Psicologia del colore nell'arte e nel design

Sapevate che le api non possono vedere il colore rosso, ma possono vedere alcuni colori viola che gli esseri umani non possono vedere? Questo fenomeno è chiamato porpora delle api ed è legato alle diverse aree dello spettro luminoso che possono vedere rispetto a quelle che possono vedere gli esseri umani. Ci si chiede quali altri colori possano esserci là fuori e che noi, come specie, ci stiamo perdendo.

Vi è mai capitato di guardare un'opera d'arte realizzata con colori freddi e di sentirvi tranquilli, oppure di vederne una realizzata con colori caldi e di sentire l'energia e la passione dell'artista uscire dalla pagina? Questa sensazione, in sostanza, è la psicologia del colore.

Molte delle nostre decisioni quotidiane si basano sui colori che ci piacciono e su quelli che troviamo intorno a noi. Pensate alla gioia che provate nel trovare l'abito del colore che più vi si addice. Fate un paragone con le sensazioni che provate quando entrate in un edificio con pareti scure e poca luce. Tutti questi piccoli elementi influenzano la nostra vita quotidiana, anche se raramente ci pensiamo.

Che cos'è la psicologia del colore?

La psicologia del colore è il fenomeno per cui il colore influenza il comportamento, le emozioni e le percezioni umane. Tutti noi abbiamo connessioni istintive tra colori specifici e le sensazioni che evocano, ma queste connotazioni variano a seconda delle culture e delle esperienze personali.

La psicologia del colore si occupa principalmente della teoria del colore. Il modo in cui i colori interagiscono tra loro influenza in larga misura la percezione che ne abbiamo. Esistono varie relazioni tra i colori, come quelle primarie, secondarie, terziarie e complementari. Il modo in cui questi colori vengono accostati può influenzare il modo in cui vengono percepiti e influenzano l'osservatore.

I colori sono stati utilizzati per millenni per evocare determinate sensazioni. Gli esseri umani hanno utilizzato l'associazione dei colori in antiche pratiche in Grecia, Egitto e Cina. Hanno usato i colori per creare associazioni con le divinità nei loro pantheon, in particolare collegandoli agli elementi naturali, alla luce e al buio, al bene e al male.

Nell'Antico Egitto e in Cina i colori venivano utilizzati per trattare problemi di salute, in quanto si riteneva che i colori aiutassero a stimolare aree specifiche dell'organismo, come avviene ancora oggi in alcuni trattamenti olistici.

I colori hanno significati e associazioni diverse per le culture di tutto il mondo. Spesso associati a eventi e rituali specifici, il simbolismo può variare notevolmente da paese a paese.

Le culture occidentali associano spesso il bianco alla purezza, all'innocenza e alla pulizia, mentre il nero al potere, alla raffinatezza e al mistero. Il nero è spesso considerato un colore di lutto, indossato ai funerali.

Le culture orientali associano il bianco alla morte e al lutto, per cui il colore più indossato ai funerali è il bianco. Anche il rosso è un colore essenziale nelle culture orientali, che simboleggia la fortuna e la felicità, e viene spesso utilizzato in occasione di matrimoni e altre celebrazioni.

Anche alcune culture native americane associano fortemente il colore ai loro rituali e cerimonie: spesso usano il rosso per indicare il potere vivificante del sole, mentre il verde è considerato un simbolo di crescita e rinnovamento.

Nel complesso, è chiaro che il colore racchiude molti significati e associazioni per le persone di tutto il mondo ed è un aspetto essenziale della comunicazione e dell'espressione culturale. È fondamentale considerare il contesto culturale quando si utilizza il colore nel design o nel marketing, poiché colori diversi possono avere connotazioni diverse in culture diverse.

I colori hanno sempre affascinato l'umanità, ma solo in tempi relativamente recenti abbiamo iniziato a comprendere lo spettro cromatico.

Il balzo in avanti più significativo è stato quello di Sir Isaac Newton, quando ha capito che la luce che ci circonda non è solo bianca, ma una combinazione di diverse lunghezze d'onda. Questa teoria ha portato alla creazione della ruota dei colori e a come i diversi colori siano attribuiti a specifiche lunghezze d'onda.

L'inizio della psicologia del colore

Sebbene lo sviluppo della teoria del colore fosse puramente scientifico, altri studiarono comunque gli effetti dei colori sulla mente umana.

La prima esplorazione del rapporto tra colore e mente è opera di Johann Wolfgang von Goethe, artista e poeta tedesco, che nel suo libro del 1810, Teoria dei colori La comunità scientifica non ha accettato le teorie contenute nel libro perché si trattava principalmente di opinioni dell'autore.

Sulla scia del lavoro di Goethe, un neuropsicologo di nome Kurt Goldstein ha utilizzato un approccio più scientifico per vedere gli effetti fisici dei colori sull'osservatore: ha osservato le diverse lunghezze d'onda e come quelle più lunghe ci facciano sentire più caldi o più eccitati, mentre quelle più corte ci fanno sentire freddi e rilassati.

Goldstein ha anche condotto studi sulle funzioni motorie di alcuni dei suoi pazienti, ipotizzando che il colore potesse aiutare o ostacolare la destrezza. I risultati hanno mostrato che il rosso peggiorava i tremori e l'equilibrio, mentre il verde migliorava le funzioni motorie. Sebbene questi studi siano scientifici, non sono ampiamente accettati poiché altri scienziati non sono ancora riusciti a replicare i risultati.

Un altro leader nel campo della psicologia del colore è stato Carl Jung, il quale ha teorizzato che i colori esprimono stati specifici della coscienza umana. Ha investito nell'uso del colore per scopi terapeutici e i suoi studi si sono concentrati sulla ricerca dei codici nascosti dei colori per sbloccare il subconscio.

Nella teoria di Jung, egli divideva l'esperienza umana in quattro parti e assegnava a ciascuna un colore specifico.

• Rosso: Sentimento

  Simboleggia: sangue, fuoco, passione e amore.

• Giallo: Intuizione

  Simbolizza: splendore e irradiazione verso l'esterno

• Blu: Pensare

  Simboleggia: freddo come la neve

• Verde: Sensazione

  Simboleggia: terra, percezione della realtà

Queste teorie hanno dato forma a quella che oggi conosciamo come psicologia del colore e hanno contribuito a descrivere il modo in cui percepiamo i colori.

Mentre alcuni lavori di Goethe sono stati convalidati, le ricerche di molti pionieri non sono ancora state screditate. Ma il fatto che siano state screditate non significa che il loro lavoro non abbia avuto un impatto: hanno motivato diversi scienziati moderni a scavare più a fondo nell'enigma della psicologia dei colori.

Come i colori influenzano le persone

Quando vedete un prodotto colorato di rosa, a quale genere lo associate? Avete mai pensato al perché? Ironia della sorte, l'attribuzione del rosa alle ragazze è uno sviluppo relativamente recente.

Inizialmente il rosa era visto come un'altra iterazione del rosso e quindi legato ai ragazzi. Il rosa era considerato più robusto del blu a causa del legame con il rosso. Allo stesso tempo, il blu era considerato un colore calmo e delicato.

Solo dopo la Seconda Guerra Mondiale, quando le uniformi furono realizzate più comunemente in tessuto blu, il colore iniziò a essere associato alla mascolinità. Il colore rosa era generalmente assegnato a tratti più femminili nella Germania degli anni Trenta.

Un altro fatto interessante sul rosa è il suo effetto sul cervello umano, in particolare su una tonalità specifica, il rosa Baker-Miller. Conosciuto anche come "rosa della cisterna", il rosa Baker-Miller è una particolare tonalità di rosa che si ritiene abbia un effetto calmante sulle persone. È stato utilizzato per la prima volta negli anni '70 dal dottor Alexander Schauss, che ha sostenuto che l'esposizione a questo colore per periodi prolungati poteva ridurre il comportamento aggressivo.e aumentano le sensazioni di calma e rilassamento.

Da allora, la rosa di Baker-Miller è stata utilizzata in vari ambienti stressanti, tra cui carceri e ospedali, ed è stata anche vietata negli spogliatoi delle scuole, poiché i suoi effetti sono stati utilizzati per alterare i livelli di energia delle squadre sportive in visita.

Tuttavia, le prove scientifiche a sostegno dell'efficacia della rosa di Baker-Miller come calmante sono contrastanti e sono necessarie ulteriori ricerche per comprenderne appieno gli effetti.

Idee moderne su come il colore ci influenza

Gli studi moderni hanno continuato a seguire la stessa traiettoria di quelli precedenti. I principali argomenti discussi oggi nel campo sono gli effetti del colore sul corpo, la correlazione tra colori ed emozioni, il comportamento e le preferenze cromatiche.

I metodi utilizzati oggi sono diversi da quelli dei vecchi studi: i ricercatori hanno a disposizione molti più strumenti e le linee guida sono più rigorose per garantire che gli studi siano in grado di superare il controllo scientifico.

Mentre gli studi sulle preferenze cromatiche sono meno rigorosi dal punto di vista scientifico, molti studi sugli effetti fisiologici dei colori coinvolgono variabili come la misurazione della frequenza cardiaca, della pressione sanguigna e dell'attività cerebrale per vedere gli effetti delle diverse lunghezze d'onda dei colori. È stato costantemente dimostrato che i colori dello spettro rosso hanno effetti stimolanti, mentre lo spettro blu è calmante.

Quando si esamina la popolarità dei colori, non sorprende che i colori più popolari, se classificati, siano quelli più luminosi e saturi. I colori scuri tendono a classificarsi più in basso, e i meno preferiti sono il marrone, il nero e il verde giallastro.

Le risposte comportamentali ai colori sono un'area di studio difficile da gestire. Uno dei metodi utilizzati dai ricercatori prevede l'uso di un elenco di aggettivi con cui i soggetti del test devono scegliere una delle due parole opposte che secondo loro descrivono meglio un colore. Le risposte medie danno un'idea generale degli atteggiamenti verso i diversi colori.

Altri studi, più impegnativi, sono stati condotti per vedere come i diversi colori influenzano le persone negli ambienti decisionali. Uno studio ha riguardato le differenze nei comportamenti di vendita al dettaglio quando il colore dello sfondo cambiava: uno dei negozi aveva le pareti rosse mentre l'altro le aveva blu.

Questo studio pubblicato sul Journal of Consumer Research ha dimostrato che i clienti erano più disposti ad acquistare articoli in un negozio con le pareti blu, mentre nel negozio con le pareti rosse i clienti che navigavano e cercavano meno erano più propensi a rimandare l'acquisto e a comprare meno articoli a causa dell'ambiente più opprimente e teso.

Sebbene questi studi mostrino reazioni specifiche in ambienti controllati, ci aiutano a capire che le diverse risposte ai colori dipendono dall'ambiente e dalla cultura.

Come i diversi colori ci influenzano

Il rosso è un colore affascinante per quanto riguarda gli effetti che suscita. L'impatto del rosso sulle prestazioni degli individui varia notevolmente a seconda della situazione.

Uno studio pubblicato sul Journal of Experimental Psychology ha esaminato l'influenza del colore in un contesto più accademico, assegnando ad alcuni partecipanti numeri di partecipazione neri, verdi o rossi. In media, gli "sfortunati" a cui sono stati assegnati i numeri rossi hanno ottenuto risultati peggiori del 20% nei test.

In totale contrapposizione, il rosso può essere un vantaggio in ambito sportivo. Durante le Olimpiadi del 2004 è stato condotto uno studio sulle uniformi indossate in quattro diversi tipi di arti marziali. Ai partecipanti sono state assegnate uniformi rosse o blu. Su 29 classi di peso, 19 sono state vinte dai partecipanti in rosso. Questa tendenza si riflette anche in altri sport, come il calcio.

Alcune teorie suggeriscono che l'associazione storica del rosso con la guerra, l'aggressività e la passione possa influenzare i giocatori a essere audaci nelle loro azioni.

Un'altra teoria è che il colore possa intimidire l'avversario. Sebbene i meccanismi di questo fenomeno siano ancora in fase di definizione, ciò che è certo è che produce risultati di grande impatto.

Forse non ce ne rendiamo conto, ma i colori ci inducono a formulare giudizi, che si manifestano soprattutto nel campo della moda. Una ricerca condotta da Leatrice Eiseman ha evidenziato modelli significativi nei pregiudizi che i colori possono creare.

Alla ricerca di colori che diano un'impressione positiva sul posto di lavoro, le risposte sono il verde, il blu, il marrone e il nero. Il colore verde dà una sensazione di freschezza, energia e armonia.

Questo è particolarmente indicato quando si svolge un lavoro d'ufficio, che richiede una maggiore vitalità per affrontare la giornata. Il colore blu è legato all'intelletto e alla stabilità, il che porta a una maggiore fiducia sul posto di lavoro. Sia il blu che il nero trasmettono autorità, con il colore nero che ha il vantaggio di emanare eleganza.

Al contrario, i colori peggiori da indossare al lavoro sono il giallo, il grigio e il rosso. Il rosso è visto come un colore aggressivo ed è correlato a una frequenza cardiaca più elevata. Il colore potrebbe emanare un effetto antagonista. Il grigio è visto come poco assertivo e privo di energia.

Il colore potrebbe essere meglio abbinato a un altro colore per contrastarne gli effetti. Dall'altra parte dello spettro, il colore giallo potrebbe essere un colore felice; tuttavia, potrebbe essere troppo energico per un ambiente di lavoro.

In senso più generale, il colore che ha dimostrato di stimolare la concentrazione e la produttività è il verde. Colorare la scrivania di lavoro con una tonalità di verde può aiutare a ridurre l'affaticamento degli occhi e a creare un'area di lavoro più confortevole. Allo stesso modo, il verde e il blu sono ottimi candidati per le pareti dell'ufficio, in quanto riducono l'ansia in un ambiente stressante.

Anche i social media sono guidati dai colori

L'uomo è sempre stato attratto dai colori più saturi, come dimostra il fenomeno dei filtri fotografici, soprattutto in app come Instagram e TikTok.

Sebbene questo sia già un dato interessante, dimostra anche che le interazioni sono predisposte verso foto che utilizzano calore, esposizione e contrasto.

Se si considerano gli effetti di queste modifiche, i colori più caldi creano una sensazione di maggiore luminosità e vivacità che sembra più attraente per gli spettatori e lascia un'impressione più duratura sul pubblico.

L'esposizione è un altro modo per creare maggiore vitalità in una foto. Modificare il bilanciamento della luce nelle immagini può aiutare a far risaltare i colori spenti e scuri. Questo effetto richiede un tocco fine, poiché una sovraesposizione potrebbe sbiadire i colori, mentre una sottoesposizione potrebbe scurire l'immagine.

Oltre all'esposizione, anche il contrasto di una foto è essenziale. La funzione di questi filtri renderà più nitide le aree scure e quelle chiare. Le immagini con un maggiore contrasto ci attraggono di più perché sono visivamente più interessanti.

I giochi di luce e l'audacia dei colori contribuiscono a dare un senso al mondo in modi di cui non ci rendiamo conto. Tendiamo ad essere attratti da specifici elementi di colore nel mondo che ci circonda. Capire questi elementi può aiutarci a dare un senso al mondo che ci circonda.

Sapere qual è il tema del computer o il colore dell'ufficio che può aumentare la produttività e proteggere dallo stress eccessivo in un ambiente di lavoro frenetico può essere un grande vantaggio.

In un mondo in cui l'impegno alimenta l'algoritmo dei social media, modificare l'equilibrio dei colori nei post può renderli più attraenti e spingere gli spettatori a fermarsi, guardare e interagire con essi.

Ma quando si parla di colori, il campo più significativo che ne utilizza i poteri è ancora quello artistico. L'arte e il marketing fanno un uso quotidiano degli effetti che il colore può evocare. Entrambi questi campi si basano sulle reazioni dello spettatore per creare interazione e, a sua volta, valore di mercato.

Come artisti e designer usano la psicologia del colore

Sebbene il colore sia una forza nelle culture da quando abbiamo iniziato a creare pittogrammi, alcuni colori sono sempre stati più disponibili di altri. Più vecchie sono le immagini, minore è la varietà dei colori utilizzati.

All'inizio il blu era un pigmento molto raro da ottenere. Il modo principale in cui le civiltà antiche potevano ottenere il blu era macinare il lapislazzuli, una risorsa rara e costosa. Si dice addirittura che Cleopatra usasse la pietra macinata come ombretto blu.

Uno sviluppo in Egitto ha portato alla creazione del primo pigmento sintetico, il blu egiziano, inventato intorno al 3500 a.C. e utilizzato per colorare la ceramica e creare un pigmento con cui dipingere. Si usavano rame e sabbia macinati e poi cotti a una temperatura estremamente elevata per ottenere un blu vivido.

Il blu egiziano è stato spesso utilizzato come colore di fondo per l'arte durante il periodo egizio, greco e romano. Con il crollo dell'Impero romano, la ricetta di questo pigmento è svanita nell'oblio, facendo sì che il blu diventasse uno dei colori più rari da dipingere.

La rarità del blu ha fatto sì che qualsiasi opera d'arte creata prima del XX secolo con il pigmento blu nella vernice fosse stata realizzata da un artista molto apprezzato o commissionata da un ricco mecenate.

La nostra associazione con il colore viola e la regalità è dovuta anche alla difficoltà di ottenere il pigmento: l'unica fonte di viola proveniva da un tipo di lumaca che doveva essere lavorata estraendo un muco specifico ed esponendolo al sole per periodi controllati.

L'enorme quantità di lumache necessarie per produrre la tintura viola rendeva questo pigmento disponibile solo per i reali e questa esclusività ha creato un pregiudizio permanente nella nostra visione di questo colore, ancora oggi.

Durante una spedizione fortuita dell'esercito britannico in Africa negli anni Cinquanta dell'Ottocento, uno scienziato fece una scoperta rivoluzionaria per produrre un colorante viola.

William Henry Perkin stava cercando di sintetizzare una sostanza chiamata chinino; i suoi sforzi, purtroppo, non ebbero successo. Ma mentre cercava di pulire con l'alcol, Perkin trovò che la melma marrone si trasformava in una macchia viola molto pigmentata. Chiamò questa tintura "malva".

Perkin intuì anche l'opportunità commerciale che ciò avrebbe potuto portare e brevettò la sua invenzione, aprendo una tintoria e continuando a sperimentare con i coloranti sintetici. Questa incursione nei coloranti sintetici rese colori come il viola accessibili alle masse.

Un punto di svolta nell'arte è stato l'invenzione di coloranti e pigmenti sintetici, che hanno dato agli artisti una più ampia varietà di colori da sperimentare e hanno permesso loro di catturare con maggiore precisione lo spirito di ogni periodo storico.

Oggi gli storici dell'arte analizzano spesso l'arte osservando le tecniche e i colori utilizzati. I tipi di pigmenti colorati utilizzati possono aiutare a datare un'opera d'arte e a capire cosa gli artisti hanno cercato di comunicare con le loro opere. La psicologia del colore è fondamentale per analizzare la storia dell'arte.

Antichi maestri Contrasto e chiaroscuro

Dal XIV al XVII secolo, alcuni colori erano ancora limitati a causa dei pigmenti disponibili. Il principale movimento artistico registrato in questo periodo è noto come Rinascimento, che comprende il Rinascimento italiano, il Rinascimento settentrionale (con il Secolo d'oro olandese), il Manierismo e i primi movimenti barocchi e rococò.

Questi movimenti si sono verificati quando i pittori lavoravano spesso in condizioni di luce limitata, con la conseguenza che le opere d'arte contenevano alti contrasti all'interno delle immagini. Il termine usato per questo era chiaroscuro (Due degli artisti che hanno utilizzato questa tecnica sono Rembrandt e Caravaggio.

Il contrasto tra i colori attira l'osservatore e i colori più caldi creano una sensazione di intimità e passione, spesso rispecchiata dal soggetto.

La lezione di anatomia del dottor Nicolaes Tulp (1632), Rembrandt van Rijn. Fonte immagine: Wikimedia Commons

Romanticismo e un ritorno ai toni naturali

Dopo il Rinascimento, il mondo ha cercato di contrastare l'atteggiamento empirico dell'epoca con una correzione eccessiva verso il lato emotivo. Il movimento principale che ne è seguito è stato il Romanticismo.

Questo periodo si concentra sulla forza della natura e delle emozioni ed è dominato da artisti come JMW Turner, Eugène Delacroix e Théodore Gericault.

Gli artisti del movimento artistico del Romanticismo crearono immagini ampie e drammatiche che utilizzavano una maggiore varietà di colori. Questo fu lo stesso periodo in cui Johann Wolfgang von Goethe studiò il legame tra colori ed emozioni.

L'arte romantica si basa sul modo in cui i colori evocano emozioni nell'osservatore. Questi artisti utilizzano i contrasti, la psicologia del colore e colori specifici per giocare sulla percezione della scena da parte dell'osservatore. I colori utilizzati sono un omaggio al legame dell'umanità con la natura, riflettendo comunemente elementi dell'arte medievale.

Spesso un'area specifica è il fulcro dell'opera d'arte e viene resa tale aggiungendo una macchia di colore brillante a un dipinto più scuro o un'area scura in un'opera d'arte con toni più chiari. I valori tonali utilizzati in questo movimento erano generalmente più terra terra e ricordavano la natura.

Viandante sopra il mare di nebbia (1818), Caspar David Friedrich. Fonte immagine: Wikimedia Commons

Impressionismo e i colori pastello

Con la scoperta dei colori sintetici acquistabili, gli artisti iniziarono a esplorare maggiormente le possibilità di combinazione dei colori.

L'Impressionismo fu il passo successivo rispetto alla rigida logica del Rinascimento, basandosi sul Romanticismo e infondendo nella loro arte più sentimento. La natura sognante di queste opere d'arte può essere attribuita all'uso di colori più chiari, a volte quasi pastello, applicati in pennellate visibili.

Con l'ampliamento della tavolozza e l'aggiunta della portabilità dei colori in tubetto, iniziata in quest'epoca, gli artisti cominciarono a uscire nella natura per dipingere - un movimento chiamato "pittura". en plein air I nuovi colori permisero loro di catturare scene di natura con luci e stagioni diverse, dipingendo a volte più versioni dello stesso paesaggio con palette di colori differenti.

Covoni (tramonto) (1890-1891), Claude Monet. Fonte immagine: Wikimedia Commons

Espressionismo, Fauvismo, e colori complementari

Nel periodo compreso tra il 1904 e il 1920 l'approccio all'arte fu completamente nuovo: gli artisti abbandonarono i colori naturali e le immagini morbide e naturali degli impressionisti per abbracciare tutti gli elementi più audaci. I colori iniziarono a spostarsi verso l'innaturale e l'applicazione della pittura fu fatta usando strati spessi e pennellate larghe. Questo diede origine al periodo conosciuto come Espressionismo.

Nel periodo espressionista, il colore è stato utilizzato per affrontare temi ricchi di emozioni, in particolare sentimenti di orrore e paura - e anche alcuni temi più felici. Uno degli artisti più noti di questo movimento è Edvard Munch. Questo periodo artistico si concentra sulle emozioni invece di riprodurre oggettivamente la realtà.

Una sottocategoria del movimento è quella del Fauvismo, nome che nasce come commento negativo dovuto alla natura "incompiuta" dell'arte e che si traduce in "bestie selvagge". Gli artisti di questo movimento, come Henry Matisse, utilizzavano spesso gli effetti dei colori complementari e ne usavano versioni altamente sature per aumentare l'impatto, sfruttando le connotazioni emotive dei colori per richiamare l'attenzione dei visitatori.emozioni rilevanti nello spettatore.

Uno dei pionieri del movimento espressionista è stato Pablo Picasso. Sebbene sia noto soprattutto per il cubismo e la natura astratta delle sue opere, Picasso ha avuto diversi periodi stilistici. Uno di questi è il periodo blu, tra il 1901 e il 1904.

I dipinti di questo periodo sono costituiti principalmente da una combinazione di colori monocromatici blu. L'uso dei colori blu e verdi è iniziato dopo la morte di un amico, influenzando i colori, i soggetti malinconici e le tonalità più scure utilizzate nelle sue opere. Picasso voleva comunicare i sentimenti di disperazione degli emarginati sociali su cui si concentrava nelle sue opere durante questo periodo.

L'importanza del colore in Espressionismo astratto

Il campo dell'Espressionismo astratto si basa su quello degli Espressionisti, ma utilizza i colori in modi che rompono completamente i vincoli del realismo.

La prima divisione del movimento fu quella dei pittori d'azione, come Jackson Pollock e Willem de Kooning, che si affidavano a pennellate di colore selvaggio per creare opere d'arte improvvisate.

Jackson Pollock è incredibilmente noto per le sue opere d'arte realizzate con schizzi di vernice che colavano dal barattolo o facendo scorrere un pennello sovraccarico di colore intorno alla sua tela.

Jackson Pollock - Numero 1A (1948)

In opposizione ai gesti selvaggi dei pittori d'azione, durante il periodo dell'Espressionismo astratto emersero anche artisti come Mark Rothko, Barnett Newman e Clyfford Still.

Questi artisti hanno utilizzato palette di colori specifiche per contribuire a creare la sensazione che desideravano nei loro spettatori. Gli artisti citati rientrano tutti nella categoria della pittura a campi di colore, in cui l'arte consiste in grandi aree o blocchi di singoli colori.

Sebbene si utilizzino spesso temi monocromatici e gradienti, un altro modo per scegliere i colori è utilizzare la ruota dei colori e osservare quali colori formano una triade o un'armonia cromatica quadrata. Le armonie cromatiche aiutano a creare un buon equilibrio tra i colori, ma di solito si sceglie un colore dominante che sia prevalente nella composizione in base alla sensazione generale dell'opera.

I colori complementari sono spesso utilizzati per creare contrasti netti nell'arte. Poiché questi colori si trovano ai lati opposti della ruota cromatica, vengono spesso utilizzati per riprodurre due energie diverse in un'unica immagine.

Le forme pure di questi colori contrastanti non sono sempre quelle utilizzate: sottili variazioni di tonalità possono creare profondità e aggiungere carattere a ciò che altrimenti potrebbe risultare un'immagine molto dura.

Mark Rothko e Anish Kapoor sono due esempi affascinanti di artisti che usano i colori nell'arte astratta per sfidare lo spettatore.

Rothko usava il colore, soprattutto il rosso, per rivolgere i pensieri dell'osservatore verso l'interno. I suoi dipinti sono eccezionalmente grandi, con dimensioni che vanno da 2,4 a 3,6 metri (circa 8 x 12 piedi). Le dimensioni costringono l'osservatore a cogliere e sperimentare l'effetto dei colori in modo molto intimo.

Anish Kapoor sta portando la teoria del colore a un nuovo livello. Nel 2014 Surrey NanoSystems ha creato un nuovo prodotto - l'antitesi del colore: un colore che non riflette quasi nessuna luce (assorbe il 99,965% della luce visibile) ed è noto come Vantablack.

Kapoor ha acquistato i diritti d'autore del colore e, mentre di solito si usa il colore per evocare sentimenti più forti, il Vantablack crea un senso di vuoto e di silenzio.

Anish Kapoor ha creato opere d'arte con questo colore, chiamandolo Padiglione del Vuoto V (2018).

La Pop Art Colori primari

Intorno agli anni Cinquanta, in Gran Bretagna e in America, emerse il nuovo movimento della Pop art. Questo movimento sfruttava lo stile illustrativo dei fumetti e della cultura popolare che non corrispondeva ai valori dell'arte tradizionale. Lo stile grafico e i soggetti d'avanguardia, che mostravano immagini più secolari e si rivolgevano a un pubblico molto più giovane, furono pesantemente criticati dagli accademici.

La tavolozza di colori più diffusa in questo periodo è quella dei colori primari, utilizzati per creare blocchi di colore piatti senza sfumature.

All'inizio del XX secolo, gli artisti hanno usato l'arte per commentare la società moderna del dopoguerra, utilizzando l'immagine di oggetti banali con colori assurdi per trasmettere il messaggio di rottura con i valori tradizionali e il conformismo. Due degli artisti più noti di questo periodo sono Roy Lichtenstein e Andy Warhol.

Dalla Pop Art alla Op Art

Negli anni Sessanta è emerso un nuovo movimento artistico che, pur ispirandosi all'Espressionismo astratto, ha creato uno stile proprio: la cosiddetta Op Art, che si concentra sulla creazione di opere astratte basate su motivi e colori successivi che stimolano l'occhio.

L'Op Art è nata con disegni in bianco e nero che avevano lo scopo di ingannare l'occhio utilizzando motivi in primo piano e sullo sfondo che creavano confusione ottica. Solo in un secondo momento gli artisti di questo movimento hanno iniziato a utilizzare il colore per creare illusioni ottiche ancora maggiori.

Uno dei primi esempi di questo movimento risale al 1938 ad opera di Victor Vasarely ( Le Zebre ), ma è solo negli anni Sessanta che l'Op Art diventa un fenomeno.

Tra gli artisti più noti di questo periodo si annoverano Richard Anuskiewicz, Victor Vasarely, Bridget Riley e François Morellet. Ognuno di questi artisti affronta gli elementi ottici in modi diversi. Un esempio è l'uso di colori opposti per confondere l'occhio dell'osservatore, come si vede qui sotto nell'opera del pioniere della Op Art Richard Anuskiewicz.

Nel Arte digitale Mondo

Oggi la maggior parte dell'arte che vediamo intorno a noi è costituita da disegni digitali, ma anche se possiamo pensare che si tratti di uno sviluppo relativamente recente, l'arte digitale è nata negli anni Sessanta.

Il primo programma di disegno digitale basato su vettori è stato sviluppato da Ivan Sutherland, dottorando del MIT, nel 1963. Pur essendo ancora in grado di disegnare solo linee in bianco e nero, questo programma ha aperto la strada a tutti i programmi di disegno che utilizziamo oggi.

Negli anni '80 la produzione di computer ha iniziato ad aggiungere display a colori per le installazioni domestiche, aprendo agli artisti la possibilità di iniziare a sperimentare con il colore su programmi di disegno più nuovi e intuitivi. Le immagini generate al computer (CGI) sono state utilizzate per la prima volta nell'industria cinematografica, un esempio notevole è il lungometraggio Tron (1982).

Negli anni Novanta è nato Photoshop, che si è ispirato molto a Mac Paint, e si sono consolidati Microsoft Paint, CorelDRAW e vari altri programmi tuttora in uso.

L'evoluzione dell'arte digitale ha aperto le possibilità di creazione. L'arte digitale è utilizzata in molti settori che sfruttano al massimo la versatilità del mezzo.

L'arte e l'uso del colore nelle installazioni moderne sono diventati un'esperienza immersiva. Mentre la realtà aumentata e la realtà virtuale si sono infiltrate nell'industria del gioco, utilizzando diverse palette di colori per creare l'atmosfera di scenari diversi, si è diffuso anche un altro tipo di esperienza: le mostre interattive.

Sketch Aquarium è un esempio di arte interattiva in cui i bambini sono incoraggiati a disegnare i propri animali dell'acquario, che vengono poi scannerizzati e digitalizzati per unirsi ad altre creazioni in una vasca virtuale. L'esperienza è un'attività tranquilla in quanto il blu dell'acquario virtuale li circonda, stimolando al contempo la loro curiosità e creatività.

L'edificio d'arte interattivo più grande del mondo è il Mori Building Digital Art Museum, sviluppato dal teamLab Borderless, che ospita cinque grandi spazi con display digitali creati per evocare emozioni diverse nel pubblico, a seconda che si tratti di display floreali colorati, di cascate tranquille dai toni freddi o persino di magiche lanterne galleggianti che cambiano colore.

L'arte digitale oggi è libera dalle limitazioni formali dell'arte tradizionale: anche quando imita i metodi artistici tradizionali, gli strumenti possono essere manipolati come l'arte fisica non può fare.

I colori possono essere creati e modificati per adattarsi all'atmosfera che l'artista vuole creare. Un'eccellente esplorazione di questo aspetto è il modo in cui la Pixar utilizza il colore nei suoi film. Sebbene la psicologia del colore sia chiaramente rappresentata in Dentro e fuori (2015), un altro esempio è la saturazione dei colori e le diverse palette scelte per le varie scene del film. Su (2009).

Il ruolo del colore in Design

Il design attinge a molte delle stesse fonti dell'arte, utilizzando il colore per trasmettere i diversi valori e le identità di marca di ogni azienda. Alcuni dei marchi più riconoscibili oggi prendono le connotazioni cromatiche intrinseche delle persone e le usano per attirare i clienti verso i loro prodotti.

Il blu è considerato un colore calmante e affidabile. Queste connotazioni hanno portato molti settori della sanità, della tecnologia e della finanza a utilizzare il blu per ottenere la fiducia dei clienti. Non sorprende che il blu sia uno dei colori più utilizzati nei loghi.

L'effetto naturalmente stimolante del rosso lo porta a essere un colore frequentemente utilizzato nell'industria alimentare: basti pensare ad aziende come Coca-Cola, Red Bull, KFC, Burger King e McDonald's (anche se utilizzano l'ottimismo del giallo per rafforzare la loro immagine di marketing).

Il rosso è anche visto come un colore che promette intrattenimento e stimolo. I marchi con logo rosso che spesso utilizziamo per l'intrattenimento sono Youtube, Pinterest e Netflix.

Immaginate il vostro marchio preferito con colori diversi. Fonte: Sign 11

Il verde nel settore del marketing viene utilizzato per inviare un messaggio di ambientalismo, beneficenza e denaro, ed è associato al benessere in generale. Ci fidiamo delle immagini verdi del cartello del riciclaggio e di Animal Planet per essere benevoli. E aziende come Starbucks, Spotify e Xbox sono note per aiutarci a rilassarci.

La pura semplicità del nero è uno dei colori più accessibili nel design e crea l'impressione di un'eleganza senza tempo che alcuni marchi di alto livello preferiscono. I loghi neri non sono limitati a nessun settore.

I marchi di moda di lusso come Chanel, Prada e Gucci prediligono la sobrietà del nero, ma allo stesso tempo questo colore rappresenta anche marchi sportivi come Adidas, Nike, Puma e l'azienda di giochi sportivi EA Games, dando l'impressione di essere di fascia alta.

Mentre i colori arancioni di Amazon e FedEx si prestano alla libertà e all'eccitazione di un nuovo pacco, i marroni di M&M's e Nespresso mostrano il calore e la natura della terra.

Per quanto riguarda il design dell'interfaccia utente e dell'esperienza utente (UI/UX), il colore influisce sul modo in cui l'utente visualizza e interagisce con le schermate delle app e le pagine web del vostro prodotto.

La psicologia del colore ha dimostrato più volte di influenzare le risposte dei consumatori alle chiamate all'azione (CTA). Ma come fanno gli UX designer e i marketer a sapere quale dei loro progetti porterà il maggior numero di conversioni dei clienti? La risposta sta nei test A/B.

I team di progettazione testano diverse versioni delle stesse CTA dividendole tra i visitatori del sito web. Le analisi delle reazioni del pubblico a questi design indicano quale call-to-action utilizzare.

In un test condotto da Hubspot, sapendo che il verde e il rosso avevano ciascuno una propria connotazione, i clienti erano curiosi di sapere su quale colore avrebbero cliccato i pulsanti, e hanno pensato che il verde fosse un colore visto più positivamente e quindi il preferito.

Nel design UI/UX, il rosso attira l'attenzione e crea un senso di urgenza. Tuttavia, solo perché questo test ha dato come risultato che il rosso è l'opzione migliore, non si deve pensare che sia un fatto universale. La percezione e le preferenze del colore nel marketing hanno una miriade di fattori che contribuiscono.

Assicuratevi sempre di testare le opzioni di colore con il vostro pubblico prima di cambiarle: potreste rimanere sorpresi dal risultato e imparare di più sui vostri clienti.

Vedere la vita in tutte le sue sfumature

L'uso dei colori per scopi specifici esiste fin dall'antichità, ma è interessante notare quanto poco sia variato nei secoli l'uso che ne facciamo, anche tra le culture che sono scomparse e si sono riformate nel corso della storia.

Di tanto in tanto emergono discrepanze tra le varie culture: un esempio è l'idea occidentale che il bianco significhi purezza e che venga usato per i matrimoni, mentre in alcune culture orientali, come la Cina e la Corea, è collegato alla morte, al lutto e alla sfortuna. Ecco perché è essenziale conoscere il significato che si cela dietro la scelta del colore nel contesto e nel mercato in cui lo si vuole usare.

La storia della psicologia dei colori è molto vasta, ma purtroppo gran parte della letteratura sull'argomento è ancora divisa. Alcune aree di studio si sono dimostrate in grado di resistere a test rigorosi. Le preferenze personali giocano un ruolo essenziale nelle nostre associazioni e decisioni con i colori. Si spera che alcuni studi recenti facciano luce in modo più definitivo su questo argomento.

Ciò è legato anche a tutti gli sviluppi nella creazione di pigmenti e colori precedentemente non disponibili per le generazioni precedenti. Questo consolida le nostre associazioni con i colori e le emozioni ad essi collegate. La naturale evoluzione dell'uso del colore nell'arte avrebbe portato alla sua applicazione nel marketing e nel design.

Guardatevi intorno e osservate gli oggetti con cui avete scelto di riempire la vostra vita. Quanti di questi oggetti sono stati creati in tonalità che li rendono interessanti per il loro mercato? Anche se non notiamo sempre attivamente i colori che ci circondano, scelti con cura dai team di marketing, ne prendiamo nota a livello subconscio.

Questi colori influenzano la nostra vita quotidiana, in alcuni casi in modo limitato (quale marca di caffè comprare), in altri in modo più incisivo (il colore della parete dell'ufficio che influenza il nostro umore).

Ora che sapete come prestare attenzione alla varietà di tonalità che vi circonda, potete usarla a vostro vantaggio: provate a usare Vectornator per vedere quali colori si adattano meglio alle vostre illustrazioni e ai vostri progetti e come modificare una tonalità qua e là possa creare una risposta emotiva completamente diversa.

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