amarillo para potenciar su imagen de marketing).

El rojo también se considera un color que promete entretenimiento y estimulación. Las marcas con logotipos rojos que solemos utilizar para entretenernos son Youtube, Pinterest y Netflix.

Imagina tu marca favorita con diferentes colores. Fuente de la imagen: Sign 11

El verde en la industria del marketing se utiliza para enviar un mensaje de ecologismo, caridad y dinero, y se asocia con el bienestar en general. Confiamos en que las imágenes verdes de la señal de reciclaje y Animal Planet sean benévolas. Y empresas como Starbucks, Spotify y Xbox son conocidas por ayudarnos a relajarnos.

La simplicidad pura del negro es uno de los colores más accesibles utilizados en diseño. Crea la impresión de elegancia atemporal que prefieren algunas marcas de primera calidad. Los logotipos negros no se limitan a ningún sector.

Marcas de moda de lujo como Chanel, Prada y Gucci prefieren la discreción del negro, pero este color también representa a marcas deportivas como Adidas, Nike, Puma y la empresa de juegos deportivos EA Games, dando la impresión de ser de gama alta.

Hay muchos otros colores utilizados en los logotipos, cada uno de los cuales apoya el programa de marketing que hay detrás. Mientras que los colores naranjas de Amazon y FedEx se prestan a la libertad y la emoción de un nuevo paquete, los marrones utilizados en M&M's y Nespresso muestran su calidez y naturaleza terrenal.

En lo que respecta al diseño de la interfaz de usuario y la experiencia de usuario (UI/UX), el color afecta al modo en que el usuario ve las pantallas de la aplicación y las páginas web de su producto e interactúa con ellas.

Se ha demostrado repetidamente que la psicología del color influye en las respuestas de los consumidores a las llamadas a la acción (CTA). Pero, ¿cómo saben los diseñadores de UX y los profesionales del marketing cuáles de sus diseños impulsarán más conversiones de clientes? La respuesta está en las pruebas A/B.

Los equipos de diseño prueban distintas versiones de las mismas llamadas a la acción repartiéndolas entre los visitantes del sitio web. Los análisis de las reacciones de la audiencia a estos diseños les indican qué llamada a la acción utilizar.

En una prueba realizada por Hubspot, sabían que el verde y el rojo tenían cada uno sus connotaciones y tenían curiosidad por saber en qué color de botón harían clic los clientes. Razonaron que el verde era un color más positivamente visto, por lo que era el favorito.

En el diseño UI/UX, el rojo atrae la atención y crea una sensación de urgencia. Sin embargo, sólo porque esta prueba haya dado como resultado que el rojo es la mejor opción, no asumas que es un hecho universal. La percepción y las preferencias del color en marketing tienen innumerables factores que contribuyen a ello.

Asegúrese siempre de probar sus opciones de color con su propio público antes de cambiarlas. Puede que le sorprenda el resultado y aprenda más sobre sus clientes.

La vida en todos sus matices

El uso del color para fines específicos ha existido desde la antigüedad. Lo interesante es lo poco que han variado nuestros usos de colores específicos a lo largo de los siglos, incluso entre culturas que han desaparecido y se han reformado a lo largo de la historia.

De vez en cuando surgen discrepancias entre culturas. Un ejemplo es la idea occidental de que el blanco significa pureza y su uso en las bodas, mientras que en algunas culturas orientales, como China y las Coreas, se relaciona con la muerte, el luto y la mala suerte. Por eso es esencial conocer el significado que hay detrás de tus elecciones de color en el contexto y el mercado en que quieres utilizarlo.

La historia de la psicología del color es amplia. Lamentablemente, gran parte de la bibliografía sobre este tema sigue dividida. Son pocas las áreas de estudio que han demostrado resistir pruebas rigurosas. Las preferencias personales desempeñan un papel esencial en nuestras asociaciones y decisiones con los colores. Esperemos que algunos estudios recientes arrojen una luz más concluyente sobre este asunto.

Esto también estuvo ligado a todos los avances en la creación de pigmentos y colores que antes no estaban al alcance de las generaciones precedentes, lo que solidifica nuestras asociaciones con el color y las emociones que conectamos con ellas. La evolución natural del uso del color en el arte llevaría a su aplicación en el marketing y el diseño.

Eche un vistazo a su alrededor. Fíjese en los artículos que ha elegido para llenar su vida. ¿Cuántos de estos artículos se crearon en tonos que les ayudan a atraer a sus mercados? Aunque no siempre nos fijamos activamente en los colores que nos rodean y que los equipos de marketing han elegido meticulosamente, sí tomamos nota a nivel subconsciente.

Estos colores influyen en nuestra vida cotidiana, en algunos casos de forma limitada (qué marca de café comprar) y en otros de forma más intensa (el color de las paredes de la oficina influye en nuestro estado de ánimo).

Ahora que ya sabes cómo prestar atención a la variedad de tonalidades que te rodean, puedes utilizarlas a tu favor. Prueba a usar Vectornator para ver qué colores encajan mejor con tus ilustraciones y diseños y cómo alterar una tonalidad aquí y allá podría crear una respuesta emocional totalmente distinta.

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