Psicologia da cor na arte e no design

Sabia que as abelhas não conseguem ver a cor vermelha, mas conseguem ver alguns roxos que os humanos não conseguem ver? Este fenómeno chama-se púrpura das abelhas e está relacionado com as diferentes áreas do espectro luminoso que conseguem ver em relação ao que os humanos conseguem ver.

Já alguma vez olhou para uma obra de arte feita com cores frias e sentiu-se calmo? Ou viu uma feita com cores quentes e sentiu a energia e a paixão do artista a sair da página? Esta sensação, na sua essência, é a psicologia da cor.

Muitas das nossas decisões diárias baseiam-se nas cores de que gostamos e naquelas que encontramos à nossa volta. Pense na alegria que sente ao encontrar aquela roupa na cor que mais lhe agrada. Compare isso com o que sente quando entra num edifício com paredes escuras e pouca luz. Todos estes pequenos elementos afectam a nossa vida diária, embora raramente pensemos neles.

O que é a psicologia das cores?

A psicologia da cor é o fenómeno em que a cor influencia o comportamento, as emoções e as percepções humanas. Todos nós temos ligações instintivas entre cores específicas e os sentimentos que evocam. No entanto, estas conotações variam entre culturas e experiências pessoais.

A psicologia da cor envolve principalmente a teoria da cor. A forma como as cores interagem umas com as outras influencia em grande medida a forma como as percepcionamos. Existem várias relações entre as cores, tais como primárias, secundárias, terciárias e complementares. A forma como estas cores são justapostas pode influenciar a forma como são percepcionadas e afectar o espectador.

Há milénios que as cores são utilizadas para evocar determinados sentimentos. Os seres humanos utilizaram a associação de cores em práticas antigas na Grécia, no Egipto e na China. Utilizaram as cores para criar associações com os deuses dos seus panteões, ligando-os especialmente aos elementos naturais, à luz e à escuridão, ao bem e ao mal.

As cores eram mesmo utilizadas para tratar problemas de saúde no Antigo Egipto e na China, pois acreditavam que as cores ajudavam a estimular áreas específicas do corpo - isto ainda hoje é utilizado em certos tratamentos holísticos.

As cores têm significados e associações diferentes para as culturas de todo o mundo. Muitas vezes associadas a eventos e rituais específicos, o simbolismo pode variar drasticamente de país para país.

As culturas ocidentais associam frequentemente o branco à pureza, inocência e limpeza, enquanto que o preto representa poder, sofisticação e mistério. O preto é frequentemente visto como uma cor de luto usada nos funerais.

As culturas orientais associam o branco à morte e ao luto, pelo que a cor mais utilizada nos funerais é o branco. O vermelho é também uma cor essencial nas culturas orientais, simbolizando a boa sorte e a felicidade, sendo frequentemente utilizado em casamentos e outras celebrações.

Algumas culturas nativas americanas também associam fortemente a cor aos seus rituais e cerimónias. Utilizam frequentemente o vermelho para significar o poder vivificante do sol, enquanto o verde é visto como um símbolo de crescimento e renovação.

Em termos gerais, é evidente que a cor tem muitos significados e associações para as pessoas em todo o mundo e é um aspecto essencial da comunicação e expressão cultural. É crucial ter em conta o contexto cultural quando se utiliza a cor no design ou no marketing, uma vez que cores diferentes podem ter conotações diferentes em culturas diferentes.

As cores sempre fascinaram a humanidade, mas só há relativamente pouco tempo é que começámos a compreender o espectro de cores.

O salto mais significativo foi o de Sir Isaac Newton, quando se apercebeu de que a luz que nos rodeia não é apenas branca, mas uma combinação de diferentes comprimentos de onda. Esta teoria levou à criação da roda das cores e à forma como as diferentes cores são atribuídas a comprimentos de onda específicos.

O início da psicologia da cor

Embora o desenvolvimento da teoria da cor fosse puramente científico, outros ainda estudavam os efeitos das cores na mente humana.

A primeira exploração da relação entre a cor e a mente é o trabalho de Johann Wolfgang von Goethe, o artista e poeta alemão, no seu livro de 1810, Teoria das cores A comunidade científica não aceitou amplamente as teorias do livro devido ao facto de se tratar principalmente das opiniões do autor.

Para desenvolver o trabalho de Goethe, um neuropsicólogo chamado Kurt Goldstein utilizou uma abordagem mais científica para ver os efeitos físicos das cores no observador. Observou os diferentes comprimentos de onda e a forma como os comprimentos de onda mais longos nos fazem sentir mais quentes ou mais excitados, enquanto os comprimentos de onda mais curtos nos fazem sentir frios e relaxados.

Goldstein também efectuou estudos sobre as funções motoras de alguns dos seus doentes, tendo colocado a hipótese de que a cor poderia ajudar ou prejudicar a destreza. Os resultados mostraram que o vermelho piorava os tremores e o equilíbrio, enquanto o verde melhorava a função motora. Embora estes estudos tenham sido científicos, não são amplamente aceites, uma vez que outros cientistas ainda não conseguiram replicar os resultados.

Outro líder no campo da psicologia da cor foi Carl Jung, que teorizou que as cores expressavam estados específicos da consciência humana. Ele investiu na utilização da cor para fins terapêuticos e os seus estudos centraram-se na descoberta dos códigos ocultos das cores para desbloquear o subconsciente.

Na teoria de Jung, ele dividiu a experiência humana em quatro partes e atribuiu a cada uma delas uma cor específica.

• Vermelho: Sentimento

  Simboliza: sangue, fogo, paixão e amor

• Amarelo: Intuição

  Simboliza: brilhar e irradiar para o exterior

• Azul: Pensamento

  Simboliza: frio como a neve

• Verde: Sensação

  Simboliza: terra, percepção da realidade

Estas teorias deram forma ao que hoje conhecemos como psicologia da cor e ajudaram a descrever a forma como experienciamos as cores.

Embora alguns dos trabalhos de Goethe tenham sido validados, muitas das pesquisas dos pioneiros ainda não foram desacreditadas. Mas o facto de terem sido desacreditadas não significa que o seu trabalho não tenha tido impacto - motivaram vários cientistas modernos a aprofundar o enigma que é a psicologia da cor.

Como as cores afectam as pessoas

Quando vê um produto cor-de-rosa, que género lhe associa? Já pensou porquê? Ironicamente, a atribuição da cor-de-rosa às raparigas é um desenvolvimento relativamente recente.

Inicialmente, o cor-de-rosa era visto como outra iteração do vermelho e, por isso, ligado aos rapazes. O cor-de-rosa era visto como mais robusto do que o azul devido à ligação ao vermelho. Ao mesmo tempo, o azul era considerado uma cor calma e delicada.

Só depois da Segunda Guerra Mundial, quando os uniformes passaram a ser mais frequentemente feitos de tecido azul, é que a cor começou a ser associada à masculinidade. O cor-de-rosa era geralmente atribuído a traços mais femininos na Alemanha dos anos 30.

Outro facto interessante sobre o cor-de-rosa é o seu efeito no cérebro humano - um tom específico, em especial - o rosa Baker-Miller. Também conhecido como "rosa tanque de bêbados", o rosa Baker-Miller é um tom particular de rosa que se acredita ter um efeito calmante sobre as pessoas. Foi usado pela primeira vez na década de 1970 pelo Dr. Alexander Schauss, que afirmou que a exposição à cor por períodos prolongados poderia reduzir o comportamento agressivoe aumentam a sensação de calma e relaxamento.

Desde então, o Baker-Miller Pink tem sido utilizado em vários contextos de stress, incluindo prisões e hospitais, tendo também sido proibido nos balneários escolares, uma vez que os seus efeitos foram utilizados para alterar os níveis de energia das equipas desportivas visitantes.

No entanto, as provas científicas que sustentam a eficácia do rosa de Baker-Miller como agente calmante são variadas, sendo necessária mais investigação para compreender plenamente os seus efeitos.

Ideias modernas sobre como a cor nos afecta

Os estudos modernos continuaram a seguir a mesma trajectória dos estudos anteriores. Os principais tópicos discutidos actualmente neste campo são os efeitos da cor no corpo, a correlação entre as cores e as emoções, e o comportamento e as preferências de cor.

Os métodos utilizados actualmente são diferentes dos estudos mais antigos, pois os investigadores dispõem de muito mais ferramentas e as directrizes são mais rigorosas para garantir que os estudos resistem ao escrutínio científico.

Embora os estudos sobre as preferências de cor sejam menos rigorosos do ponto de vista científico, muitos estudos sobre os efeitos fisiológicos das cores envolvem variáveis como a medição do ritmo cardíaco, da pressão arterial e da actividade cerebral para ver os efeitos dos diferentes comprimentos de onda das cores.

Quando se analisa a popularidade das cores, não é de surpreender que as cores mais populares, quando classificadas, sejam as mais brilhantes e saturadas. As cores escuras tendem a ter uma classificação mais baixa, sendo as menos favoritas o castanho, o preto e o verde amarelado.

As respostas comportamentais às cores são uma área de estudo complicada de navegar. Um dos métodos utilizados pelos investigadores envolve a utilização de uma lista de adjectivos com os quais os sujeitos do teste têm de escolher uma de duas palavras opostas que acham que melhor descreve uma cor. As respostas médias dão uma ideia geral das atitudes em relação às diferentes cores.

Alguns outros estudos, mais complexos, são realizados para ver como as diferentes cores influenciam as pessoas em ambientes de tomada de decisões. Um estudo girava em torno das diferenças nos comportamentos de retalho quando a cor de fundo mudava. Uma das lojas tinha paredes vermelhas, enquanto as paredes da outra eram azuis.

Este estudo publicado no Journal of Consumer Research mostrou que os clientes estavam mais dispostos a comprar artigos numa loja com paredes azuis. A loja com paredes vermelhas mostrou que os clientes que navegavam e procuravam menos tinham mais probabilidades de adiar uma compra e mais probabilidades de comprar menos artigos devido ao facto de o ambiente ser mais opressivo e tenso.

Embora estes estudos mostrem reacções específicas em ambientes controlados, ajudam-nos a compreender que as diferentes respostas às cores dependem do ambiente e da cultura.

Como as diferentes cores nos influenciam

O vermelho é uma cor fascinante no que diz respeito aos efeitos que provoca. O impacto do vermelho no desempenho dos indivíduos varia muito consoante a situação.

Um estudo publicado no Journal of Experimental Psychology analisou a influência da cor num contexto mais académico, dando a alguns participantes números de participação pretos, verdes ou vermelhos. Em média, os "azarados" que receberam os números vermelhos tiveram um desempenho 20% pior nos testes.

Em completa justaposição, o vermelho pode ser uma mais-valia num ambiente desportivo. Durante os Jogos Olímpicos de 2004, foi realizado um estudo sobre os uniformes utilizados em quatro tipos diferentes de artes marciais. Os participantes receberam uniformes vermelhos ou azuis. Das 29 categorias de peso, 19 foram ganhas pelos participantes de vermelho. Esta tendência também se reflecte noutros desportos, como o futebol.

Algumas teorias sugerem que a associação histórica do vermelho com a guerra, a agressão e a paixão pode influenciar os jogadores a serem ousados nas suas acções.

Outra teoria é que a cor pode ser intimidante para a oposição. Embora a mecânica deste fenómeno ainda esteja a ser determinada, o que é certo é que produz resultados impactantes.

Podemos não nos aperceber, mas a cor leva-nos a fazer juízos de valor, especialmente na área da moda. Uma investigação levada a cabo por Leatrice Eiseman revelou padrões significativos nos preconceitos que a cor pode criar.

Quando se procura cores que causem uma impressão positiva no local de trabalho, as respostas são o verde, o azul, o castanho e o preto. A cor verde transmite uma sensação de frescura, energia e harmonia.

Isto é especialmente bom quando se trabalha num escritório, que requer mais vitalidade para passar o dia. A cor azul está ligada ao intelecto e à estabilidade, o que leva a uma maior confiança no local de trabalho. Tanto o azul como o preto transmitem autoridade, tendo a cor preta a vantagem adicional de exalar elegância.

Por outro lado, as piores cores para usar no trabalho são o amarelo, o cinzento e o vermelho. O vermelho é visto como uma cor agressiva e está correlacionado com um ritmo cardíaco mais elevado. A cor pode transmitir um efeito antagónico. O cinzento é visto como pouco assertivo e com falta de energia.

A cor pode ser melhor combinada com outra cor para contrariar os seus efeitos. No outro lado do espectro, a cor amarela pode ser uma cor alegre; no entanto, pode ser demasiado energética para um ambiente de trabalho.

Num sentido mais geral, a cor que estimula a concentração e a produtividade é o verde. Colorir o seu ambiente de trabalho com um tom de verde pode ajudar a reduzir a tensão ocular e a criar uma área de trabalho mais confortável. Da mesma forma, o verde e o azul são bons candidatos para as paredes do seu escritório, reduzindo a ansiedade num ambiente de pressão.

Até as redes sociais são orientadas para a cor

Os seres humanos sempre se sentiram atraídos por cores mais saturadas, o que é evidente quando se observa o fenómeno dos filtros fotográficos - especialmente em aplicações como o Instagram e o TikTok.

Embora isto já seja um facto interessante, também mostra que as interacções estão predispostas para fotografias que utilizam calor, exposição e contraste.

Se considerarmos os efeitos destas modificações, as cores mais quentes criam uma sensação de maior luminosidade e vivacidade, o que parece mais atractivo para os espectadores interagirem com elas, deixando também uma impressão mais duradoura no público.

A exposição é outra forma de criar mais vitalidade numa fotografia. Editar o equilíbrio da luz nas fotografias pode ajudar a realçar cores baças e escuras. Este efeito necessita de um toque delicado, uma vez que a sobre-exposição pode desvanecer as cores e a sub-exposição pode escurecer a imagem.

Para além da exposição, o contraste numa fotografia também é essencial. A função destes filtros é tornar mais nítidas as áreas escuras e claras. As imagens com mais contraste atraem-nos mais, pois são visualmente mais interessantes.

O jogo de luz e a ousadia das cores contribuem para a forma como damos sentido ao mundo, de maneiras que nem sequer nos apercebemos. Temos tendência a ser atraídos por elementos específicos de cor no mundo que nos rodeia. Compreender estes elementos pode ajudar-nos a dar mais sentido ao mundo que nos rodeia.

Saber qual o tema do computador ou a cor do escritório que pode aumentar a sua produtividade e protegê-lo do stress excessivo num ambiente de trabalho acelerado pode ser um grande bónus.

E num mundo em que o envolvimento alimenta o algoritmo das suas redes sociais, alterar o equilíbrio de cores nas suas publicações pode torná-las mais apelativas e levar os espectadores a parar, olhar e interagir com elas.

Mas quando se olha para as cores, o campo mais significativo que utiliza os seus poderes continua a ser o das artes. A arte e o marketing utilizam diariamente os efeitos que a cor pode evocar. Ambos os campos dependem das reacções do espectador para criar interacção e, por sua vez, valor de mercado.

Como os artistas e designers utilizam a psicologia da cor

Embora a cor tenha sido uma força nas culturas desde que começámos a criar pictogramas, algumas cores estiveram sempre mais prontamente disponíveis do que outras. Quanto mais antiga era a imagem, menos variedade de cores era utilizada.

Inicialmente, o azul era um pigmento muito raro de obter. A principal forma que as civilizações antigas tinham de fazer o azul era moendo lápis-lazúli - um recurso raro e caro. Dizia-se mesmo que a pedra moída era o que Cleópatra usava como sombra azul para os olhos.

Um desenvolvimento no Egipto levou à criação do primeiro pigmento sintético - o azul do Egipto. Este pigmento foi inventado por volta de 3500 a.C. e era utilizado para colorir cerâmicas e criar um pigmento para pintar. Utilizavam cobre moído e areia e depois queimavam a uma temperatura extremamente elevada para produzir um azul vívido.

O azul egípcio foi frequentemente utilizado como cor de fundo para a arte durante os períodos egípcio, grego e romano. Com o colapso do Império Romano, a receita para este pigmento desapareceu na obscuridade, o que levou a que a cor azul se tornasse uma das cores mais raras para pintar.

A raridade do azul significava que qualquer obra de arte criada antes do século XX com pigmento azul na tinta era criada por um artista altamente considerado ou encomendada por um patrono rico.

A nossa associação com a cor púrpura e a realeza também se deve à dificuldade de obtenção do pigmento: a única fonte de púrpura provinha de um tipo de caracol que tinha de ser processado, extraindo um muco específico e expondo-o ao sol durante períodos controlados.

A grande quantidade de caracóis necessários para fazer a tinta púrpura fez com que este pigmento só estivesse disponível para a realeza. Esta exclusividade criou um preconceito permanente na nossa visão desta cor, ainda hoje.

Durante uma expedição fortuita do exército britânico a África, na década de 1850, um cientista fez uma descoberta inovadora para produzir corante púrpura.

William Henry Perkin estava a tentar sintetizar uma substância chamada quinino; infelizmente, os seus esforços não foram bem sucedidos. Mas ao tentar limpar com álcool, Perkin descobriu que o lodo castanho se transformava numa mancha púrpura muito pigmentada. Chamou a este corante "mauveine".

Perkin também viu a oportunidade de negócio que isto poderia trazer e patenteou a sua invenção, abrindo uma tinturaria e continuando a fazer experiências com corantes sintéticos. Esta incursão nos corantes sintéticos tornou cores como o roxo acessíveis às massas.

A invenção das tintas e dos pigmentos sintéticos constituiu um ponto de viragem na arte, dando aos artistas uma maior variedade de cores para experimentarem e permitindo-lhes captar com maior precisão o espírito de cada período histórico.

Hoje em dia, os historiadores de arte analisam frequentemente a arte observando as técnicas e as cores utilizadas. Os tipos de pigmentos de cor utilizados podem ajudar a datar uma obra de arte e a compreender o que os artistas tentaram comunicar com o seu trabalho. A psicologia da cor é fundamental para analisar a história da arte.

Antigos Mestres Contraste e claro-escuro

Do século XIV ao século XVII, certas cores eram ainda limitadas devido aos pigmentos disponíveis. O principal movimento artístico registado durante este período é amplamente conhecido como Renascimento. Incluiu o Renascimento italiano, o Renascimento do Norte (com a Idade de Ouro holandesa), o Maneirismo e os primeiros movimentos Barroco e Rococó.

Estes movimentos ocorreram quando os pintores trabalhavam frequentemente com luz limitada, o que levava a que as obras de arte contivessem grandes contrastes nas imagens. O termo utilizado para este efeito foi claro-escuro (Dois dos artistas que utilizaram esta técnica foram Rembrandt e Caravaggio.

O contraste entre as cores atrai o espectador, e as cores mais quentes criam uma sensação de intimidade e paixão, muitas vezes reflectida no tema.

A Lição de Anatomia do Dr. Nicolaes Tulp (1632), Rembrandt van Rijn Fonte da imagem: Wikimedia Commons

Romantismo e um regresso aos tons naturais

Depois da Renascença, o mundo tentou contrariar a atitude empírica da época, recorrendo excessivamente ao lado emocional. O principal movimento que se seguiu foi o Romantismo.

Este período centrou-se no poder da natureza e das emoções e foi dominado por artistas como JMW Turner, Eugène Delacroix e Théodore Gericault.

Os artistas do movimento artístico Romantismo criaram imagens arrebatadoras e dramáticas que utilizavam uma maior variedade de cores. Este foi o mesmo período em que Johann Wolfgang von Goethe investigou a ligação entre as cores e as emoções.

A arte romântica jogava com a forma como as cores evocavam emoções no espectador. Estes artistas utilizavam contrastes, psicologia da cor e cores específicas para jogar com a percepção que o espectador tinha da cena. As cores utilizadas eram uma homenagem à ligação da humanidade com a natureza, reflectindo normalmente elementos da arte medieval.

Muitas vezes, uma área específica é o foco da obra de arte e é transformada no ponto focal adicionando uma mancha de cor brilhante a uma pintura mais escura ou uma área escura numa obra de arte com tons mais claros. Os valores tonais utilizados neste movimento eram geralmente mais fundamentados e reminiscentes da natureza.

Viajante sobre o mar de nevoeiro (1818), Caspar David Friedrich Fonte da imagem: Wikimedia Commons

Impressionismo e Pastéis

Com a descoberta de cores sintéticas disponíveis para compra, os artistas começaram a explorar mais as possibilidades de combinações de cores.

O Impressionismo foi o passo seguinte à lógica rígida do Renascimento, baseando-se no Romantismo e infundindo mais sentimento à sua arte. A natureza sonhadora destas obras de arte pode ser atribuída à utilização de cores mais claras, por vezes quase pastel, aplicadas em pinceladas visíveis.

Com a paleta alargada e a portabilidade acrescida da tinta em tubos que começou nesta época, os artistas começaram a sair para a natureza para pintar - um movimento chamado pintura ao ar livre As novas cores permitiram-lhes captar cenas da natureza em diferentes luzes e estações, pintando por vezes várias versões da mesma paisagem em diferentes paletas de cores.

Palheiros (pôr-do-sol) (1890-1891), Claude Monet, Fonte da imagem: Wikimedia Commons

Expressionismo, fauvismo, e Cores Complementares

O período entre 1904 e 1920 foi marcado por uma abordagem totalmente nova da arte. Os artistas abandonaram as cores naturais e as imagens suaves e naturais dos impressionistas e abraçaram todos os elementos ousados. As cores começaram a aproximar-se do antinatural e a aplicação da tinta foi feita com camadas espessas e pinceladas largas. Isto deu origem ao período conhecido como Expressionismo.

No período expressionista, a cor foi utilizada para abordar temas carregados de emoção, especialmente sentimentos de horror e medo - e mesmo alguns temas mais alegres. Um dos artistas mais conhecidos deste movimento é Edvard Munch. Este período artístico centra-se nas emoções em vez de reproduzir objectivamente a realidade.

Uma subcategoria do movimento foi o fauvismo. Este nome teve origem num comentário negativo devido à natureza "inacabada" da arte e traduziu-se em "bestas selvagens". Os artistas deste movimento, como Henry Matisse, utilizavam frequentemente os efeitos das cores complementares e usavam versões altamente saturadas para aumentar o impacto.emoções relevantes no espectador.

Um dos pioneiros do movimento expressionista foi Pablo Picasso. Embora seja mais conhecido pelo cubismo e pela natureza abstracta da sua obra, Picasso teve vários períodos estilísticos diferentes. Um desses períodos é o seu Período Azul, entre 1901 e 1904.

A sua utilização das cores azul e verde começou após a morte de um amigo, influenciando as cores, o tema melancólico e as tonalidades mais escuras que utilizou no seu trabalho. Picasso queria comunicar os sentimentos de desespero dos excluídos sociais que focou no seu trabalho durante este período.

A importância da cor na Expressionismo abstracto

O campo do Expressionismo Abstracto baseou-se no dos Expressionistas, mas utilizou as suas cores de uma forma que rompeu totalmente com as restrições do realismo.

A primeira divisão do movimento foi a dos pintores de acção, como Jackson Pollock e Willem de Kooning, que se baseavam em pinceladas de cor selvagens para criar obras de arte improvisadas.

Jackson Pollock é incrivelmente conhecido pelas suas obras de arte feitas com manchas de tinta que pingavam da lata ou com um pincel sobrecarregado de tinta à volta da tela.

Jackson Pollock - Número 1A (1948)

Em oposição aos gestos selvagens dos pintores de acção, artistas como Mark Rothko, Barnett Newman e Clyfford Still também surgiram durante o período do Expressionismo Abstracto.

Estes artistas utilizaram paletas de cores específicas para ajudar a criar a sensação que pretendiam nos seus espectadores. Todos os artistas mencionados se enquadram na categoria de pintura de campo de cor, em que a arte consiste em grandes áreas ou blocos de cores únicas.

Embora os temas monocromáticos e os gradientes sejam frequentemente utilizados, uma outra forma de escolher as cores é utilizar o círculo cromático e ver quais as cores que formam uma tríade ou uma harmonia de cores quadradas. As harmonias de cores ajudam a criar um bom equilíbrio entre as cores, mas normalmente é escolhida uma cor dominante para ser predominante na composição com base no sentimento geral da obra.

As cores complementares também são frequentemente utilizadas para criar contrastes fortes na arte. Uma vez que estas cores se encontram em lados opostos da roda das cores, são frequentemente utilizadas para reproduzir duas energias diferentes numa imagem.

As formas puras destas cores contrastantes nem sempre são as mais utilizadas. Variações subtis nas tonalidades podem criar profundidade e acrescentar carácter ao que, de outra forma, poderia resultar em imagens muito duras.

Mark Rothko e Anish Kapoor são dois exemplos fascinantes de artistas que utilizam as cores na arte abstracta para desafiar o espectador.

Rothko utilizava a cor, especialmente o vermelho, para fazer com que o espectador voltasse o seu pensamento para dentro de si próprio. Os seus quadros são excepcionalmente grandes, com dimensões superiores a 2,4 x 3,6 metros (cerca de 8 x 12 pés). O tamanho obriga o espectador a absorver e a experimentar o efeito das cores de uma forma muito íntima.

No mundo de hoje, este tipo de arte ainda continua. Anish Kapoor está a levar a teoria da cor a um novo nível. Em 2014, a Surrey NanoSystems criou um novo produto - a antítese da cor: uma cor que quase não reflecte luz (absorvendo 99,965% da luz visível) e é conhecida como Vantablack.

Kapoor comprou os direitos de autor da cor e, embora a cor seja normalmente utilizada para evocar sentimentos mais fortes, o Vantablack cria uma sensação de vazio e silêncio.

Anish Kapoor criou arte com esta cor, chamando-lhe Pavilhão do Vazio V (2018).

Pop Art's Cores primárias

Por volta dos anos 50, na Grã-Bretanha e na América, surgiu o novo movimento de arte Pop, que capitalizou o estilo de ilustração da banda desenhada e da cultura popular que não correspondia aos valores tradicionais da arte. O estilo gráfico e os temas de vanguarda, que mostravam imagens mais seculares e apelavam a um público muito mais jovem, foram fortemente criticados pelos académicos.

A paleta de cores que era popular durante este período era a das cores primárias, que eram utilizadas para criar blocos de cores planas sem quaisquer gradientes.

No início do século XX, os artistas utilizaram a arte para comentar a sociedade moderna do pós-guerra. Utilizaram imagens de objectos mundanos em cores absurdas para transmitir a mensagem de ruptura com os valores tradicionais e o conformismo. Dois dos artistas mais conhecidos deste período são Roy Lichtenstein e Andy Warhol.

Da Pop Art à Op Art

Nos anos 60, surgiu um novo movimento artístico que se inspirou no movimento Expressionista Abstracto, mas criou o seu próprio estilo. Este movimento chamava-se Op Art e centrava-se na criação de obras abstractas baseadas em padrões e cores posteriores que estimulam o olhar.

A Op Art começou com desenhos puramente a preto e branco destinados a enganar o olhar, utilizando padrões de primeiro e segundo plano que criam confusão óptica. Só mais tarde é que os artistas deste movimento começaram a utilizar a cor para criar ainda mais ilusões ópticas.

Um dos primeiros exemplos deste movimento remonta a 1938, por Victor Vasarely ( As Zebras ), mas só na década de 1960 é que a Op Art se tornou um fenómeno.

Os artistas mais conhecidos deste período incluem Richard Anuskiewicz, Victor Vasarely, Bridget Riley e François Morellet. Cada um destes artistas abordou os elementos ópticos de formas diferentes. Um exemplo é a utilização de cores opostas para confundir o olhar do observador, como se pode ver abaixo na obra do pioneiro da Op Art, Richard Anuskiewicz.

Para o Arte digital Mundo

Hoje em dia, a maior parte da arte que vemos à nossa volta consiste em desenhos digitais, mas embora possamos pensar que se trata de um desenvolvimento relativamente recente, a arte digital começou na década de 1960.

O primeiro programa de desenho digital baseado em vectores foi desenvolvido pelo candidato a doutoramento do MIT, Ivan Sutherland, em 1963. Embora ainda só conseguisse desenhar linhas a preto e branco, foi o pioneiro de todos os programas de desenho que utilizamos actualmente.

Durante a década de 1980, a produção de computadores começou a adicionar ecrãs a cores para uso doméstico, o que abriu a possibilidade de os artistas começarem a fazer experiências com cores em programas de desenho mais recentes e intuitivos. As imagens geradas por computador (CGI) foram utilizadas pela primeira vez na indústria cinematográfica, sendo um exemplo notável a longa-metragem Tron (1982).

A década de 1990 assistiu ao nascimento do Photoshop, que se inspirou muito no Mac Paint, e à solidificação do Microsoft Paint, do CorelDRAW e de vários outros programas ainda utilizados actualmente.

A evolução da arte digital abriu as possibilidades do que podemos criar. A arte digital é utilizada em muitas indústrias que utilizam a versatilidade do meio em toda a sua extensão.

A arte e a utilização da cor nas instalações modernas tornaram-se uma experiência imersiva. Enquanto a realidade aumentada e a realidade virtual se têm infiltrado na indústria dos jogos, utilizando diferentes paletas de cores para criar o ambiente de diferentes cenários, outro tipo de experiência também se tornou mais popular: as exposições interactivas.

O Sketch Aquarium é um exemplo de arte interactiva em que as crianças são encorajadas a desenhar os seus próprios animais de aquário, que são depois digitalizados e juntam-se a outras criações num aquário virtual. A experiência é uma actividade tranquila, uma vez que o azul do aquário virtual as rodeia, ao mesmo tempo que estimula a sua curiosidade e criatividade.

O maior edifício de arte interactiva do mundo é o Mori Building Digital Art Museum, desenvolvido pelo teamLab Borderless, que alberga cinco grandes espaços com ecrãs digitais criados para evocar diferentes emoções no público, consoante se trate de flores coloridas, de cascatas de tons frios e tranquilos ou mesmo de lanternas flutuantes mágicas que mudam de cor.

A arte digital actual está livre das limitações formais da arte tradicional. Mesmo quando imita os métodos da arte tradicional, as ferramentas podem ser manipuladas de formas que a arte física não consegue.

As cores podem ser criadas e modificadas para se adequarem ao ambiente que o artista pretende criar. Uma excelente exploração deste facto é a forma como a Pixar utiliza a cor nos seus filmes. Embora a psicologia da cor seja claramente descrita no De dentro para fora (2015), outro exemplo é a saturação das cores e as diferentes paletas que escolheram para várias cenas do filme Para cima (2009).

O papel da cor na Concepção

O design baseia-se em muitas das mesmas fontes que a arte - utilizando a cor para transmitir os diferentes valores e identidades de marca de cada empresa. Algumas das marcas mais reconhecidas actualmente pegam nas conotações de cor inerentes às pessoas e utilizam-nas para atrair clientes para os seus produtos.

O azul é visto como uma cor calmante e de confiança. Estas conotações levaram muitos sectores da saúde, tecnologia e finanças a utilizar o azul para ganhar a confiança dos clientes. Sem surpresa, o azul é uma das cores mais utilizadas nos logótipos.

O efeito naturalmente estimulante do vermelho leva a que esta seja uma cor frequentemente utilizada na indústria alimentar. Pense em empresas como a Coca-Cola, Red Bull, KFC, Burger King e McDonald's (embora também utilizem o optimismo do amarelo para promover a sua imagem de marketing).

O vermelho também é visto como uma cor que promete entretenimento e estimulação. As marcas com logótipos vermelhos que usamos frequentemente para entretenimento são o Youtube, Pinterest e Netflix.

Imagine a sua marca favorita com cores diferentes. Fonte da imagem: Sign 11

O verde na indústria do marketing é utilizado para enviar uma mensagem de ambientalismo, caridade e dinheiro, e está associado ao bem-estar em geral. Confiamos que as imagens verdes do sinal de reciclagem e do Animal Planet são benevolentes. E empresas como a Starbucks, Spotify e Xbox são conhecidas por nos ajudarem a relaxar.

A simplicidade pura do preto é uma das cores mais acessíveis utilizadas no design. Cria a impressão de elegância intemporal que algumas marcas premium preferem. Os logótipos pretos não se limitam a nenhum sector.

Marcas de moda de luxo como Chanel, Prada e Gucci preferem a natureza discreta do preto. Ao mesmo tempo, a cor também representa marcas desportivas como Adidas, Nike, Puma e a empresa de jogos desportivos EA Games, criando a impressão de ser topo de gama.

Enquanto as cores laranja da Amazon e da FedEx se prestam à liberdade e à excitação de uma nova encomenda, os castanhos utilizados na M&M's e na Nespresso mostram-lhe a sua natureza calorosa e terrena.

No que diz respeito à interface do utilizador e à concepção da experiência do utilizador (IU/UX), a cor afecta a forma como o utilizador vê e interage com os ecrãs das aplicações e as páginas Web do seu produto.

A psicologia da cor tem demonstrado repetidamente que influencia as respostas dos consumidores aos apelos à acção (CTA). Mas como é que os designers de experiência do utilizador e os profissionais de marketing sabem qual dos seus designs irá gerar mais conversões de clientes? A resposta está nos testes A/B.

As equipas de design testam diferentes versões dos mesmos CTAs, dividindo-os entre os visitantes do sítio Web. A análise das reacções do público a estes designs mostra-lhes qual o apelo à acção a utilizar.

Num teste efectuado pela Hubspot, eles sabiam que o verde e o vermelho tinham as suas conotações e estavam curiosos para saber em que cor os clientes clicariam no botão.

No design de UI/UX, o vermelho chama a atenção e cria uma sensação de urgência. No entanto, só porque este teste resultou em vermelho como a melhor opção, não assuma que é um facto universal. A percepção e as preferências da cor no marketing têm inúmeros factores que contribuem para isso.

Certifique-se sempre de que testa as suas opções de cores com o seu próprio público antes de as alterar. Poderá ficar surpreendido com o resultado e aprender mais sobre os seus clientes.

Ver a vida em todos os seus matizes

A utilização da cor para fins específicos existe desde a antiguidade. O que é interessante é o facto de as nossas utilizações para cores específicas terem variado pouco ao longo dos séculos - mesmo entre culturas que desapareceram e se reformaram ao longo da história.

De vez em quando, surgem discrepâncias entre culturas. Um exemplo é a ideia ocidental de que o branco significa pureza e a sua utilização em casamentos, enquanto que em algumas culturas orientais, como a China e as Coreias, está ligado à morte, ao luto e à má sorte. É por isso que é essencial conhecer o significado por detrás das suas escolhas de cor no contexto e no mercado em que pretende utilizá-la.

A história por detrás da psicologia da cor é extensa. Infelizmente, grande parte da literatura sobre este assunto ainda está dividida. Pequenas áreas de estudo têm demonstrado resistir a testes rigorosos. A preferência pessoal desempenha um papel essencial nas nossas associações e decisões com as cores. Esperemos que alguns estudos recentes lancem uma luz mais conclusiva sobre este assunto.

A evolução natural da utilização da cor na arte conduziria à sua aplicação no marketing e no design.

Olhe à sua volta e observe os objectos que escolheu para preencher a sua vida. Quantos desses objectos foram criados em tons que os ajudam a atrair os seus mercados? Embora nem sempre reparemos activamente nas cores que nos rodeiam e que as equipas de marketing escolheram meticulosamente, tomamos nota a um nível subconsciente.

Estas cores influenciam a nossa vida quotidiana, algumas delas de forma ligeira (qual a marca de café a comprar) e outras com maior impacto (a cor da parede do escritório que influencia o nosso humor).

Agora que sabe como prestar atenção à variedade de tonalidades à sua volta, pode utilizá-la em seu benefício. Experimente utilizar o Vectornator para ver quais as cores que melhor se adequam às suas ilustrações e designs e como alterar uma tonalidade aqui e ali pode criar uma resposta emocional totalmente diferente.

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