Psychologia koloru w sztuce i projektowaniu

Czy wiesz, że pszczoły nie widzą koloru czerwonego, ale mogą zobaczyć kilka fioletów, których ludzie nie widzą? Zjawisko to nazywane jest fioletem pszczół i jest związane z różnymi obszarami widma światła, które mogą zobaczyć w porównaniu z tym, co ludzie mogą zobaczyć. To sprawia, że zastanawiasz się, jakie inne kolory mogą być tam, że my, jako gatunek, brakuje na.

Czy kiedykolwiek patrzyłeś na dzieło sztuki wykonane w chłodnych kolorach i czułeś się spokojny? Lub widziałeś jedno wykonane w ciepłych kolorach i czułeś energię i pasję artysty zejść z strony? To uczucie, w istocie, jest psychologia kolorów.

Wiele naszych codziennych decyzji opieramy na kolorach, które lubimy i tych, które znajdujemy wokół nas. Pomyśl o radości, jakiej doświadczasz, znajdując ten strój w kolorze, który najbardziej Ci odpowiada. Porównaj to z tym, jak się czujesz, wchodząc do budynku o ciemnych ścianach i słabym oświetleniu. Wszystkie te drobne elementy wpływają na nasze codzienne życie, choć rzadko o nich myślimy.

Czym jest psychologia koloru?

Psychologia koloru to zjawisko, w którym kolor wpływa na ludzkie zachowanie, emocje i postrzeganie. Wszyscy mamy instynktowne powiązania między konkretnymi kolorami i uczuciami, które wywołują. Jednak te konotacje różnią się w zależności od kultury i osobistych doświadczeń.

Psychologia koloru obejmuje przede wszystkim teorię kolorów. To, jak kolory oddziałują na siebie, w dużej mierze wpływa na to, jak je postrzegamy. Istnieją różne relacje między kolorami, takie jak podstawowy, drugorzędny, trzeciorzędny i uzupełniający. To, jak te kolory są zestawione, może wpływać na to, jak są postrzegane i wpływać na widza.

Kolory były używane przez tysiąclecia do wywoływania określonych uczuć. Ludzie używali skojarzeń kolorów w starożytnych praktykach w Grecji, Egipcie i Chinach. Używali oni kolorów do tworzenia skojarzeń z bogami w swoich panteonach, szczególnie łącząc je z naturalnymi elementami, światłem i ciemnością, dobrem i złem.

Kolory były nawet używane do leczenia problemów zdrowotnych w starożytnym Egipcie i Chinach, ponieważ wierzono, że kolory pomagają stymulować określone obszary w ciele - jest to nadal używane dzisiaj w niektórych holistycznych zabiegach.

Kolory mają różne znaczenia i skojarzenia w kulturach całego świata. Często kojarzą się z określonymi wydarzeniami i rytuałami, a ich symbolika może się diametralnie różnić w zależności od kraju.

Kultury zachodnie często kojarzą biały z czystością, niewinnością i czystością, podczas gdy używają czarnego z władzą, wyrafinowaniem i tajemnicą. Czarny jest często postrzegany jako kolor żałobny noszony na pogrzebach.

Kultury Wschodu kojarzą biel ze śmiercią i żałobą, dlatego kolorem najczęściej noszonym na pogrzebach jest biel. Czerwień jest również istotnym kolorem w kulturach Wschodu, symbolizującym szczęście i powodzenie. Jest często używana na ślubach i innych uroczystościach.

Niektóre kultury rdzennych Amerykanów również silnie kojarzą kolory z ich rytuałami i ceremoniami. Często używają oni czerwieni, aby oznaczyć życiodajną moc słońca, podczas gdy zieleń jest postrzegana jako symbol wzrostu i odnowy.

Ogólnie rzecz biorąc, jasne jest, że kolor ma wiele znaczeń i skojarzeń dla ludzi na całym świecie i jest istotnym aspektem komunikacji i ekspresji kulturowej. Kluczowe jest rozważenie kontekstu kulturowego przy użyciu koloru w projektowaniu lub marketingu, ponieważ różne kolory mogą mieć różne konotacje w różnych kulturach.

Kolory od zawsze fascynowały ludzkość, ale dopiero stosunkowo niedawno zaczęliśmy rozumieć spektrum barw.

Najbardziej znaczącym skokiem naprzód był ten Sir Isaaca Newtona, kiedy zdał sobie sprawę, że światło wokół nas nie jest po prostu białe, ale kombinacja różnych długości fal. Ta teoria doprowadziła do stworzenia koła barw i jak różne kolory są przypisane do konkretnych długości fal.

Początek psychologii koloru

Chociaż rozwój teorii kolorów był czysto naukowy, inni nadal badali wpływ kolorów na ludzki umysł.

Pierwszym badaniem relacji między kolorem a umysłem jest dzieło Johanna Wolfganga von Goethego, niemieckiego artysty, i poety. W swojej książce z 1810 r, Teoria kolorów Pisze o tym, jak kolory wywołują emocje i jak różnią się one od odcieni poszczególnych barw. Środowisko naukowe nie zaakceptowało szeroko teorii zawartych w książce, ponieważ były to głównie opinie autora.

Rozszerzając pracę Goethego, neuropsycholog Kurt Goldstein użył bardziej naukowego podejścia, aby zobaczyć fizyczne efekty kolorów na widzu. Spojrzał na różne długości fal i jak dłuższe fale sprawiają, że czujemy się cieplejsi lub bardziej podekscytowani, podczas gdy krótsze fale sprawiają, że czujemy się zimni i zrelaksowani.

Goldstein przeprowadził również badania nad funkcjami motorycznymi u niektórych swoich pacjentów. Postawił hipotezę, że kolor może pomagać lub utrudniać sprawność. Wyniki pokazały, że kolor czerwony pogarszał drżenie i równowagę, podczas gdy kolor zielony poprawiał funkcje motoryczne. Chociaż badania te były naukowe, nie są powszechnie akceptowane, ponieważ inni naukowcy nie byli jeszcze w stanie powtórzyć wyników.

Innym liderem myśli w dziedzinie psychologii koloru był nie kto inny jak Carl Jung. Teoretyzował on, że kolory wyrażają specyficzne stany ludzkiej świadomości. Zainwestował w wykorzystanie koloru do celów terapeutycznych, a jego badania skupiły się na znalezieniu ukrytych kodów kolorów, aby odblokować podświadomość.

W teorii Junga, podzielił on ludzkie doświadczenia na cztery części i każdej z nich przypisał określony kolor.

• Red: Feeling

  Symbolizuje: krew, ogień, pasję i miłość

• Żółty: Intuicja

  Symbolizuje: świecenie i promieniowanie na zewnątrz

• Niebieski: Myślenie

  Symbolizuje: zimno jak śnieg

• Zielony: Sensation

  Symbolizuje: ziemię, postrzeganie rzeczywistości

Te teorie ukształtowały to, co dziś znamy jako psychologię koloru i pomogły opisać, jak doświadczamy kolorów.

Podczas gdy niektóre prace Goethego zostały potwierdzone, wiele badań pionierów musi jeszcze zostać zdyskredytowanych, ale bycie zdyskredytowanym nie oznacza, że ich prace nie miały wpływu - zmotywowały one kilku współczesnych naukowców do zagłębienia się w zagadkę, jaką jest psychologia kolorów.

Jak kolory wpływają na ludzi

Kiedy widzisz produkt, który jest zabarwiony na różowo, jaką płeć z nim kojarzysz? Czy kiedykolwiek zastanawiałeś się dlaczego? Jak na ironię, przypisanie koloru różowego dziewczynkom jest stosunkowo niedawnym zjawiskiem.

Różowy był początkowo postrzegany jako kolejna iteracja czerwieni, a zatem związany z chłopcami.Różowy był postrzegany jako bardziej wytrzymały niż niebieski ze względu na połączenie z czerwonym.W tym samym czasie niebieski był uważany za spokojny i delikatny kolor.

Dopiero po II wojnie światowej, gdy mundury częściej wykonywano z niebieskiej tkaniny, kolor ten zaczął być kojarzony z męskością. W Niemczech lat 30-tych kolor różowy przypisywano na ogół bardziej kobiecym cechom.

Innym ciekawym faktem na temat różu jest jego wpływ na ludzki mózg - jeden konkretny ton, zwłaszcza - Baker-Miller Pink. Znany również jako "pijany różowy zbiornik", różowy Baker-Miller jest szczególnym odcieniem różu, który uważa się, że ma uspokajający wpływ na ludzi. Po raz pierwszy został użyty w latach 70. przez dr Alexandra Schaussa, który twierdził, że ekspozycja na kolor przez dłuższy czas może zmniejszyć agresywne zachowanieoraz zwiększają uczucie spokoju i odprężenia.

Od tego czasu Baker-Miller Pink jest używany w różnych stresujących miejscach, w tym w więzieniach i szpitalach. Został również zakazany w szkolnych szatniach, ponieważ jego efekty zostały wykorzystane do zmiany poziomu energii odwiedzających drużyn sportowych.

Jednak dowody naukowe wspierające skuteczność różu Baker-Millera jako środka uspokajającego są mieszane i potrzeba więcej badań, aby w pełni zrozumieć jego działanie.

Nowoczesne pomysły na to, jak kolor wpływa na nas

Współczesne badania kontynuowały tę samą trajektorię, co wcześniejsze badania. Główne tematy poruszane w tej dziedzinie obecnie to wpływ koloru na ciało, korelacja między kolorami i emocjami oraz zachowanie i preferencje kolorystyczne.

Metody stosowane obecnie różnią się od dawnych badań. Badacze mają do dyspozycji znacznie więcej narzędzi, a wytyczne są bardziej rygorystyczne, aby zapewnić, że badania wytrzymają naukową kontrolę.

Podczas gdy studia na temat preferencji kolorów są mniej naukowo rygorystyczne, wiele badań na temat fizjologicznych efektów kolorów obejmuje zmienne, takie jak pomiar tętna, ciśnienia krwi i aktywności mózgu, aby zobaczyć efekty różnych długości fal kolorów. Konsekwentnie udowadniano, że czerwone kolory widma mają stymulujące efekty, podczas gdy niebieskie widmo jest uspokajające.

Gdy patrzymy na popularność kolorów, to nie przychodzi jako dużo zaskoczenie, że najbardziej popularne kolory, gdy ranking, są jaśniejsze i bardziej nasycone te. Ciemne kolory mają tendencję do rankingu niższe, z najmniej ulubionych są brązowy, czarny i żółtawy zielony.

Jedna z metod stosowanych przez badaczy polega na użyciu listy przymiotników, z którymi badani muszą wybrać jedno z dwóch przeciwstawnych słów, które ich zdaniem najlepiej opisują kolor. Średnie odpowiedzi dają ogólne pojęcie o postawach wobec różnych kolorów.

Niektóre inne, bardziej zaangażowane, badania są prowadzone, aby zobaczyć, jak różne kolory wpływają na ludzi w środowiskach decyzyjnych. Jedno badanie obracało się wokół różnic w zachowaniach detalicznych, gdy kolor tła się zmienił. Jeden ze sklepów miał czerwone ściany, podczas gdy inne ściany były niebieskie.

To badanie w Journal of Consumer Research wykazało, że klienci byli bardziej skłonni do zakupu przedmiotów w sklepie z niebieskimi ścianami. Sklep z czerwonymi ścianami wykazał, że klienci, którzy przeglądali i szukali mniej, byli bardziej skłonni do odroczenia zakupu i bardziej skłonni do zakupu mniejszej ilości przedmiotów ze względu na środowisko, które było bardziej przytłaczające i napięte.

Chociaż badania te pokazują specyficzne reakcje w kontrolowanych środowiskach, pomaga nam to zrozumieć, że różne reakcje na kolory zależą od środowiska i kultury.

Jak różne kolory wpływają na nas

Czerwony jest fascynującym kolorem, jeśli chodzi o efekty, jakie wywołuje. Wpływ czerwieni na działanie jednostek jest bardzo zróżnicowany w zależności od sytuacji.

Jedno z badań w Journal of Experimental Psychology przyjrzało się wpływowi koloru w bardziej akademickim otoczeniu, dając niektórym uczestnikom czarne, zielone lub czerwone numery uczestnictwa. Średnio, "pechowcy", którzy otrzymali czerwone numery, wypadli o 20% gorzej na swoich testach.

W całkowitym zestawieniu, czerwony może być atutem w sportowym otoczeniu. Badanie zostało przeprowadzone podczas Olimpiady w 2004 roku, patrząc na mundury noszone w czterech różnych rodzajach sztuk walki. Uczestnicy otrzymali albo czerwone albo niebieskie mundury. Z 29 kategorii wagowych, 19 zostało wygranych przez uczestników w kolorze czerwonym. Ten trend jest również odzwierciedlony w innych sportach, takich jak piłka nożna.

Naukowcy wciąż próbują zrozumieć, dlaczego istnieje ta przewaga. Niektóre teorie sugerują, że historyczne skojarzenie czerwieni z wojną, agresją i pasją może wpływać na graczy, aby byli odważni w swoich działaniach.

Inna teoria mówi o tym, że kolor ten może onieśmielać opozycję. Chociaż mechanika tego zjawiska jest wciąż ustalana, pewne jest to, że przynosi ono efekty.

Możemy nie zdawać sobie z tego sprawy, ale kolor prowadzi nas do dokonywania osądów. Te osądy są pokazywane szczególnie w obszarze mody. Badania Leatrice Eiseman wykazały znaczące wzory w uprzedzeniach, które kolor może tworzyć.

Kiedy szukamy kolorów, które zrobią pozytywne wrażenie w miejscu pracy, odpowiedzi to zielony, niebieski, brązowy i czarny. Kolor zielony prowadzi do poczucia świeżości, energii i harmonii.

To jest szczególnie dobre, gdy pracuje się przy biurku, co wymaga więcej witalności, aby przejść przez dzień. Kolor niebieski jest związany z intelektem i stabilnością. To prowadzi do większego zaufania w miejscu pracy. Zarówno niebieski, jak i czarny przekazują autorytet, przy czym kolor czarny ma dodatkową zaletę - emanuje elegancją.

Z kolei najgorsze kolory do noszenia do pracy to żółty, szary i czerwony. Czerwony jest postrzegany jako kolor agresywny i jest skorelowany z wyższym tętnem. Kolor ten może wywoływać efekt antagonistyczny. Szary jest postrzegany jako nieasertywny i pozbawiony energii.

Kolor ten może być lepiej sparowany z innym kolorem, aby przeciwdziałać jego efektom. Po drugiej stronie spektrum, kolor żółty może być szczęśliwy, jednak może być zbyt energiczny dla środowiska pracy.

W bardziej ogólnym sensie, kolorem stymulującym koncentrację i produktywność jest zieleń. Pokolorowanie pulpitu roboczego odcieniem zieleni może pomóc zmniejszyć obciążenie oczu i stworzyć bardziej komfortowe miejsce pracy. Podobnie, zieleń i błękit są dobrymi kandydatami na ściany biura, zmniejszając niepokój w środowisku, w którym panuje presja.

Nawet media społecznościowe kierują się kolorem

Ludzi od zawsze ciągnęło do bardziej nasyconych kolorów. Widać to, gdy spojrzymy na fenomen filtrów fotograficznych - zwłaszcza w aplikacjach takich jak Instagram czy TikTok.

Choć już to jest ciekawostką, to pokazuje również, że interakcje są predysponowane do zdjęć wykorzystujących ciepło, ekspozycję i kontrast.

Biorąc pod uwagę efekty, które te modyfikacje mają, cieplejsze kolory tworzą jaśniejsze i bardziej żywe uczucie, które wydaje się bardziej atrakcyjne dla widzów do interakcji z. To również pozostawia dłuższe wrażenie na publiczności.

Edycja balansu światła na zdjęciach może pomóc w wydobyciu matowych i ciemnych kolorów. Efekt ten wymaga delikatnego dotyku, ponieważ nadmierna ekspozycja może wypłukać kolory, a niedoświetlenie może przyciemnić obraz.

W oparciu o ekspozycję, kontrast na zdjęciu jest również istotny. Funkcja tych filtrów wyostrza ciemne i jasne obszary. Obrazy z większym kontrastem przemawiają do nas bardziej, ponieważ są bardziej interesujące wizualnie.

Gra świateł i śmiałość kolorów sprawiają, że nadajemy światu znaczenie w sposób, z którego nawet nie zdajemy sobie sprawy. Mamy tendencję do przyciągania określonych elementów koloru w otaczającym nas świecie. Zrozumienie tych elementów może pomóc nam nadać światu więcej sensu.

Wiedza o tym, jaki motyw komputera lub kolor biura mógłby zwiększyć twoją produktywność i osłonić cię przed nadmiernym stresem w szybko zmieniającym się środowisku pracy, może być dużym bonusem.

A w świecie, w którym zaangażowanie napędza algorytm dla twoich mediów społecznościowych, zmiana równowagi kolorów w twoich postach może sprawić, że będą one bardziej przyciągać uwagę i zachęcać widzów do zatrzymania się, spojrzenia i interakcji z nimi.

Ale patrząc na kolory, najbardziej znaczącą dziedziną wykorzystującą ich moc jest nadal sztuka. Sztuka i marketing codziennie wykorzystują efekty, które kolor może wyczarować. Obie te dziedziny polegają na reakcjach widza, aby stworzyć interakcję i, z kolei, wartość rynkową.

Jak artyści i projektanci wykorzystują psychologię koloru

Podczas gdy kolor był siłą w kulturach od kiedy zaczęliśmy tworzyć piktogramy, niektóre kolory były zawsze łatwiej dostępne niż inne. Im starsze wyobrażenie, tym mniejsza różnorodność kolorów była używana.

Niebieski był początkowo bardzo rzadkim pigmentem do uzyskania. Podstawowym sposobem, w jaki starożytne cywilizacje wytwarzały niebieski kolor, było mielenie lapis lazuli - rzadkiego i drogiego surowca. Mówi się nawet, że zmielony kamień był tym, czego Kleopatra używała jako niebieskiego cienia do powiek.

Rozwój w Egipcie doprowadził do stworzenia pierwszego syntetycznego pigmentu - błękitu egipskiego. Pigment ten został wynaleziony około 3500 lat p.n.e. i był wykorzystywany do barwienia ceramiki oraz tworzenia pigmentu do malowania. Używano do niego zmielonej miedzi i piasku, a następnie wypalano w bardzo wysokiej temperaturze, aby uzyskać żywy błękit.

Błękit egipski był często używany jako kolor tła w sztuce przez cały okres egipski, grecki i rzymski. Gdy Imperium Rzymskie upadło, przepis na ten pigment zniknął w zapomnieniu. Doprowadziło to do tego, że kolor niebieski stał się jednym z najrzadszych kolorów do malowania.

Rzadkość występowania koloru niebieskiego oznaczała, że każde dzieło sztuki powstałe przed XX wiekiem z niebieskim pigmentem w farbie było albo stworzone przez wysoko cenionego artystę, albo zamówione przez zamożnego mecenasa.

Nasze skojarzenie z kolorem purpurowym i królewskim nastąpiło również z powodu trudności w uzyskaniu pigmentu. Jedyne źródło purpury pochodziło z pewnego rodzaju ślimaka, który musiał być przetwarzany poprzez wyodrębnienie specyficznego śluzu i wystawienie go na słońce na kontrolowane okresy.

Sama ilość ślimaków potrzebnych do produkcji fioletowego barwnika sprawiła, że pigment ten był dostępny tylko dla rodziny królewskiej. Ta ekskluzywność stworzyła trwałe uprzedzenie w naszym postrzeganiu tego koloru, nawet do dziś.

Podczas fortunnej wyprawy wojsk brytyjskich do Afryki w latach 50. XIX wieku pewien naukowiec dokonał przełomowego odkrycia, dzięki któremu można było uzyskać fioletowy barwnik.

William Henry Perkin próbował zsyntetyzować substancję o nazwie chinina; jego wysiłki, niestety, nie powiodły się. Ale podczas próby oczyszczenia za pomocą alkoholu, Perkin odkrył, że brązowy szlam zmienia się w bardzo pigmentowaną purpurową plamę. Nazwał ten barwnik "mauveine".

Perkin dostrzegł również możliwości biznesowe, jakie to mogło przynieść i opatentował swój wynalazek, otwierając farbiarnię i kontynuując eksperymenty z syntetycznymi barwnikami. Ten wypad w stronę syntetycznych barwników sprawił, że kolory takie jak purpura stały się dostępne dla mas.

Punktem zwrotnym w sztuce było wynalezienie syntetycznych barwników i pigmentów. Te postępy dały artystom szerszą gamę kolorów do eksperymentowania i pozwoliły im dokładniej uchwycić nastroje panujące w poszczególnych okresach historycznych.

Dziś historycy sztuki często analizują sztukę, patrząc na techniki i użyte kolory. Rodzaje użytych pigmentów mogą pomóc w datowaniu dzieła sztuki i zrozumieniu, co artyści próbowali przekazać za pomocą swoich prac. Psychologia kolorów jest podstawą analizy historii sztuki.

Starzy Mistrzowie Kontrast i światłocień

Od 14 do 17 wieku, niektóre kolory były nadal ograniczone ze względu na dostępne pigmenty.Głównym zarejestrowanym ruchem artystycznym w tym czasie jest szeroko znany jako renesans.Obejmował on włoski renesans, północny renesans (z holenderskim Złotym Wiekiem), manieryzm i wczesne ruchy barokowe i rokoko.

Te ruchy pojawiły się, gdy malarze często pracowali w ograniczonym świetle - co prowadziło do tego, że dzieła sztuki zawierały wysokie kontrasty w obrazach. Termin używany do tego to światłocień ("światło-ciemność").Dwaj artyści, którzy stosowali tę technikę to Rembrandt i Caravaggio.

Kontrast kolorów przyciąga widza, a cieplejsze barwy tworzą poczucie intymności i namiętności, często odzwierciedlane przez tematykę.

Lekcja anatomii doktora Nicolaesa Tulpa (1632), Rembrandt van Rijn. Źródło obrazu: Wikimedia Commons

Romantyzm i powrót do naturalnych tonów

Po renesansie świat próbował przeciwdziałać ówczesnej postawie empirycznej poprzez nadmierną korektę w stronę emocjonalną. Głównym ruchem, który nastąpił po nim był romantyzm.

Okres ten skupiał się na sile natury i emocji, a dominowali w nim tacy artyści jak JMW Turner, Eugène Delacroix i Théodore Gericault.

W tym samym okresie Johann Wolfgang von Goethe badał związek między kolorami a emocjami.

Sztuka romantyczna grała na tym, jak kolory wywołują emocje u widza. Artyści ci używali kontrastów, psychologii koloru i specyficznych kolorów, aby grać na postrzeganiu sceny przez widza. Użyte kolory były hołdem dla związku ludzkości z naturą, powszechnie odzwierciedlając elementy sztuki średniowiecznej.

Często jeden konkretny obszar jest głównym punktem dzieła sztuki i jest albo uczyniony punktem centralnym poprzez dodanie plamy jasnego koloru do ciemniejszego obrazu lub ciemnego obszaru w dziele sztuki z jaśniejszymi tonami. Wartości tonalne używane w tym ruchu były ogólnie bardziej przyziemne i przypominające naturę.

Wędrowiec nad morzem mgieł (1818), Caspar David Friedrich.Źródło obrazu: Wikimedia Commons

Impresjonizm i pastele

Wraz z odkryciem syntetycznych kolorów dostępnych do kupienia, artyści zaczęli bardziej badać możliwości kombinacji kolorów.

Impresjonizm był kolejnym krokiem w kierunku odejścia od sztywnej logiki renesansu, bazując na romantyzmie i nadając sztuce więcej uczucia. Senny charakter tych dzieł można przypisać użyciu jaśniejszych, czasem niemal pastelowych, kolorów nakładanych widocznymi pociągnięciami pędzla.

Wraz z rozszerzoną paletą i dodatkową przenośnością farb w tubach, która rozpoczęła się w tej epoce, artyści zaczęli wychodzić na łono natury, aby malować - ruch zwany malarstwem en plein air Nowe kolory pozwoliły im uchwycić sceny przyrody w różnych światłach i porach roku, czasami malując kilka wersji tego samego krajobrazu w różnych paletach barw.

Stogi siana (zachód słońca) (1890-1891), Claude Monet.Źródło obrazu: Wikimedia Commons

Ekspresjonizm, fowizm, i kolory uzupełniające

Okres między 1904 a 1920 rokiem przyniósł zupełnie nowe podejście do sztuki. Artyści porzucili naturalną kolorystykę i miękkie, naturalne obrazy impresjonistów i przyjęli wszystkie odważne elementy. Kolory zaczęły zmierzać w kierunku nienaturalnym, a farba była nakładana grubymi warstwami i szerokimi pociągnięciami. To zapoczątkowało okres znany jako ekspresjonizm.

W okresie ekspresjonizmu kolor był wykorzystywany do poruszania tematów pełnych emocji, zwłaszcza uczuć grozy i strachu - a nawet niektórych weselszych tematów. Jednym z najbardziej znanych artystów tego ruchu jest Edvard Munch. Ten okres sztuki koncentruje się na emocjach, zamiast obiektywnie odtwarzać rzeczywistość.

Podkategorią tego ruchu był fowizm. Nazwa ta powstała jako negatywny komentarz z powodu "niedokończonej" natury sztuki i tłumaczyła się na "dzikie bestie". Artyści tego ruchu, tacy jak Henry Matisse, często wykorzystywali efekty kolorów uzupełniających i używali wysoce nasyconych wersji, aby zwiększyć wpływ. Używali emocjonalnych konotacji kolorów, aby wywołaćodpowiednie emocje u widza.

Jednym z pionierów ruchu ekspresjonistycznego był Pablo Picasso. Choć jest on najbardziej znany z kubizmu i abstrakcyjnej natury swoich prac, Picasso miał kilka różnych okresów stylistycznych. Jednym z tych okresów jest jego okres błękitny w latach 1901-1904.

Obrazy z tego okresu składały się głównie z niebieskiego monochromatycznego schematu kolorów. Jego użycie niebieskich i zielonych kolorów zaczęło się po śmierci przyjaciela, wpływając na kolory, melancholijną tematykę i ciemniejsze odcienie, których używał w swoich pracach. Picasso chciał przekazać uczucia beznadziei społecznych outsiderów, na których skupiał się w swoich pracach w tym okresie.

Znaczenie koloru w Ekspresjonizm abstrakcyjny

Pole ekspresjonizmu abstrakcyjnego opierało się na polu ekspresjonistów, ale używało ich kolorów w sposób, który całkowicie zrywał z ograniczeniami realizmu.

Pierwszym odłamem ruchu byli malarze akcji, tacy jak Jackson Pollock i Willem de Kooning, którzy polegali na dzikich pociągnięciach koloru, tworząc improwizowane dzieła sztuki.

Jackson Pollock jest niesamowicie znany ze swoich dzieł, które powstawały przy użyciu plamek farby, które kapały z puszki lub wleczenia pędzla przeładowanego farbą po płótnie.

Jackson Pollock - Numer 1A (1948)

W opozycji do dzikich gestów malarzy akcji, w okresie ekspresji abstrakcyjnej pojawili się również tacy artyści jak Mark Rothko, Barnett Newman czy Clyfford Still.

Artyści ci używali specyficznych palet kolorów, aby pomóc stworzyć uczucie, które chcieli w swoich widzach. Wymienieni artyści należą do kategorii color field painting, gdzie sztuka składa się z dużych obszarów lub bloków pojedynczych kolorów.

Podczas gdy monochromatyczne tematy i gradienty są często używane, inny sposób wybierać kolory jest przy użyciu koła kolorów i patrząc na to, które kolory tworzą triadę lub kwadratową harmonię kolorów. Harmonie kolorów pomagają stworzyć dobrą równowagę między kolorami, ale jeden dominujący kolor jest zwykle wybrany, aby być dominującym w kompozycji na podstawie ogólnego uczucia pracy.

Kolory dopełniające są również często używane do tworzenia ostrych kontrastów w sztuce. Ponieważ te kolory są po przeciwnych stronach koła barw, są często używane do odgrywania dwóch różnych energii w jednym obrazie.

Czyste formy tych kontrastowych kolorów nie zawsze są tymi, które są używane. Subtelne odmiany w odcieniach mogą tworzyć głębię i dodawać charakteru do tego, co w przeciwnym razie mogłoby skutkować bardzo surowym obrazem.

Mark Rothko i Anish Kapoor to dwa fascynujące przykłady artystów używających kolorów w sztuce abstrakcyjnej, aby rzucić wyzwanie widzowi.

Rothko używał koloru, zwłaszcza czerwonego, aby skierować myśli widza do wewnątrz. Jego obrazy są wyjątkowo duże, sięgają 2,4 x 3,6 metra (około 8 x 12 stóp). Rozmiar ten zmusza widza do przyjęcia i doświadczenia efektu kolorów w bardzo intymny sposób.

W dzisiejszym świecie ten rodzaj sztuki nadal trwa. Anish Kapoor przenosi dziś teorię koloru na nowy poziom. W 2014 roku firma Surrey NanoSystems stworzyła nowy produkt - antytezę koloru: Kolor, który nie odbija prawie żadnego światła (pochłania 99,965% światła widzialnego) i jest znany jako Vantablack.

Kapoor kupił prawa autorskie do koloru i podczas gdy kolor jest zwykle używany do wyczarowania silniejszych uczuć, Vantablack tworzy poczucie pustki i ciszy.

Anish Kapoor stworzył sztukę z tym kolorem, nazywając go Pawilon Pustki V (2018).

Pop Art's Kolory podstawowe

W latach 50. w Wielkiej Brytanii i Ameryce pojawił się nowy ruch Pop art. Ruch ten wykorzystał styl ilustracji komiksów i kultury popularnej, który nie pasował do tradycyjnych wartości sztuki. Styl graficzny i awangardowa tematyka, która pokazywała bardziej świeckie obrazy i przemawiała do znacznie młodszej publiczności, były ostro krytykowane przez naukowców.

Paleta kolorów, która była popularna w tym okresie to kolory podstawowe. Kolory te były używane do tworzenia płaskich bloków kolorów bez żadnych gradientów.

Na początku XX wieku artyści wykorzystywali sztukę do komentowania współczesnego powojennego społeczeństwa. Używali wyobrażeń prozaicznych przedmiotów w absurdalnych kolorach, aby przekazać przesłanie o zerwaniu z tradycyjnymi wartościami i konformizmem. Dwaj najbardziej znani artyści tego okresu to Roy Lichtenstein i Andy Warhol.

Od Pop Artu do Op Artu

W latach 60. XX wieku pojawił się nowy ruch artystyczny, który czerpał inspirację z ruchu ekspresji abstrakcyjnej, ale stworzył swój własny styl. Ruch ten został nazwany Op Art i skupiał się na tworzeniu abstrakcyjnych dzieł opartych na wzorach i późniejszych kolorach, które stymulują oko.

Op Art rozpoczął się jako czysto czarno-białe projekty mające oszukać oko za pomocą wzorów na pierwszym planie i w tle, które tworzą optyczne zamieszanie. Dopiero później artyści tego ruchu zaczęli używać koloru, aby stworzyć jeszcze więcej złudzeń optycznych.

Jeden z najwcześniejszych przykładów tego ruchu pochodzi z 1938 roku autorstwa Victora Vasarely ( Zebry ), ale dopiero w latach 60. Op Art stał się fenomenem.

Najbardziej znani artyści tego okresu to Richard Anuskiewicz, Victor Vasarely, Bridget Riley i François Morellet. Każdy z tych artystów zajmował się elementami optycznymi na różne sposoby. Jednym z przykładów jest użycie przeciwstawnych kolorów, aby zmylić oko widza, jak widać poniżej w pracach pioniera Op Artu Richarda Anuskiewicza.

Into the Sztuka cyfrowa Świat

Dziś większość sztuki, którą widzimy wokół nas, składa się z projektów cyfrowych. Ale chociaż możemy myśleć, że jest to stosunkowo nowy rozwój, sztuka cyfrowa rozpoczęła się w latach 60.

Pierwszy program do rysowania cyfrowego oparty na wektorach został opracowany przez doktoranta MIT Ivana Sutherlanda w 1963 r. Choć nadal można było rysować tylko linie w czerni i bieli, to jednak utorował on drogę wszystkim programom do projektowania, których używamy dzisiaj.

W latach 80-tych produkcja komputerów zaczęła dodawać kolorowe wyświetlacze do zestawów domowych. To otworzyło możliwości dla artystów, aby zacząć eksperymentować z kolorem na nowszych, bardziej intuicyjnych programach do rysowania. Komputerowo generowane obrazy (CGI) zostały po raz pierwszy użyte w przemyśle filmowym, czego znamiennym przykładem jest film fabularny Tron (1982).

W latach 90. narodził się Photoshop, który czerpał wiele inspiracji z Mac Painta. Byliśmy również świadkami ugruntowania Microsoft Paint, CorelDRAW i różnych innych programów używanych do dziś.

Ewolucja sztuki cyfrowej otworzyła możliwości tego, co możemy stworzyć. Sztuka cyfrowa znajduje zastosowanie w wielu branżach, które w pełni wykorzystują wszechstronność tego medium.

Sztuka i wykorzystanie koloru w nowoczesnych instalacjach stały się immersyjnym doświadczeniem. Podczas gdy rzeczywistość rozszerzona i rzeczywistość wirtualna przeniknęły do branży gier, wykorzystując różne palety kolorów, aby ustawić nastrój dla różnych scenariuszy, inny rodzaj doświadczenia również stał się bardziej popularny: interaktywne eksponaty.

Sketch Aquarium jest jednym z przykładów sztuki interaktywnej, gdzie dzieci są zachęcane do rysowania własnych zwierząt akwariowych, które są następnie skanowane i digitalizowane, aby dołączyć do innych kreacji w wirtualnym zbiorniku. Doświadczenie to jest spokojną działalnością, ponieważ błękit wirtualnego akwarium otacza je, jednocześnie stymulując ich ciekawość i kreatywność.

Największym na świecie interaktywnym budynkiem sztuki jest Mori Building Digital Art Museum, opracowany przez teamLab Borderless. Mieści on pięć dużych przestrzeni z cyfrowymi wyświetlaczami stworzonymi w celu wywołania różnych emocji u widzów, w zależności od tego, czy są to kolorowe wyświetlacze kwiatów, spokojne wyświetlacze wodospadu o chłodnej tonacji, czy nawet magiczne pływające latarnie, które zmieniają kolory.

Sztuka cyfrowa jest dziś wolna od formalnych ograniczeń sztuki tradycyjnej. Nawet jeśli naśladuje tradycyjne metody sztuki, narzędzia mogą być manipulowane w sposób, w jaki fizyczna sztuka nie może.

Kolory mogą być tworzone i modyfikowane tak, aby pasowały do atmosfery, którą artysta chce stworzyć. Doskonałym przykładem tego jest sposób, w jaki Pixar używa kolorów w swoich filmach. Chociaż psychologia kolorów jest jasno przedstawiona w Inside Out (2015), innym przykładem jest nasycenie kolorów i różne palety, które wybrali dla różnych scen w filmie Do góry (2009).

The Role of Color in Projekt

Wzornictwo czerpie z wielu tych samych źródeł co sztuka - używając kolorów do przekazania różnych wartości i tożsamości marki każdej firmy. Niektóre z najbardziej rozpoznawalnych marek wykorzystują nieodłączne konotacje kolorów i używają ich, aby przyciągnąć klientów do swoich produktów.

Niebieski jest postrzegany jako kolor uspokajający i budzący zaufanie. Te konotacje sprawiły, że wiele branż związanych z opieką zdrowotną, technologią i finansami używa niebieskiego, aby zdobyć zaufanie klientów. Nic dziwnego, że niebieski jest jednym z najczęściej używanych kolorów w logo.

Naturalnie stymulujący efekt czerwieni prowadzi do tego, że jest to kolor często używany w przemyśle spożywczym. Pomyśl o takich firmach jak Coca-Cola, Red Bull, KFC, Burger King i McDonald's (chociaż one również używają optymizmu koloru żółtego, aby wzmocnić swój wizerunek marketingowy).

Czerwony jest również postrzegany jako kolor obiecujący rozrywkę i pobudzenie. Marki z czerwonym logo, po które często sięgamy w celach rozrywkowych to Youtube, Pinterest i Netflix.

Wyobraź sobie swoją ulubioną markę w różnych kolorach. Źródło obrazu: Sign 11

Zielony w branży marketingowej jest używany do wysyłania wiadomości o ekologizmie, dobroczynności i pieniądzach, a także kojarzy się z dobrym samopoczuciem w ogóle. Ufamy, że zielone obrazy znaku recyklingu i Animal Planet są życzliwe, a firmy takie jak Starbucks, Spotify i Xbox są znane z tego, że pomagają nam się zrelaksować.

Czysta prostota czerni jest jednym z najbardziej przystępnych kolorów stosowanych w projektowaniu. Tworzy wrażenie ponadczasowej elegancji, którą preferują niektóre marki premium. Czarne logotypy nie są ograniczone do żadnej branży.

Luksusowe marki modowe, takie jak Chanel, Prada i Gucci, preferują niedopowiedziany charakter czerni. Jednocześnie kolor ten reprezentuje również marki sportowe, takie jak Adidas, Nike, Puma i firmę EA Games, tworząc wrażenie wysokiej klasy.

Istnieje wiele innych kolorów używanych w logo - każdy z nich wspiera agendę marketingową, która za nim stoi. Podczas gdy pomarańczowe kolory Amazon i FedEx nadają się do wolności i ekscytacji nową paczką, brązy używane w M&M's i Nespresso pokazują ich ciepło i ziemistą naturę.

Jeśli chodzi o projektowanie interfejsu użytkownika i doświadczeń użytkownika (UI/UX), kolor wpływa na to, jak użytkownik widzi i jak wchodzi w interakcję z ekranami aplikacji i stron internetowych Twojego produktu.

Wielokrotnie wykazano, że psychologia kolorów wpływa na reakcje konsumentów na wezwania do działania (CTA). Ale skąd projektanci UX i marketerzy mają wiedzieć, który z ich projektów spowoduje największą liczbę konwersji klientów? Odpowiedź leży w testach A/B.

Zespoły projektowe testują różne wersje tych samych CTA, rozdzielając je między odwiedzających stronę internetową. Analityka reakcji odbiorców na te projekty pokazuje im, którego call-to-action użyć.

W teście przeprowadzonym przez Hubspot, wiedzieli, że zielony i czerwony każdy ma swoje konotacje i byli ciekawi, na który kolor przycisku klienci będą klikać. Uzasadnili, że zielony jest bardziej pozytywnie postrzeganym kolorem, co czyni go ulubionym.

W projektowaniu UI/UX, czerwień przyciąga uwagę i tworzy poczucie pilności. Jednak tylko dlatego, że w wyniku tego testu czerwień okazała się lepszym rozwiązaniem, nie zakładaj, że jest to fakt uniwersalny. Postrzeganie i preferencje kolorów w marketingu mają niezliczoną ilość czynników.

Zawsze pamiętaj, aby przed zmianą opcji kolorystycznych przetestować je z własną publicznością. Możesz być zaskoczony wynikiem i dowiedzieć się więcej o swoich klientach.

Oglądanie życia we wszystkich jego odcieniach

Wykorzystanie kolorów do konkretnych celów jest znane od czasów starożytnych. Interesujące jest to, jak bardzo nasze zastosowania konkretnych kolorów różniły się na przestrzeni wieków - nawet w kulturach, które zanikały i reformowały się na przestrzeni dziejów.

Od czasu do czasu pojawiają się rozbieżności między kulturami. Jednym z przykładów jest zachodnia idea bieli oznaczającej czystość i jej użycie na ślubach, podczas gdy w niektórych kulturach wschodnich, takich jak Chiny i Koree, jest ona związana ze śmiercią, żałobą i pechami. Dlatego tak ważne jest, aby znać znaczenie stojące za wyborem koloru w kontekście i na rynku, na którym chcesz go użyć.

Historia psychologii koloru jest obszerna.Niestety, wiele literatury na ten temat jest wciąż podzielona.Niewielkie obszary badań okazały się wytrzymać rygorystyczne testy.Osobiste preferencje odgrywają istotną rolę w naszych skojarzeniach i decyzjach z kolorami.Miejmy nadzieję, że niektóre z ostatnich badań rzucą bardziej rozstrzygające światło na tę sprawę.

To było także związane z całym rozwojem w tworzeniu pigmentów i kolorów wcześniej niedostępnych dla poprzednich pokoleń. To utrwala nasze skojarzenia z kolorem i emocje, które łączymy z nimi. Naturalna ewolucja wykorzystania koloru w sztuce doprowadzi do jego zastosowania w marketingu i projektowaniu.

Rozejrzyj się wokół siebie. Spójrz na przedmioty, którymi postanowiłeś wypełnić swoje życie. Jak wiele z tych przedmiotów zostało stworzonych w odcieniach, które pomagają im przyciągnąć uwagę rynków? Podczas gdy nie zawsze aktywnie zauważamy kolory wokół nas, które zespoły marketingowe skrupulatnie wybrały, zauważamy je na poziomie podświadomym.

Te kolory wpływają na nasze codzienne życie, niektóre z nich w niewielkim stopniu (która marka kawy kupić), a niektóre mogą być bardziej wpływowe (kolor ściany biura wpływa na nasz nastrój).

Teraz, gdy już wiesz, jak zwracać uwagę na różnorodność odcieni wokół ciebie, możesz wykorzystać to na swoją korzyść. Spróbuj użyć Vectornatora, aby zobaczyć, które kolory najlepiej pasują do twoich ilustracji i projektów oraz jak zmiana odcienia tu i tam może stworzyć zupełnie inną reakcję emocjonalną.

Pobierz Vectornator, aby rozpocząć pracę

Przenieś swoje projekty na wyższy poziom.